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音乐美学声乐艺术论文精选
音乐美学作为一项独立的学科内容，具有较强的抽象性和哲学意义，因此一直以来被相关领域所关注和钻研。本文旨在阐明音乐美学的概念、表现形式、相关的音乐内容，并在此基础上结合实际分析音乐美学角度下音乐艺术表现形式的实现路径，希望借此引导大家更加深刻地了解、学习、欣赏、传承音乐艺术。
音乐美学，顾名思义，融合了音乐、美学等诸多内容，具备较强的美学和艺术性特征。为了更好地了解不同音乐作品的存在和表现形式，方便日后进行传承发展，音乐美学开始成为广大学者专家深刻关注的话题。具体方法就是及时透过美学层面去挖掘和定位不同音乐作品的存在、表现形式，自觉加深对音乐理论知识和表演实践的融合效果，在吸引更多人关注的同时，提升学习者的审美素质。至于音乐美学角度下音乐艺术具体的表现形式，则主要会在后续深入延展。
相对于其他音乐学科来讲，音乐美学具备一定程度的哲学性、艺术性特征，主张针对不同音乐作品的艺术规律加以精准性把控，拥有自身特定的研究对象和涉足领域，拥有较强的概括性和抽象性效果[1]。除此之外，音乐美学在国内来讲还是比较新颖的，但实际上其很早就由德国哲学家鲍姆嘉通总结阐述，主要收录在《论音乐美学的思想》着作之中，并且持续到十九世纪后由德国音乐学家里曼再次补充拓展，《音乐美学的要义》作品正式问世，音乐美学也正式作为一门学科而独立存在、深入发展。
首先，音乐形式的基础性要素莫过于表情，其存在意义甚至超过单纯的音乐声音，在音乐表现过程中占据着主导地位。透过音乐艺术层面审视，这部分表情强调借助音响元素来呈现出创作者不同阶段特殊的情绪状态，对应的表现形式包含了高低、长短、快慢、强弱等区别，经过这些形式有序地搭配融入之后，能够赋予整个音乐艺术作品更强的灵活性，保证基于人差异化的情绪状态来生动性抒发对应的感情。
其次，音色亦属于情绪表达中不可忽略的要素。古往今来，诸多作曲家都在热心钻研如何利用乐器来展现各式各样的音色，特别是对于近代音乐来讲，这类现象尤为显着。如许多作曲家决心对传统乐队予以创新形式的调整排列，以求在开发出更加特别的音色基础上，呈现出一类极为新颖、奇特、美丽动人的音响效果，进一步使人的情绪得到深入性、完整性、精准性的表达。
音乐形式的要素还包括组织方式，如若缺少了它，将难以构建完善的音乐结构框架。这就需要表演者适当加入和融合一些特殊的旋律、和声、曲式、作曲技巧、十二音序列等要素，呈现出独特的整体架构。
这类法规属于音乐要素和组织方式衔接的重要媒介，属于人们经过长期审美活动之后，针对现实生活中的不同美感形式加以概括的结果。毕竟广大艺术家们在参与美感体验、创造等活动时，还是需要依靠一些基础性法则加以规范引导的。归根结底，音乐和绘画、雕塑等艺术有着明显的差异性，其绝非单纯地将一些美感要素进行整体、直观地呈现，而是主张有序地规划不同音响的排列次序，使人们在聆听旋律的同时感受到一种和谐美[2]。因此，时间对于音乐这类艺术的表现形式来讲极为重要，当音乐组织技巧在特定时间段内呈现过后，会令听众及时体验到音乐的延续性效果。在此期间，音乐时间和现实时间截然不同，而是作为一种虚化的时间序列而存在。
从本质角度分析，音乐运动属于某种心理活动；而从物理学层面解读，声音产生的根源在于物体的振动现象，正是在一个声音消失而另一个声音接连出现过程中，才形成了整个富有想象力的音乐作品，再经由一代代人传承记忆和完整再现。
在音乐艺术中，音乐性内容涉及情绪、风格、精神三类特征。第一，情绪作为音乐内容中表层的部分，听众能够透过感官来直接体验，进一步把握现场传达的整体氛围效果。第二，一类音乐内容的风格体系，往往不需要理性因素作为支撑，而是要配合听众当下的心情和理解方向进行确认。如若说情绪影响着音乐作品的格调，那风格体系便决定着这种格调的类型，两者维持着一定的阶级关系。第三，精神属于音乐内容中最为高层次的部分，是创作者在特定社会背景下想要抒发的思想情感，包括对现实生活的反思还有创作的主旨。音乐的精神内容单纯配合专业技能始终不能全面、准确地认证，毕竟其是一种高级的审美活动与产物。
这类内容具备一定程度的主观性色彩。首先，绘画性内容，顾名思义，就是配合人的听觉感受来呈现出种种画面，使旋律、音响等转化成为线条、色彩，令音色成为一种时尚造型，进一步丰富听众的音乐世界。其次，文学性内容，存在于创作者的音乐表现还有听众的主观想象当中，其涉及过程、冲突、情绪三个层面，需要创作者借助节奏、音响等细节变化，来进行文字化的抒情表达，配合音乐主题来模拟对应的现实情境和情节，并使用某些音调来演绎出一系列事物等等。
首先，音高的控制。结合我国民族民间音乐发展史来看，为了紧跟音乐变化发展的趋势，就务必及时挣脱大小调体系的约束，创造出更加宽阔的音乐语言空间之余，使音乐表现力和听众的听觉感性特征持续增强，从而自主加入到现代音乐探索队列之中。在此期间，凭借理性设计作为核心的音乐构成模式，更加有助于激发出听众对音乐的感性想象力，增强音乐作品音响的感染力。因此，要想在音乐表现中遵循音乐美学，就要先学会平衡表达理性和感性的关系，准确控制音高。
其次，节奏的把握。现代音乐在节奏表现层面应该要学会突破传统音乐的约束，想方设法赋予音乐艺术超强的感染力。不仅仅要加入一些鲜活的节奏，同时还应该在节奏衔接上保持一定的跳跃性、灵活性、动态性特征，进而为增强整个音乐作品的表现张力奠定基础。需要注意的是，音乐节奏把握上同样存在理性倾向，那就是在保证和传统音乐节奏有所区分之外，还应顺应大众的审美需要，切不可盲目越过大众听觉感受的范畴，否则会严重削减作品整体的审美效果。
最后，音色的处理。音色同样随着音乐艺术持续变化发展，如今已经随着各类乐器的使用，慢慢越过民族的界限，成为音乐作品中自由使用的元素。但是，总有些人过分追求音色的多元性，不能协调各个音色之间的关系，到头来不仅没有赋予音乐作品流行的推动力，反而破坏了收听效果，因此合理使用音色应该得到创作者们的重视。
第一，音乐作品的创作，实际上就是结合生活体验来进行乐谱记录的过程，许多艺术家习惯于结合丰富的生活体验和完善的构思，来将头脑中的种种思想透过音乐细致地传达出来。在此期间，要注意搭配好音乐作品的曲式还有旋律，这样才能确保作品问世后是独一无二的。由此看来，音乐艺术的创作和表现，需要经历非声音形态的表现对象选择、声音形态的听觉对象匹配、作品乐谱的形成等环节，任何环节都不可忽略。
第二，在进行音乐艺术表演期间，能够清楚地感受到其存在模式。表演者想要充分展示出一些音乐作品独特的艺术效果，就要先读懂乐谱，在经过深思熟虑之后，将各类音乐符号转变成为和谐的声音形态，再配合相关乐器和演奏技巧进行优美的呈现。所以说，在音乐表演期间，音乐艺术的存在形式由音乐符号、想象的音乐形象，转变成为现实的音乐作品。
第三，音乐作品欣赏环节中，听众会自觉地对当中的旋律、节奏进行整合，借此加深对音乐作品还有艺术的了解认识。在此期间，听众群体正经历着想象作品、加深情感体验、形成认识结果、做出综合评价等过程。
音乐艺术作品属于一类有机整体，经过了审美和非审美式的整合处理。特别是在同一作品当中，这类融合更加有倾向性。譬如一些轻音乐或是抒情曲艺术作品，重点凸显审美价值，却对一些非审美价值进行弱化处理。现代音乐艺术展现形式更加注重审美、非审美价值的自然融合，毕竟只有两者高度统一之后，音乐作品才显得更为优美动听且富有内涵。归根结底，就是借助特殊的审美滤镜，来将一些科学知识、道德价值观等非审美价值要素巧妙地穿插进去，使得音乐作品本身的魅力增强、内涵更加丰富。
另外，保持音乐艺术内容和形式的统一关系。完美的音乐艺术作品，其内容和形式往往彼此关联缜密，相互契合[3]。事实上，音乐艺术作品在内容上显得比较独特，主题明确，而为了更加精准、完整地表达这部分音乐内容，就要求适当的音乐形式作为支撑。所以说，许多创作家都习惯了基于内容和形式的依存、制约关系来展开补充式创作，利用音乐形式把控着音乐内容的描述，配合音乐内容锁定音乐形式的筛选方向，不至于在表现过程中出现情感突兀、节奏紊乱等不良现象。
综上所述，基于音乐美学视角来细致性解析音乐艺术的形式和内容过后，还需要协调把握它们之间的联系、制约关系。作为广大听众群体，在进行各类音乐艺术作品欣赏过程中，不仅仅要关注其外在表现形式，还应该深入性钻研其核心内容。同样地，作为音乐创作人员，也应该在充分调查了解听众们的兴趣偏好基础上，处理好音乐作品的表现形式和内容的关系，做到及时透过整体进行创作梳理，促进作品在内容和形式上的和谐融合状态。长此以往，帮助更多人科学认识和准确把控音乐美学的基础性规律，提升大家的艺术表现力和审美素养，促进我国音乐艺术的繁荣发展。
音乐美学声乐艺术论文精选
通过人发出的声调再加上语言并用人们的歌唱表演表达出对音乐情感和音乐性质的艺术形式，被称之为声乐艺术。可是作为艺术与实践的结合体，现代音乐美学却呈现了一种复杂的状态，这并不是几天功夫就能学得会的。现代声乐表演艺术也在得到了现代音乐美学的帮助下，变得更加赋有现代性魅力。所以，对于二者的结合是未来声乐艺术发展的一种趋势，只有将二者更好的进行融合，声乐艺术才能得到更好的发展。
随着时代的发展，人们的审美水平也在不断的提高，相应的对音乐表演就有了更高的要求。这就需要表演者能在演奏音乐时，将自身的灵魂与想要表达的请看全部注入到自己的音乐作品中，让音乐也能赋有灵魂。而这说来简单，对于表演者来说就是相当困难的。表演者必须要有扎实的音乐素养以及对艺术有独到的见解。可是音乐的本身是不存在表达力的，这需要音乐家成为一个桥梁，将表演和音乐进行充分的结合。不仅如此，抛开音乐不谈，乐器的伴奏也是重要的道具。演唱者会利用歌唱与乐器来将自己内心的情感进行抒发，音乐的表演是游走在创作与欣赏之间的一种存在。因为每个人对音乐都有不同的观点和想法，这也是为什么今天的音乐世界会如此的异彩纷呈。灵感不同创作感觉就会不同，即使是一件作品也会被风格感较强的两个创作者变得好不相同。总而言之，音乐各种形式的表演都属于音乐美学的一部分，而前者在后者的基础上进行者音乐效果的传递。
（一）音乐美学现象学理论是音乐创作的重要理论指导。
就现代音乐美学的发展上来看，现象学美学绝对称得上是重要的内容。早在二十世纪九十年代，音乐家罗曼就曾发表过关于现象学美学的相关论文，此论文的发表，也为日后对其的研究有了更加详细的理论基础[1]。不仅如此，罗曼还在这篇论文中说明了哲学的客观性与主观性，前者是与人的意志无关且不受意志影响的；而后者则是依附于人的意识而存在的，而且也是意志发生一定变化时，会产生变化进行转移的。对于音乐美学的现象学研究时，主要是从主观性这一方面进行研讨的。哲学现象时有哲学家胡塞尔第一次提出的，不仅如此，他还是罗曼的教师，所以会对罗曼产生较大的影响。正所谓艺术是人类最高层的精神文明，声乐作为它的一部分，更是一种艺术性极强的艺术形式。对于声乐表演艺术的创作要始终将人类的意志作为核心。这种艺术形式的创作就是为了满足广大人民群众的需求，优秀的艺术家时刻都会这样想，并获得人们的深切喜爱。每个时代的声乐表演艺术都是具有一些明显特征的。在我国二十世纪六七十年代，音乐的特征就是革命歌曲，旋律多以斗志昂扬为主；而到了改革开放时期，由于西方舶来品的日益增多，人们开始追求个性化，这时期的曲风更加具有多样性，呈现了一种百花齐放的状态。从中我们也快可以看出，音乐的创作是离不开人们的意志的。因此，在现象学理论被提出之后，音乐作品的创作变得有了理论依据[2]。
（二）在声乐表演“同一性”中对现象学理论的应用。
现象学音乐美学将“同一性”解释为是具有特异性的。其中说到，剧本与乐谱是声乐表演的两大参照物，且剧本与乐谱是两种可以独立的个体。简单来说，演奏者按照乐谱来进行乐曲的演奏，每个人会因为个体间的差异而让与乐曲有不同的感觉，且差异性也很明显[3]。对于这个问题，相关音乐家们也做出了讨论。在众说纷纭的情况下利用现象学美学就能对此问题加以解决。结论中说道，乐谱从某种程度上讲是对创作与表演的一种记录形式，可是人类作为一种独立的个体，具有相当强的灵活性与多变性，这是随着意志与需求进行改变的。而且相同的音乐作品也会出现演绎上的差异，演唱者在保留了作曲家原有的精神下，将个人感受融入到歌曲当中，就会形成很强的个人风格。就用《我爱你祖国》这首歌为例，这首歌就曾被很多演唱者演绎过，每个演唱者都会呈现出不同的感觉，其中让人印象最深刻的就是叶佩英老师曾经演唱过的版本，相当富有艺术色彩又充满爱国热情，让人印象深刻[4]。还有，呼斯楞演唱的《鸿雁》，作者实在不舍兄弟之间情谊以及思念家乡时所写下的歌词，作品中“天苍茫，雁何往，心中的是北方家乡”就是对家乡的思念。这些独特的演唱都让人们感到印象深刻。
随着时代的发展，现代美学也进行了一定程度上的发展，出现了许多新的分支，在这其中就有释义学，虽然它是发展中才形成的，但是也为现代美学发展带来了生机与血液。很多人一直以为狄尔泰是提出释义学美学的第一人，因为它不仅将历史进行了最大程度的真实还原，还将历史进行了一个客观的解释，可是对于声乐表演艺术却只字未提，没有涉及。释义学美学在不断发展下，已经在二十世纪被正式纳入了音乐的表演艺术中。而完成并开创这种形式的则是克莱茨施玛尔，在其大力的推进下，声乐表演艺术也靠着释义学美学得到了快速的发展[5]。另外，当时的声乐表演也非常具有时代性，与当时的社会背景与时代风气能够很好的加以融合。可是由于当时一些不可抗力与其他因素的影响，让此种音乐并没有深入到音乐的本质当中。一直到伽达默尔提出了具有深刻性的音乐作品，才让释义学美学的相关作品，开始受到人们的喜爱。
现在关于现象学美学的研究者们认为，在现象学美学研究的所有对象中，都有一个共同的特点，就是意向性非常强，当然艺术作品本身就是一个意向性较强的事物。这种情况，就会为表演者的表演提供了难度，表演者不仅要有扎实的音乐基本功，还必须具备丰富的艺术创造性以及历史知识。这样才能完成一次对声乐作品合理的二次加工，然后将这部艺术作品尽可能的进行合理修改，让其可以发挥它的最大意境，从而完美的展现在广大的观众面前。
音乐作品的存在状态相对特别，它是一种非语义性的存在，却又蕴含着无比丰富的寓意。表演者在进行声乐表演的过程中，不仅要将自身的情感抒发出来，更要将作品本身的意义进行最大化诠释。在这方面，如果用现代美学的眼光来看，声乐的表演并不是对乐谱的呈现，而是要给作品第二次生命，将自己的情感与心情全部都寄托在作品中，让观众能够深刻的进行感受。
综上所述，现代音乐美学派系较多，而最为主要的两部分也就是现象学与释义学两种学派，声乐表演艺术的发展就是通过对这两种学派的理解和延伸，并保证了长久的音乐发展道路。现在是新时代，对于声乐音乐需要更多不同的声音，不同的思想，年轻的音乐人不应该将自己的思维局限于乐谱和乐器中，因为那些都只是你创作的工具，真正的主人是你自己。只有现代风格浓厚的创新性音乐才能得到长足的发展，将现代音乐美学完美的融入到声乐当中，才是发展的硬道理。
[3]刘承华。中国古代声乐演唱美学的历时性展开——从《师乙篇》到明清“唱论”的历史演进轨迹[j].南京艺术学院学报（音乐与表演版），2015,(2):7-14.
浅论音乐美学对音乐表演的影响艺术论文
民族：满族特长概括：4年音乐教学经验。
身高：163体重：55。
最高学历：大学本科所学专业：音乐表演。
毕业学校：广西艺术学院毕业时间：
户籍：江西省南昌市南昌县现所在地：广西区南宁市青秀区。
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音乐美学声乐艺术论文精选
流行音乐以其极具魅力的特点，给传统音乐、音乐审美理念以及音乐创作理念等方面带来巨大的冲击。其不仅使我国音乐的格局发生的重大变化，也对我国文化产生了重大的影响。一种文化能够得到有效流传，必定有其存在的价值，因此，对中国流行乐的美学特质以及审美意义进行研究，具备非常重要的意义。
（1）审美内容人性化。
流行乐是对比于传统音乐而言的，我国流行乐真正流行时间大约在改革开放这段时间。在改革开放前，人们受到集体文化影响，讲究以集体为目标实现个人的价值。后来随着流行音乐逐渐融入人们生活，也让人们的个体意识以及个性得以彰显，也可以说流行音乐改变了人们的集体意识的审美观念，使人们的审美内容更趋向于人性化。以公众的角度来看，人们在社会中的生活，难免遇到困难，导致其对生活的状态进行思考，而流行乐几乎涵盖了所有范围的情感，使受众的感情得以宣泄，尤其在爱情方面，流行乐中涉及爱情的歌曲，从各个层面、多种视角进行解读，也能够证明流行乐更为贴近生活，趋向于人性化。此外一些流行乐作品涉及一些人性话题，会通过对生存环境、社会一些重大事故进行反思等。例如：歌手韩红演唱的歌曲《天亮了》，便反映了一场缆车事故，在歌词中体现出父爱、母爱的伟大，带给人们深深的感动，这便是流行乐人性化的体现。
（2）审美包装时尚化。
在流行乐的引导下，人们的生活品质、审美能力以及对美的需求得到提升，也更加注重对美的追求，这便是时尚的来源。流行乐作为人们时尚的引导者，随着人们审美标准的提升，也得到有效提升，而流行乐创作人涌现出一个又一个脍炙人口的流行歌曲，也让流行乐逐渐渗透到人们的各个环节，而其中一些具有代表性的演唱者逐渐为人所知，这便是明星的来源。当明星与时尚结合，广阔的舞台、梦幻的灯光、浑身散发着时尚气息的绚丽着装，无一不紧紧抓住人们的眼球，不仅在音乐方面让人们情感得以宣泄，而且在视觉上给人们带来强烈的冲击，因此，流行乐作为时尚的引导消费产品，不仅引领时尚潮流，也是审美包装时尚化的代表。
（1）提高了人们对音乐的审美能力。
以往的大众音乐中，人们往往作为听众，静静聆听表现者宣泄个人情感，对于一些喜欢安静的人来说，这种聆听方式是享受，但是很显然这种方式并不适合大众审美。随着人们观念不断改变，如今音乐文化逐渐从聆听转变为通过各种方式宣泄所有人的情绪，如某歌星演唱会，万人共同演唱，这种震撼，让所有观众产生一种参与感，不仅能够宣泄个人的情感，还能帮助自己喜欢的歌星完成一首曲目。這种对于音乐欣赏观念性的转变，深化了大众对于音乐的理解，使人们对音乐拥有更为直观的感受，从而让所有人对音乐的审美能力得以体现。此外，一些ktv的推广普及、大型音乐竞技类节目如《中国好声音》的出现、唱歌软件如《唱吧》的流行，都为人们提高音乐的审美能力，提供了便利条件，也让人们在宣泄个人情绪之余，对音乐的好坏具备一定的辨析能力，使大众对于音乐审美领域从自在审美变成自我审美[1]。
（2）体现了音乐的人文精神。
在过去，高雅严肃的音乐，并不是所有人能够享受的，而随着流行乐的流传，音乐逐渐趋向于大众化。流行乐起点的核心非常明确，就是为了满足大众需求以及为大众娱乐而创作，因此，流行乐具备浓重的人文精神和平民化色彩。也因此，音乐从高雅的传统音乐逐渐转变成为所有人能够接受的流行乐，才是体现出音乐人文精神的主要原因。而且最主要的一点便是，其依靠极为张扬的个性、具有时代意义时尚色彩的审美以及一些对于生活、社会问题具有批判性的歌词，都在冲击人们的主观意念以及其原本的社会价值观，从某种程度上讲，流行乐也可以作为人们批判传统的有利武器，在社会价值中，其发挥的作用远远超过其本身的音乐价值，这也是音乐的人文精神主要体现。
综上所述，中国流行乐从出现，为人们宣泄情感提供了一条便利途径。根据本文分析可][知，作为大众生活需求中必不可少的存在，也为人们提供了便利条件，所以，基于中国流行乐的优点，将其发扬光大，最终成为世界音乐文化中最为重要的一个部分。
[1]王磊，李建林，魏玲，秦庆昆，王江奇，李慧敏。中国流行音乐的美学特质及审美意义[j].河北大学学报（哲学社会科学版），2007（05）：106-110.
浅论音乐美学对音乐表演的影响艺术论文
在声乐表演中，音乐美学是其最重要的基础和指导原则，表演者在进行声乐表演时，需要具备良好的审美意识、创造力，这样才能将表演中熟练的技巧、表演艺术体现出来。另外通过音乐美学，还能将声乐作品的特征、风格用独特的视角演绎出来，并引起观众的认可，因此，对声乐表演而言，音乐美学发挥着十分重要的作用。
音乐美学是美学的一个重要分支，是音乐和美学的结合体，同时音乐美学也是音乐的重要基础理论学科。音乐美学的本质是对音乐的美进行研究，具体内容包括音乐形式、音乐特征、人类想象、情感、感知等与音乐的关系。音乐美学是一种社会科学，是通过理性的方法对音乐艺术进行探究，音乐美学涉及到的范围很大，社会科学、自然科学等领域中的研究成果，都可以对音乐形式进行探究。利用音乐美学，能极大的促进音乐艺术的发展，提高音乐艺术的欣赏价值。
音乐美学对声乐表演的作用不言而喻，首先音乐美学是声乐表演的基石，声乐表演不仅仅是对技术的一种表现，更重要的是将声乐作品的内涵展现出来，这才是音乐的本质。在声乐表演中，最重要的是将作曲家创作作品的情感、意图、利用作品传达的思想表现出来，同时还需要表演者将自己对作品的理解、感受表达出来，这样才能获得良好的表演效果。通过音乐美学的应用，能实现声乐表演过程中的音乐创作，并从音乐美学的审美特点出发，将节奏、音高、音程、音色等声乐的基本形式体现出来。在具体的声乐表演中，往往对表演者的审美有很高的要求，表演者不仅需要对作品本身进行鉴赏，还需要结合自身的感触去演绎作品，可以说声乐表演是表演者内在感触和外在感知有效结合的审美活动，这就需要利用音乐美学来提升声乐表演的审美价值，从而提高声乐表演的欣赏性。由此可见，音乐美学对声乐表演有十分重要的作用。
3、声乐表演中的音乐美学。
在声乐表演中，表演者在与观众互动过程中会形成审美对象，对于表演者，也就是声乐表演的主体，其表演有演唱、外在形式两种情况，表演者的表演是构成审美对象的基础，而观众的视觉、听觉、意识是审美意识形成的.基础，因此，在对声乐表演中的音乐美学进行分析时，需要从表演主体和观众两方面进行。
3、1声乐表演中表演主体的审美意识。
对于声乐表演，其本身就是一个比较具体的过程，其表述的内容是表演者内心活动的外在体现，因此，表演者在实际表演中，承担着声乐作品二度创作的任务，是声乐作品首次创作（作曲家创作作品）和作品三度创作（观众对声乐作品的欣赏）的连接桥梁，表演者不仅需要将作品本身的内涵表现出来，还需要满足观众的审美需求。在声乐表演中，是通过视觉、听觉共同实现的，声乐表演本身就是表演者个人[文秘站：]审美情感的外在体现，因此，声乐表演中的音乐美学与表演主体的审美意识有很大的关联。
在声乐表演中，人们经常会发现这种情况，不同的表演者，即便演唱同一首歌，演绎出来的效果也存在很大差异，其主要原因就是表演主体的音乐文化修养有一定差异，导致其审美观念也存在一定偏差，最终造成演唱效果不同。作曲家在创作作品时，只是将没有灵魂的音符书写在乐谱上，作品的情感、内涵都需要表演者自己体会，并赋予作品生命力。在科学技术如此发达的今天，人们还是很喜欢真人演唱表演，其主要原因就是人们在欣赏表演者个体的创作性表演，这里面渗透着表演者的智慧、情感，这是非真人表演无法代替的。
人们之所以普遍喜爱音乐，其主要原因是音乐表演经过不同表演者的创作，会产生不同的效果，并且会引起不同观众的共鸣。有很多优秀的表演，会超出作曲家的预想，让作品的情感、内涵更加形象，因此，表演主体的审美意识是声乐表演中音乐美学的重要体现，是实现声乐作品二次创作的重要环节。
3、2声乐表演中观众的审美意识。
每一个音乐作品都有其历史风格，不同时期演绎出来的声乐作品有不同的效果，同时不同时期的音乐作品，在不同表演者手中也有不同的处理方式，很多表演者在进行声乐表演时，会在作品一次创作的基础上，注入自己的理解、风格及情感，这就造成了不同的审美价值，但是表演者的审美并不能代表观众的审美，表演者必须结合所处时代进行作品演绎，这也就是音乐美学中的“尊重作品历史背景，用当代人的眼光进行表演”。只有用当代人的眼光，对作品进行分析，并从中找出符合时代要求的新元素，这样才能满足观众的审美情趣，实现作品的当代性与历史性相结合，获得最佳的声乐表演效果。
对于不同民族的观众，其音乐审美观念有很大的差异，这也导致当前声乐表演中，作品的旋律、节奏、音阶、曲风、结构等有很大的差异，例如拉丁民族的音乐，其风格注重热情，并且带有一定的轻浮气息，这种风格有很多观众难以接受，但对拉丁民族来说，这是最优美的音乐；而对于日耳曼民族的音乐，其风格典雅含蓄，含有深刻的哲学含义；嘻哈音乐充满了乐观、积极的精神。因此，声乐表演必须从观众的角度出发，结合观众的审美意识，演绎满足观众审美要求的作品，这样才可以获得观众的认可，获得预期的表演效果。
在声乐表演中，“情”是十分重要的一个环节，是激发观众想象的重要元素，优秀的表演者会在对作品进行处理时，注入自己的真是情感，以引起观众的共鸣，唤醒观众内心最深处的情感，给观众留下最深刻的印象。因此，对声乐表演中的音乐美学而言，情感体验是十分重要的一个环节，也是最能满足观众审美需求的元素，表演者在进行声乐表演时，必须将注重自身的情感体现，对作品进行再次发现、再次创作，挖掘作品每一个情感元素，赋予其新的生命力，并利用优秀的情感表现能力将其表现出来，这样才能满足观众的审美需求。很多时候表演者的情感投入过于虚假，往往会引起观众的反感，因此，声乐表演必须注重情感的真实投入。
4、总结。
声乐表演本身就是将艺术和音乐有效地结合在一起，给人一种情感、理智完美结合的艺术美，通音乐美学，能对声乐表演进行深层次的修饰，提高声乐表演中的艺术价值，因此，表演中必须充分重视声乐表演中音乐美学的重要作用，结合优秀的表演技巧、真实的情感体验，演绎出符合观众审美需求的作品，给观众一种艺术美的精神享受。
浅论音乐美学对音乐表演的影响艺术论文
可能是因为妈妈喜欢音乐的缘故吧；可能是因为我从小就受着音乐的熏陶吧；可能是因为音乐总能缓解我内心的疲劳吧，所以，我也是从小就对音乐充满热情。
音乐就是我心中的春天。
有一个周末，原本以为可以好好休息，可妈妈却早早地来叫我起床。我心中的委屈便在四周蔓延开来。床就像被一个巫女施了咒语一般，我才坐起来，便有一股强大的力量又将我掰了回去。克服了重重困难，我终于从床上“爬”了下来。
我刚刚起床，妈妈便又让我背书，还一边嫌弃着我起床速度慢。我终于气不打一处来，所有的委屈愤怒都集中到了一起，忍不住对妈妈吼道：“你说什么啊？大早上起来，就说说说说说！烦不烦啊？”顿时，妈妈就像泄了气的气球，看了我一眼，无奈地摇摇头，慢慢走开了。
可是，我心里一点也没有那种胜利的喜悦，甚至，有那么一点点自责和内疚。
我抬头望向窗外，树上一片叶子也没有，孤零零的，地上也只有乌黑的泥土，没有一丝那春的气息。
街道上的人也蜷缩着身体，弓着腰，顶着寒风十分艰难的向前走着。
突然，耳边又回响起了那首歌：“妈妈的辛苦不让你看见，温暖的食谱在她心里面，有空就多握握她的手，把手牵着一起梦游……”
我的`鼻子越来越酸，终于，一滴晶莹的眼泪夺眶而出，落到镜片上，而后慢慢滑下脸颊。
也许是心中的惭愧吧，我跑去向妈妈道歉。妈妈笑了笑说：“能听到你的道歉，妈妈很高兴真是感觉春天都被你带来了。”我听了一愣，说道：“不，是音乐让春天来！”随后，我们都笑了。
我的心在那一瞬间豁然开朗，沉重的心情也被我扔向了九霄云外。
这一切的一切，都源自于音乐，是它告诉我：“要听妈妈的话，要用功读书，其实她只是不想我输……”
音乐给我带来知识，音乐给我带来做人的道理，音乐给我带来努力的方向；更重要的是，音乐让春天来。
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音乐美学声乐艺术论文精选
内容摘要：中国传统音乐源远流长，包含诸多审美品格，其美学思想博大丰富。“和”是中国传统文化意识与精神在美学领域里的集中体现，贯穿中国传统音乐美学的核心思想，构成了传统音乐特有的气质和艺术魅力。“和”在历史发展过程中形成了多种涵义，不同的时代、社会对其有不同的解释。
关键词：传统音乐美学思想审美意识“和”
中国传统音乐源远流长，其美学思想博大丰富。中华先民的审美意识可以追溯到未有文字记载的远古时代，从原始先民通过劳动摆脱了动物状态开始懂得装饰自己，便出现了最早的审美意识活动，其审美意识就已经产生了。在经历了奴隶社会、封建社会后，中华美学思想获得了蓬勃发展，形成了以审美意象为中心的传统美学思想。
中国传统音乐绵延几千年包含诸多审美品格，它是一定音乐思想特殊本质的集中体现，是音乐思想意识的结晶。一个国家、一个民族的思维习惯，对其审美意识的形成和发展有不可低估的作用。中华民族的传统思维习惯，决定了中国古代先哲奉行一种既对立又统一的思维方式，将矛盾双方作为一种内在的和谐，即中华文化传统“和”的精神。“和”是中国传统文化意识与精神在美学领域里的集中体现，贯穿中国传统音乐美学的核心思想。作为一种审美品格，“和”构成了传统音乐特有的气质和艺术魅力。“和”在历史发展过程中形成了多种涵义，不同的时代，社会对其有不同的解释。笔者将古代不同时期对音乐思想“和”的阐释作一梳理和简要述介。
“和”概念最早出现于春秋时期“和同之辩”的论争。《国语·郑语》载：“夫和实生物，同则不断，以他平他谓之和，故能丰长而物归之。”这里说明了在听觉感知上，只有不同的乐音组织相配才能生产美的音乐，相异的音乐组合在一起就能产生好听的音乐。这是从音乐审美的角度对“和实生物”规律的体验和理解。
春秋时期晏婴是一位大政治家、思想家，他对音乐有精辟的见解，曾说：“一气、二体、三类、四物、五声、六律、七音、八风、九歌以相成也。清浊、大小、短长、疾徐、哀乐、刚柔、迟速、高下、出入、周疏，以相济也。”将音乐各种特征的“相成”“相济”都归属到音乐审美的和谐统一之中。晏婴在谈音乐诸要素之间的谐和时，并没有忽视音声与人心的谐和关系。“先王之济五味，和五声也，以平其心，成其政也”，只有“和”的音乐才能使君子听了产生心平气和的感情。
先秦时期儒家学派倡导礼乐思想，对音乐所看重的主要是它的社会教化作用。他们对“韶”一类的雅乐推崇备至，认为“中和”的音乐是最能移风易俗具有教化作用的，讲究借中和的音乐修身养性。孔子认为思想的审美朴素之美，简朴之美，含蓄之美，是自然与人心的交融，主张在音乐审美中保持一种“和”的情感态度。孔子曾评价《关雎》“乐而不淫，哀而不伤”。他认为，音乐审美中的情感态度及其表现是中正平和的，也应当是适度的，有节制的，这同他的“中庸”哲学思想是一致的。
道家倡导“天地之和”的思想。老子崇尚朴素自然，追求平和；庄子认为主客体和谐产生美感，以内心纯朴自然性情的复归作为乐的实现，用乐调调和阶级矛盾，追求人类平衡，认为合乎其理想社会的乐，是具有自然无为，平和恬淡属性的“乐”。
汉代《乐记》从“德音”“中和”来看“乐”之美的社会属性与情感属性。只有具有“中和”情感特征的才是“和乐”，这就要求在情感表现上处于“中和”状态，“乐而不乱”“乐而不流”“刚而不怒”“柔而不慑”。
魏晋时期阮籍在其论乐专著《乐论》中，一方面以“和”作为乐的顺乎自然的本质属性，要求以协和阴阳的音声去适万物之“情气”，另一方面在音乐生活中继承乐教思想，要求“立调适之音，建平和之声”，制礼作乐“使天下为乐者，莫不仪焉”。嵇康在《琴赋》中以平和之声为琴音乐美的特征，在琴声具“自然之和”的基础上描写琴音的美妙。他讲的“礼乐之情”是以“乐之为体，以心为主”的角度讲“平和之乐”对人心的作用。
唐代白居易对琴乐审美问题上有较多论述，他视恬淡、平和为琴乐与“正始音”的音乐审美情感特征，以“淡”“和”为其审美标准。
宋代朱长文在“琴史”中以政不和故人心不和，人心不和故音不和的角度强调“乐之和”在于“正——心——音”之音的关系是否和谐。从音乐与人心的关系认为只有能够协调民心，“顺气正声、为群情之影响”的音乐才是“和”乐的，才是美的音乐。哲学家朱熹在《紫阳琴铭》中对琴乐审美明确提出“养群中和之正性，禁尔忿欲之邪心”，体现了他对琴乐中和美的认识，即“中和”美的实现有赖于通过自我修养达到人心之正性。
明代徐上瀛的《溪山琴况》是中国美学思想史最为重要、最具代表性的论著之一。《溪山琴况》提出二十四况，其中“和”是最为重要的审美范畴。《溪山琴况》开首即写道“稽古至圣心通造化，德协神人，理一身之性情，以理天下，人之性情，于是制为琴。其所首重者，和也。”这表明了“和”作为琴乐审美范畴，在《琴况》中具有其他诸况不能替代的地位。“和”在《琴况》中具有多义的内涵，如“和”况以琴乐陶冶人之性情，琴乐的实施目的在于使人心“和”，这具有社会伦理学的意义。“和”在《琴况》中与音乐审美理想有关，强调“和”的存在并不只是于技艺，要获得“和”之美存在的真谛要“不以情性中和相遇”。“和”是《溪山琴况》的主要精神，是贯穿其中的主要线索。
纵观我国古代音乐美学思想史，“和”在不同时代、不同历史时期人们对其有不同的解释。“和”是我国传统音乐美学中的优秀传统，至今这种美学传统仍普遍存在于我国民间传统音乐之中。但“和”又是相对的，随着时代的变迁、社会的发展，今日的“和”已不是儒家仅用于“雅颂之乐”的中庸之和，而是与多种非“和”品质相互融合的优美、平和、细腻的美学品格。
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浅论音乐美学对音乐表演的影响艺术论文
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音乐美学声乐艺术论文
音乐艺术作品属于一类有机整体，经过了审美和非审美式的整合处理。特别是在同一作品当中，这类融合更加有倾向性。譬如一些轻音乐或是抒情曲艺术作品，重点凸显审美价值，却对一些非审美价值进行弱化处理。现代音乐艺术展现形式更加注重审美、非审美价值的自然融合，毕竟只有两者高度统一之后，音乐作品才显得更为优美动听且富有内涵。归根结底，就是借助特殊的审美滤镜，来将一些科学知识、道德价值观等非审美价值要素巧妙地穿插进去，使得音乐作品本身的魅力增强、内涵更加丰富。
另外，保持音乐艺术内容和形式的统一关系。完美的音乐艺术作品，其内容和形式往往彼此关联缜密，相互契合[3]。事实上，音乐艺术作品在内容上显得比较独特，主题明确，而为了更加精准、完整地表达这部分音乐内容，就要求适当的音乐形式作为支撑。所以说，许多创作家都习惯了基于内容和形式的依存、制约关系来展开补充式创作，利用音乐形式把控着音乐内容的描述，配合音乐内容锁定音乐形式的筛选方向，不至于在表现过程中出现情感突兀、节奏紊乱等不良现象。
音乐美学声乐艺术论文精选
：随着社会的不断发展，人们对于音乐一类的艺术要求也越来越高。正是随着要求的攀升，我国音乐在发展中不仅需要在音乐演唱、乐器等方面得到提升，在音乐表演艺术上的要求也越来越细致。在音乐表演艺术的发展中，现代音乐美学对音乐表演艺术起着很重要的作用。本文在现代音乐美学对音乐表演艺术的启示方面做出简易的分析，期待可以更好的推动音乐在我国的发展。
社会在新时代的背景下快速的发展，音乐领域在我国的发展速度也是日新月异。音乐表演艺术作为音乐艺术的核心也越来越被重视。音乐艺术中的音乐美学也是音乐教学中的重要内容之一，对音乐的发展趋势和成果也是不可缺少的一门学科。音乐表演艺术在音乐美学中占比也很重，它们是相辅相成地存在的内容。音乐表演艺术的发展离不开音乐美学的帮助和奠基，现代音乐美学也需要音乐表演艺术作为内研究的对象。在音乐表演艺术的发展中，现代音乐美学给予了很多灵感与帮助。
音乐美学是音乐本质和音乐规律的基础理论科学，其中内容涵盖广泛，它与音乐史、音乐技巧理论、音乐作品评论分析、社会心理学、哲学都有着重要的联系。现代音乐美学是音乐美学的重要组成部分，现代音乐美学被定义于二十世纪末二十一世纪初左右[1]。现代音乐美学同音乐美学一样包含了社会学、哲学、音乐技巧理论等内容，是一门综合性较强的学科。现代音乐美学是按照现代社会丰富的物质和丰富的精神为基础，对人们心中产生的情绪、情感进行细腻的分析，通过音乐的形式表达出来，这样可以有效的表达人们心中的情感和对社会的审美态度等。随着社会对音乐的重视，现代音乐美学中的音乐理论技巧、音乐表现形式以及对音乐表演作品的分析等内容，对音乐表演艺术产生了越来越重要的影响和帮助。
现代音乐美学涉及内容广泛，包含哲学、审美、社会心理学、音乐表演艺术等内容。音乐表演艺术可以说是现代音乐美学的主要内容之一，音乐表演艺术是现代音乐美学的表现之一，也是对现代音乐美学的实践。音乐表演艺术是对音乐进行创作和表演，以满足人们的精神需求，音乐表演的美感需要和生活、社会的审美一致才能称之为音乐表演艺术[2]。音乐表演是极富艺术性和实践性的，是音乐表演者和音乐欣赏者的重要沟通桥梁。一部富有和音乐欣赏者大致相同的审美态度的作品才能让欣赏者感受到音乐表演的美感。因此一部优秀的音乐表演作品可以展现音乐美学的价值和内涵，通过演奏者的表演可以传递音乐的魅力，使欣赏者加深对音乐作品的理解，音乐表演艺术是深刻体现美学的重要内容，同时也是现代音乐美学的延伸[3]。音乐表演者想要成为一个优秀的表演者需要付出很多努力，因为音乐表演艺术需要的知识和内容很多，表演者需要根据自身的条件提升自己对音乐的审美能力和心理表达能力，表演者在提升自己的音乐审美和心理表达能力也需要现代音乐审美的帮助。
社会的飞速发展，人们不仅仅对于物质生活的要求更高，对于精神的需求要求也越来越高。音乐表演艺术作为人们精神需求的主要方式之一，现代音乐美学对音乐表演艺术有着十分重要的作用，通过对现代音乐美学的研究可以深度提升音乐表演艺术的价值和音乐表演的技术。
在现如今的音乐美学发展中可以看出，现代音乐美学是音乐美学的重要部分。早在二十世纪九十年代，音乐家罗曼就曾发表过关于现象学、美学的相关论文，此论文的发展也为日后对其的研究有了更加详细的理论基础。在罗曼的这篇文章中提出了哲学和人们意志的影响，在后来对于音乐美学现象的研究中，是从人们主观意识进行研究的[4]。艺术是人们精神文明的表现，音乐表演是艺术的重要组成部分，音乐表演中需要创作，这种创作形式也是满足人们需要的艺术形式之一。在每个时代，艺术对于音乐的审美态度都不相同，在现代的社会中进行音乐表演作品创作是需要深刻的了解现代社会对音乐的审美态度，而现代音乐美学中有关于社会学、哲学、现代音乐作品的分析和评论、音乐表演技巧等内容，这些内容可以提升创作者对社会审美的理解和音乐表演技巧，因此现代音乐美学可以帮助音乐表演作品创作者提供音乐理论帮助的。
（二）有效的提高音乐表演者的审美水平。
音乐艺术中包含的知识种类复杂多样，对于音乐表演者而言，是有一定的知识水平和社会认知要求的。一个音乐表演者在进入音乐艺术生涯后，需要不断的提高自己的审美认知水平，才能与时俱进跟的上时代对于审美的要求与变化，才有可能成为一个优秀的音乐表演者[5]。音乐表演是现代音乐美学的一部分，因此一个音乐表演者想要成为一个优秀的表演者，就必须经得起音乐美学知识和音乐技巧的多方面考验，在这个考验的过程中，表演者的审美认知水平是表演者需要具备的最基本的条件。除了学习音乐表演时需要经得住现代音乐美学中的知识考验，一个音乐表演者从台下走到台上，音乐美学的指导和帮助是必不可缺的。随着时代的推进，新的音乐作品不断的涌现，音乐表演者也要不断的学习和对自身审美水平的进行反思，来提高自己的表演水平的。现代音乐美学就可以帮助音乐表演者反思自己，从而提高表演水平成为一个优秀的表演者。
（三）现代音乐审美可以帮助表演者充分的认识音乐作品的创作背景和意义。
音乐表演者想要表演好一部作品，不是仅仅需要表演者高超的技术，还需要了解作品创作的背景和原因。表演者对作品背景和意义的了解可以帮助表演者更加了解作品的内涵，才能体会作者在创作时的心情，在表演时才可以将自己的感情带入到作品中，使表演有了灵魂。现代音乐美学中有大量对于音乐表演作品的研究和分析，还有对音乐表演作品分析的方法。现代音乐美学中有关对音乐作品进行美学理论上的分析和划分，例如：作者在创作音乐作品是想要发生某种意向、作者在创作时的思路等[6]。创作者在创作出一部音乐作品时，作品就有了特定的气氛、特质，作品中的这些东西不会因为时间的变化和表演者的变化而变化。例如表演者在表演欧洲中世纪的作品时，就需要展现出特有的历史背景和历史背景下的情绪。因此表演者在表演之前必须对作品有所了解，才能准确的把控感情的收放和对作品特质的表现，现代音乐美学可以有效的帮助音乐表演者对音乐作品的背景和意义的分析与把控[7]。
（四）注重现代音乐的时代变化。
表演者在进行音乐表演的过程中，表演者需要充分的融入现代社会的元素，不能拘泥于传统音乐表演的模式中。在表演过程中，不仅仅要了解作品、体现作品的特定历史背景，也要对作品做出创新，反映出新时代的风貌，加上自己对于作品的理解，展现自己的独特风格。从现代音乐美学的角度来说，音乐作品具有作曲者的思想特征，而表演者对于一部作品现代化的表达，不仅仅是对于音乐表达，也是为一部作品赋予新的生命与动力[8]。因此，现代音乐美学对于音乐作品水平的提高有着很重要的推动作用，但是在这个过程中需要正确的看待音乐表演艺术的地位，明白音乐表演为当代观众呈现了什么；在音乐表演时不能生搬硬套，寻找音乐作品中的生命力，使得音乐作品具有现代化的味道。
（五）融入表演者的真实情感。
音乐美学现代的研究就是怎样将感情融入到音乐表演过程中，其实在音乐发展的历程中来看，流传下来的优秀音乐表演作品都有着作者的真实深刻的情感表达。而表演者在表演作品时需要建立在历史文化背景中，了解并诠释作品中表达的情感。只有表演者将自己对作品的思考、思想情感和历史背景还有现代社会背景相结合，才能真正的诠释作品的情感和时代意义，并具有当代的味道。对于现代美学的深度了解，表演者才能更轻松的将自己的情感思考和时代背景相结合，赋予作品新的灵魂[9]。
音乐表演的发展离不开对音乐作品的创新和创作。在音乐美学中的现象学中指出美学具有很强的意向性，这也就是说艺术具有很强的意向性。音乐创造者和音乐表演者不仅仅需要有扎实的音乐知识水平和历史知识，还需要具备强有力的创造力和想象力，这样才可以对作品进行二次创作或是全新创作[10]。音乐作品中蕴含了作品本身的意义和表演者的思想情绪，同时也具有音乐作品欣赏者对音乐作品的理解。表演者对于现代音乐美学的了解和学习，可以帮助表演者在表演时进行二次创作，使观众耳目一新；欣赏着对于音乐美学的了解可以使自己更了解音乐作品的意义和内涵。现代音乐美学的发展是音乐表演艺术发展的基础，也是动力，它可以推动音乐表演艺术的创作和对新时代的理解[11]。
自新中国成立以来，我国各个行业都在飞速发展。艺术也同我国各行业一样发展速度迅猛，我国音乐领域在快速发展中取得了的重大的成就。艺术发展的同时，音乐表演艺术也越来越被人们重视和接受，音乐表演艺术的发展离不开现代音乐美学，在音乐艺术的不断探索中，音乐表演艺术与现代音乐美学的联系也越来越紧密。音乐美学的发展促进了音乐表演艺术的发展，表演者对于现代音乐美学的重视和把控，可以提升表演者的表演技术，从而促进了我国音乐艺术的发展。因此现代音乐美学为音乐表演艺术带来了很重要的启示和作用。
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音乐美学声乐艺术论文精选
在整个音乐文化中，音乐美学发挥着不可比拟的作用和优势，而音乐作品存在方式的探讨也变得尤为重要，顺应现代艺术潮流的发展趋向。基于音乐美学视角，加强对音乐作品存在方式的分析，可以发挥出艺术作品的魅力，并加强音乐作品存在方式--感象层、意象层以及意蕴层等层次之间的融合度，将其渗透到音乐作品的方方面面，进而满足音乐美学的内在需求。本文主要以音乐美学的角度谈音乐作品存在方式为论点，旨在提高音乐美学的广度和深度。
对于音乐美学来说，是音乐学和美学的融合，具有美学、艺术性等特点。而在音乐美学研究领域中，必须要高度重视音乐作品的存在方式这一问题，这已经成为了诸多人士普遍关注的焦点性话题之一。因此，基于音乐美学视角，要充分了解音乐作品的存在方式，注重理论知识与实践活动的整合，提高学生的音乐审美素养，创造出独具特色的音乐艺术作品。
在音乐作品中，音乐美学贯穿始终，所以音乐美学存在于音乐作品的三种存在形式中。音乐作品与客观事物有着明显的区别。音乐作品存在于人们的思维中，是人类精神生活的结晶，一旦脱离了人类，很难充分体现出音乐作品应有的价值。对于音乐作品来说，主要由三个层次构成，即感知层、意象层以及意蕴层，进而针对这三个方面展开详细阐述。
（一）感知层。
感知层，是艺术作品外部的感知表象，是艺术作品自身客观属性和感知者内在感性的结合体，其中，表层的物质材料、颜色、速度等是艺术作品外在属性的重要构成内容。然而艺术作品之所以被称之为艺术，主要是由于艺术作品自身具有客观属性[1]，并注重情感方面的渗透与融合，将艺术作品赋予全新的生命力，成为能够传达人情感的重要工具。要想将艺术品的价值充分体现出来，必须要高度重视自身客观属性、艺术家所要表达的情感内涵等。在人们对艺术品的解读中，要提高对感知层内容的重视程度。众所周知，音乐有着十分广泛的范围，在一场音乐演出中，要从视觉、听觉以及心理等方面来进行情感的传达。基于感知层视角，符合创作者音乐创作的目标。音乐与人们实际生活之间的联系是紧密联系、密不可分的，在音乐创作者不断探索与研究过程中，促进了音乐美学体系的形成。音乐美学涉及的内容比较多，关系着美学、音乐史学等，对于任何一个分支都能划分出具体的内容，这些都属于感知层的内容。在音乐美学视角下，感知层的存在方式就是这些由美学理论和音乐结合的各种音乐理论，增强乐谱演奏的生动性，创作出高质量的音乐作品。通过音乐美学在感知层的存在可以看出，符合音乐创作的表演的基本需求，有效落实音乐美学对音乐创作和表演的指导。通过音乐与网络的发展，为人们接触音乐作品提供了极大地便利条件，加对音乐作品的理解和记忆。人们在欣赏音乐时，要仔细品位与研究，而音乐作品留给人们的情感印象，就是音乐作品在感知层所体现的情感，将音乐美学思想灵活渗透在音乐作品之中，展现作品的情感内涵。
（二）意象层。
基于音乐创作者对音乐作品赋予的情感进行分析，意象层比感知层的深度更高一些。对于意象，主要是指想象中的存在，音乐美学在意象层中的存在具有一定的主观性[2]，个人要结合自身的主观医院来解读音乐作品。比如在聆听一首歌曲时，人们觉得好听，这就是对音乐感知层的解读，然而对于具体好的地方和存有的缺陷，不同人的见解是不同的，这种见解差异就是音乐美学在意象层存在的体现。音乐作品层次的构成主要包括感知层、意象层以及意蕴层，意象层在感知层和意蕴层的中间环节，发挥着承接的作用。要想将意象层承上启下作用充分发挥出来，主要是指意象层可以有效指导感知层的情感表达，并深化和升华意蕴层。音乐作品情感的升华属于循序渐进的过程，过程铺垫良好的情况下，听众可以在音乐情感不断深入过程中，进而满足音乐终极的情感目标。所以音乐创作者要具备丰富的音乐理论知识与技巧，并提高对音乐美学情感表达的高度重视，善于积累经验。音乐美学在意象层的存在，要求音乐创作者要注重实践，不断提高自身美学素养和音乐素养。在这一过程中[3]，有助于音乐创作者更好地表达音乐中的情感，并彰显一定的艺术气息。
（三）意蕴层。
对于意蕴层来说，在音乐美学存在方式中处于最高峰，不同哲学家或艺术家在意蕴层传达艺术情感方面，其表达方式存在着极大地差异。音乐创作者将对生命和生活的解读渗透到音乐作品之中，使音乐作品带有浓厚的情感色彩。对于一首经典的歌曲来说，好听是基础，更重要的是在于值得对该歌曲进行仔细研磨和品味，而在品味过程中，就是音乐作品第二层意象层所要表达的情感。例如：以《iwillalwaysloveyou》歌曲为例，该歌曲是当时热度极高的单曲，将歌曲中的意象表达地淋漓尽致，表达了人们对爱的追求与向往。针对意蕴层，很难找出一首共同意蕴层的音乐作品，但是由此可以看出音乐美学在意蕴层的存在方式，可以直达每个人的心灵。音乐创作者将自身的情感和灵魂通过音乐作品体现出来，可以增强听众的内心共鸣，感受到音乐作品所带来的强大魅力。基于音乐美学视角，音乐美学的最高层次着重体现出音乐作品对人性的思考与剖析等。
（一）加强对现代音乐美学的深入思考。
1.音高控制。在民族民间音乐发展过程中，要想顺应音乐发展的潮流，就必须要摆脱大、小调体系中存在的局限性，开辟出更为广阔的音乐语言天地。在丰富人的听觉感性形象和增强音乐表现力等方面[4]，要加强对现代音乐的探索。其中，利用理性设计作主导的音乐构成方法，可以充分发挥出音乐感性想象力和音响的影响力，保持理性与感性这杆天平的高度平衡。2.节奏问题。在节奏方面，现代音乐要善于突破传统音乐的束缚，增强音乐艺术的魅力，除了表现为丰富多彩、极具动力的节奏之外，也出现了一些动态化特征，比如跳跃、灵活等，进而为音乐表现力的提升创造了有利条件。然而现代音乐在节奏方面，也存在着推崇理性的倾向，为了能够突破传统节奏的样式，更好地满足现代审美需求，在听觉方面，诸多现代音乐对节奏提出了更为清晰明确的要求[5]，一旦超出演奏控制和听觉感受的范围，将会严重影响到审美作用的发挥。3.音色问题。在音乐发展历程中，音色也处于不断发展的过程之中，通过乐器的使用，突破了民族的界限，人类的乐器可以成为音乐可用的音色。在现代音乐中，音色使用的范围迅速拓展开来，诸多乐器都可以被视为音乐材料。在音乐创作中，音乐替代旋律、和声是顺应时代发展所需，然而现代音乐也存在的音色随意使用的现象，也就是过于强调音色的多样性，没有对音色的结合性给予高度的重视。在音乐发展历史中，音色变化是音乐作品的重要推动力，而随意使用音色损坏了作品良好的收听效果[6]，而且动力性也没有得到相应的体现，必须要高度重视这一问题，合理使用音色。
（二）通过音乐作品创作、表演、欣赏等方面来体现。
首先，在音乐作品的创作过程中，对于艺术家创作的音乐作品来说，大都经历了生活体验、记录乐谱等环节。艺术家在结合生活体验和具备完整构思以后，可以通过音乐将头脑中的东西进行传达。同时，艺术家还要对音乐作品的曲式和旋律等进行充分考虑，创造出独一无二的音乐作品。所以，在创作过程中，大致经历了非声音形态的表现对象-声音形态的听觉表象-形成作品乐谱等过程。其次，在音乐作品的表演活动过程中，可以感受音乐作品的存在方式。表演艺术家要想将音乐作品的独特性充分体现出来，要高度重视乐谱，在演奏之前，要深入分析和思考乐谱，将音乐符号转变为声音形态，通过演奏乐器或表演手段，可以实现单一声音形态向优美音乐形态的顺利转变。因此，在音乐表演过程中，音乐作品的存在方式经历了音乐符号-想象中的音乐形象-现实音乐作品等过程。最后，在音乐作品的欣赏过程中，听众在听音乐作品时，可以将听觉获得的旋律或节奏在大脑中进行整合[7]，加深对音乐作品的认知和记忆。在这个过程中，听众的心理活动经历了想象联想认识作品-增强对作品中情感的体验-形成对音乐作品的认知与评价等过程。
（三）注重审美与非审美的融合。
艺术作品属于有机整体之一，是审美和非审美的结合体。在同一艺术作品中，这种融合具有一定的倾向性，比如轻音乐或抒情曲等，着重体现出审美价值，一定程度上弱化了非审美价值。对于艺术作品中审美价值和非审美价值的融合，非审美价值功能往往融合于审美价值因素中，实现“寓教于乐”。因此，在艺术作品中，对于科学知识、道德伦理观念等非审美价值因素，要将其融合在审美价值层面，通过审美“过滤”，进而有效增强音乐作品的艺术魅力。并保持审美价值与非审美价值的高度协调与统一，两者缺一不可，如此才能创造出最为优美动听的音乐作品。
综上所述，基于音乐美学的角度，必须要对音乐作品的感知层、意象层以及意蕴层等存在方式进行深入分析，体会每一种存在方式中存在的差异，增强音乐作品的感染力和影响力。在音乐美学研究领域中，要提高对音乐作品存在方式的高度重视，并加强对现代音乐美学的深入分析，尤其在音高控制、音色以及节奏等方面，并借助艺术家的艺术创作、表演以及欣赏等方面来实现彰显出音乐作品的魅力，通过多种渠道来感受音乐作品的存在方式，增强听众的情感共鸣，提高听众的审美情操，在音乐作品中感受情感的流露与渗透，真正实现情感与音乐作品的完美融合于渗透，将音乐美学推向可持续发展的长远之路，充分发挥出音乐美学的价值。
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浅论音乐美学对音乐表演的影响艺术论文
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民族汉政治面貌团员。
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论音乐的具象与抽象艺术论文
摘要：关中土地肥沃，河流纵横，气候温和，《史记》中称其为“四塞之国”。中华文明的摇篮在黄河流域，而黄河文明的摇篮是在渭河流域（关中），关中是黄河流域古代文化的发源地。中国鼎盛时期的代表汉唐艺术体现了宽容自信、热情向上、积极进取、坚忍不拔民族精神。
关键词：中国式审美关中人文汉唐艺术。
引言。
对于一个土生土长的关中学子，能够根植于这片沃土来研习艺术，无疑是幸运的。也许是这片土地太具神秘感了，对于我来说熟悉和陌生经常会交织在一起，如果把关中大地比拟成一个人的话，他必定是具有多面性的。这种丰富性格的形成也源自于他历经了十三个王朝漫长的洗礼，然而在这千余年的历史长河中对其鲜明个性影响最深的莫过于周、秦、汉、唐四朝。
关中在中国历史上的地位，缘于它得天独厚的地理形势。中国地势西高东低，自西向东分为三个阶梯。关中位于中国地势的第二级阶梯，背靠第一级阶梯的高原山地，下临第三级阶梯的平原地带。关中南有秦岭横亘，四有陇山延绵，北有黄土高原，东有华山、崤山及晋西南山地，更兼黄河环绕，可谓山川环抱，气势团聚。关中腹地为渭河、泾河、洛河及其支流形成的冲积平原，号称“八百里秦川”。
关中之名，始于战国时期，关中本是一个极富战略色彩的说法，意为四塞之中。四塞是一种笼统的说法。关中周围大小关塞甚多，历代亦时有损益。一般认为西有散关（大散关），东有函谷关，南有武关，北有萧关，取意四关之中（后增东方的潼关和北方的金锁两座），四方的关口控制着关中地区几个主要方向的出入通道。闭关可以自守，出关可进取。形势有利，就出关进取；形势不利，则闭关自守。再加上陕北高原和秦岭两道天然屏障，使关中成为自古以来的兵家必争之地，尤其是在冷兵器时代,这四关堪称一夫当关,万夫莫开。
关中土地肥沃，河流纵横，气候温和，《史记》中称其为“金城千里”、“天府之国”和“四塞之国”。此外中华文明的摇篮在黄河流域，而黄河文明的摇篮是在渭河流域（关中）。从神话、传说和考古发掘看，出自中国西部的炎帝和黄帝是公认的最早圣王和“人文初祖”。炎帝和黄帝的族居地和墓陵都在关中地区。经考古发掘证实，关中是华夏古文明最重要、最集中的发源地之一。关中平原是当之无愧的中华文明摇篮，也是整个亚洲最重要的人类起源地和史前文化中心之一。
谈到文化离不开历史，关中的历史几乎就是陕西的历史了。从东到西，都有着悠久的过去。关中是中国黄河流域古代文化的发源地，石器时代开始这里就有了文明。渭南的大荔猿人和龙山文化遗址；西安的蓝田猿人和半坡、姜寨遗址；宝鸡的北首岭遗址都是黄河流域具有典型代表性意义的新石器时代仰韶文化的体现，展示着这片土地五千年前的辉煌。周秦至唐，中国封建社会的前半部的历史，也基本都是围绕着关中而展开。中国历史上的三次大一统局面中，有两次是以关中为基础完成统一的。秦汉和隋唐都是以关中为基础统一天下，又以关中为基础统治天下。在这段历史当中既有残酷、血腥、闭关自守，也有温情、宽厚与兼容并包。
二、汉唐文化艺术特点。
汉唐文化是中国文化繁荣阶段的代表，同时又是中华民族勇往直前的向上精神的一种象征。汉代正是中国思想文化的辨证期，西域的开通为中西文化的交流拉开了序幕。丝绸之路使汉文化和佛教、基督教、伊斯兰教文化进行了广泛的交流，对世界文化给予极大的冲击。而唐代当时是世界上最强大的帝国，大唐盛世时期，首都长安更是世界文化、艺术中心。唐朝在中国历史上最早进行“对外开放”。作为文化的代表汉唐艺术所体现出的是更多的是宽容与自信并存。
中国古代以“温柔敦厚”为诗之旨，这和中华民族的气质、生活条件、地理环境、哲学思想、伦理道德观念及其他文化因素密切相关。表现在造型艺术上便是含蓄美、内在美。雕塑亦然，象中国书画用笔藏锋那样将力量包裹在内部，给人更多品尝的余味。关中大地上孕育的汉唐时期的雕塑就是中国式审美的典型表现。
1.浑然天成的统一。
即艺术的整体感，大到汉唐墓园的整体构思营造，小至每一件雕塑作品的刻画都是始终统一在一个整体的氛围之中。或因山为陵、或以墓冢形还原祁连山千余年前硝烟滚滚的战争场景，都是在营造一个整体的气氛，在这种整体感的统领下再依靠感觉和理解出发，通过取舍、夸张、变形甚至抽象，用写意的手法突出每一个对象的特征，使每一个局部都和整体产生不可分割的紧密关系。如霍去病墓前的石雕就是典型的例证，这些动物的描绘看似与陵墓所表现的整体无关，但恰恰正是它们活化了自然环境，赋予陵墓一种天然气象，象征性再现墓主征战建勋的环境，这不仅在形式上是一种创新，于当时流行的形式之外另辟蹊径，而且在陵园造型艺术观念上也是就一种突破，它已经在原来的厌胜辟邪寓意上增加了再现生前环境、表达人与自然之和谐关系的新层次。
2.简洁风格与非凡气度。
尽管汉唐时期是中国的鼎盛时期，但其艺术风格却是简约自然的。高度发达的物质文明并没有泯灭人对自然和谐的追求，受到中国绘画的影响在汉唐时期的石雕中圆雕、浮雕、线刻等多种雕塑语言是并存的，但这丝毫没有影响其概括简约的艺术风格，相反其多变性使雕塑空间更具充分的自由性。如霍去病墓石雕所采取“因势象形”的手法，充分利用岩石，进行最低限度的艺术加工，对岩石形状与动物形象的双重需要加以多变性运用的。使石兽的造型显出空间的自由而不斤斤计较于形似；唐代对动物、人物的刻画都是出于一种崇尚丰满、健美、刚强的造型审美心态，崇尚力的凝聚形象。形式在写实状貌的基础上刻意追求丰满强健的'形象感染力。素有“东方第一狮”美誉的顺陵走狮是唐陵石雕成熟期的作品，其造型雄伟，气势磅礴，眉宇间无不体现出威镇环宇，昂首天外的雄风。大气至极却有细腻有佳，而这种细腻并不复杂，恰到好处，使得石雕具备了统一大气的完美气质。给人运行成风、一气呵成、痛快爽利的艺术享受。
3.含蓄的感情表达。
把艺术当作传情达意的手段，重视立意也是汉唐艺术的一大特点——寓情于景、于物，象征性的艺术处理给予了观者极大的想象空间。汉霍去病墓前对各种猛兽动物的描绘，早已超出了具体表现的人或兽的本身，他们造就的不仅是祁连山这个自然环境。而最终想传递给人们的信息是祁连山所代表的一代名将霍去病坚韧的性格和他所创建的丰功伟绩。
再来看看作为霍去病墓群雕的主题性雕塑——马踏匈奴，那蜷缩双腿，蓬乱须发，左手握弓，右手持箭，还要垂死挣扎但又面露无奈表情的匈奴人被那坚实有力，气宇轩昂战马不可一世的踏于脚下，悬殊的抗衡场面不正是在深刻的揭示正义力量坚不可摧的主题思想吗？看那神态机警而威猛的吊睛白额大虎，顶部花皮紧蹦，肢爪强劲有力，长尾巴搭于背部，将猛虎在等待猎物前的小心与谨慎表现的淋漓尽致。石雕巧妙的运用了石块本身的起伏变化以及纹理特征准确的勾勒出猛虎雄健丰满的体魄。特别是动势的准确把握将“林暗草惊风，将军夜引弓，平明寻白羽，没人石棱中”的意境充分展现在观者眼前。
然而用于传情的载体，唐人在赞美大自然的同时更注重于洋溢着自我的豪迈。唐代在汉代对人与自然的关系在本质上加以继承并发展。唐陵石雕结束了东汉以来墓前石雕多样性表现的造型倾向而将其引向全面程式化。石雕设置寓意已由前代的神灵护卫变为犬马群臣，现实的人的本质力量在新时代中得到了更为充分的认识。以人作为主题的回归是大唐时代精神的体现。
综上所述，汉唐艺术代表了热情向上，积极进取，坚忍不拔民族精神。成就于他的是关中大地这片沃土，他们是不可分割的一个整体。今天的我们站在这片土地上研读那些曾经由冰冷变的炙热的顽石。尽管他们只是那个时代的一个小小的缩影，却足以让我们感受到他们所带来那股势不可挡的民族霸气，感受那用创造性、兼容性和自信心打造的博大的胸襟。予以学习、予以生活、予以自省。
歌声塑造声乐艺术论文
改革开放的政策打开了中国走向世界音乐文化的大门，中西文化交流越来越频繁，范围越来越广泛，方式越来越便捷。地方大学音乐系和音乐学院恢复招生，为美声歌唱创造了良好的传播和发展环境。大批海外归来的、接受了最正统、最前沿的西方声乐理念的声乐专家们，为我国美声歌唱人才的培养、民族声乐演唱的探索和发展都起到了重要作用。20世纪80年代以来我国涌现出大量的优秀青年歌手在国际比赛中获得大奖，为国内、国际声乐界所瞩目。许多佼佼者已经扎根国际声乐舞台，蜚声海外。如：傅海静、叶英、丁毅、范竞马、迪里拜尔、刘捷、田浩江、张建一、袁晨野等人，他们在国内上演的欧洲古典歌剧和中华民族歌剧中扮演主要角色，成为中国歌剧事业的领军人物，在新世纪担当起了中国美声歌唱的大任。廖昌永、戴玉强、王莹、王莉等为美声歌唱在国内的发展和大众声乐审美风格的构建上起到了重要作用。著名男中音歌唱家廖昌永，演唱了《海恋》等大量脍炙人口的美声歌曲。用美声歌唱风格演绎民族歌曲、流行歌曲等，以适应各个阶层广大听众的审美需要，取得了可喜的收效和成果。美声唱法新秀王莉演唱的作品《蓝色爱琴海》等，得到了专业人士和人民大众的普遍认可。她接连主演了许多音乐剧和歌剧作品，正迅速成长为大众熟知的、喜爱的'美声歌手。美声歌唱的艺术风格是建立在西方音乐审美文化下的艺术表现手段，通过国内这些优秀的美声歌唱家的精彩演绎，使美声歌唱在当代中国的声乐园地中渐渐占有了一席之地，观众开始喜爱并认可美声演唱风格了。
二、流行演唱风格的发展。
除了民族传统的演唱风格和美声演唱风格，这一时期席卷中国大陆的声乐演唱风格就属流行演唱了。这种演唱风格当下备受人们关注。它虽起源于欧美，却深深地影响着中国声乐演唱风格的发展。“全国青年首届民歌、通俗歌曲大选赛”、“全国青年电视大奖赛（通俗唱法组）”等，将流行音乐演唱风格的发展推向了一个高潮。在这些比赛中，流行演唱被确定为与民族演唱风格、美声演唱风格相平等和独立的一种风格，堂而皇之地登上了中国大陆的音乐舞台。最初人们习惯称之为“通俗唱法”，它的特点是更加强调用自然、本真的嗓音和口语化的语言来演唱。流行演唱之所以能够让千千万万的普通民众接受，就在于它自身的音乐风格更加贴近生活，更加平民化，容易理解和传唱。在物质条件逐渐满足、经济快速发展、人民生活水平已显著提高的社会背景下，人们的精神需求越来越强烈，流行音乐文化、流行声乐表现形式的出现正好迎合了普通大众的精神审美需求。改革开放三十多年来，流行演唱随着时代的进步逐渐深入到人民生活的各个角落，自身在不断的改革、发展和演变，呈现出一派生机勃勃的繁荣景象。每一位流行歌手都有着不同于他人的演唱特点，例如：港台歌手邓丽君、齐秦、小虎队、王力宏、she、张信哲、蔡依林、周杰伦等；大陆流行歌手刘欢、毛阿敏、那英、韦唯、孙悦、孙楠、韩红、谭晶等。他们的演唱被广大听众欣赏，演唱歌曲被广泛传唱，有的甚至成为经典之作。改革开放初期，邓丽君的歌曲传遍了大街小巷，一首《甜蜜蜜》让人百听不厌；《在水一方》用独特的音色和柔软清晰的吐字把每一个聆听的人带入了一个天地苍茫、水域无边的画境之中，让身体的每一寸肌肤、每一个细胞都沉浸在那种柔软的声音中无法自拔。以邓丽君为代表的港台流行音乐演唱风格，在新时期占据了国内声乐舞台和市场，影响了国内外一代又一代的流行音乐人。台湾流行歌手周杰伦也以其独特的流行唱法和音乐风格，形成了自身巨大的音乐影响力和号召力。《千里之外》、《青花瓷》等作品，成为家喻户晓、老少皆宜的歌曲。大陆实力派歌手孙楠演唱的作品《拯救》、《你快回来》、《ibelieve》等等，他以高亢嘹亮的音色、宽广的音域、激昂振奋的演唱风格，刮起了大陆流行演唱舞台的新一轮风暴，受到广大流行音乐声乐爱好者的追捧和模仿。著名歌手谭晶，取得了国内第一个通俗唱法的硕士学位。她演唱《爱在心间》、《远情》、影视插曲《一爱到底》、《蔓延》等，都是将多种声乐技巧，巧妙的融合运用，使得声音具有强大的感染力，受到广大听众的欢迎和好评。
三、结语。
综上所述，在改革开放新的时期，我国声乐艺术无论在演唱风格、素材来源，还是表演形式等方面都开始走向多元化。自身在不断探索、发展中也逐步形成了不同时期的声乐艺术文化风格特征。在每个发展阶段，声乐文化又都呈现出各自不同的发展特点。如果我们用历史的、发展的眼光看待这一时期的声乐时，可以看到，我国改革开放以来，声乐艺术在总体上呈现出了随时代不断演变发展、与时俱进的现象特征。
音乐艺术论文
在建设中华民族先进文化和社会主义精神文明的实践中，高校校园文化占有极其重要的位置。《教育部思政司关于2006年推进高校校园文化建设有关工作的通知》明确指出：高校校园文化是社会主义先进文化的重要组成部分。加强高校校园文化建设对于推进高等教育改革、发展，加强和改进大学生思想政治教育，全面提高大学生综合素质，具有十分重要的意义。
早在1999年全国教育工作会议上，素质教育中的美育就已被正式列入国家教育方针，明确了其在人才培养中的重要地位。实施美育教育，最根本的就是实施艺术教育(包括音乐、舞蹈、戏剧和美术等)，音乐艺术论文范文艺术教育杂志是我国素质教育的基础，而音乐教育又是艺术教育的主体。音乐教育由于它独特的情操陶冶、深化认识、智能开发和心理平衡等功能，能够达到其他学科不可替代的和其他艺术形式所难以达到的感化、悟化、净化等作用。音乐教育作为校园文化的一种，作为素质教育重要的有机组成部分，它的质量如何直接关系到高校美育的实施，关系到素质教育的全面实施。因此，发展校园文化中的音乐教育应着眼于全面提高青年学生的素质，培养他们的音乐实践能力和创新精神，其分别定位为：以乐辅德、以乐益智、以乐促体、以乐怡情。
现阶段，我国大学开设的各类专业课程所教授给学生的仅仅是将来服务于社会的基本知识和技能，而新时期的大学生作为国家未来的建设者，不仅应掌握先进的科学知识和学术方法，同时更应具备全面的文化底蕴与个人素质。前苏联教育家苏霍姆林斯基说过：“进行音乐教育的目的，不是把受教育者都培养成音乐家，音乐艺术论文范文而是使其成为全面和谐发展的人才。”法国文豪雨果说过:“文字、数字、音符是开启人类智慧宝库的三把钥匙。”我国古代伟大的思想家、教育家孔子，在两千多年前就提出了以乐育人的.观点，他认为，人之学，应“兴于诗，立于礼，成于乐”(《论语?泰伯》)。音乐为人格修养的最高境界，以音乐为其学习的最终完结。《礼记?乐记》中对音乐教育与德育的关系也有着深刻的论述：“乐者，通过伦理也。闻宫音，使人温舒广大;闻商音，使人方正而好义;闻角音，使人恻隐而爱人;闻徵音，使人乐善好施;闻羽音，使人齐整。”因此，音乐是高校校园文化生活的重要组成部份，没有校园音乐文化的素质教育既是存在缺陷的，也是缺乏科学性的。
那么，校园音乐文化的建设在高校校园文化中的作用如何呢?主要包括以下三方面：
首先，音乐教育是培养学生审美能力的重要手段。音乐作为一种审美表演艺术，它表现的手段、创造的形象，以及表达的情感，都极具强烈的时代性，民族性，蕴涵着深厚的审美经验。
普通高校实施音乐文化教育，目的在于用“优秀的作品鼓舞人，高尚的情操塑造人”。我国自古就有“闻其乐而知其德”、“以乐观德”的论述，审音乐艺术不同于其他艺术之处，正在于音乐的声音形式同人的内心生活之间的关系最为密切，它们之间存在着某种“对应”关系。音乐的审美优势在于培养人的审美情感，音乐艺术论文范文资料库学生之所以从音乐作品中感受到政治、道德、伦理方面的影响，主要是音乐中的情感对他们发生了巨大的作用，而审美情感往往和人们的道德情感相联系。欣赏和理解好的音乐作品，如优美的旋律、生动的唱词、高超的演奏技艺等，能够愉悦人的情感、引起共鸣，高雅的音乐还能够激励人心、振奋精神，可以使大学生在触景生情、借物咏志的音乐旋律中，人生观、价值观、思想道德等受到洗礼和提高。因此，对高校学生中实施音乐文化教育，可以培养学生的审美能力和高尚的人格，陶冶心灵，塑造高尚的精神情操，培养学生健康、丰富的感情世界。
其次，音乐教育可以促进学生思维能力和创新能力的全面发展。音乐艺术职称评定人的智力包括感知、观察、记忆、想象、创造等形象思维和逻辑思维的能力，音乐思维是形象思维的一种重要形式。音乐对人的大脑的启发作用，主要是通过音乐对大脑右半球的刺激来实现，进而对人的精神状态和意志心智产生潜移默化的影响，这种影响对人的创新能力的培养和塑造具有伟大的力量。
凡是杰出的科学家，都有很好的空间想象与形象思维能力。据统计，世界上多个领域的1000多位有杰出贡献的人物中，百分之七八十都受过良好的音乐教育。爱因斯坦是杰出的物理学家，同时也是一位出色的小提琴手和钢琴手，他对古典音乐有着浓厚的兴趣和很高的造诣。1905年，他发明狭义相对论时，正是在弹钢琴时突然灵感来临，便连续工作了两周而完成的。后来他曾说：“没有早年的音乐教育，无论在哪一方面我都将一事无成”，他甚至认为“艺术使他比从物理那里获得更多的东西”，“从艺术而获得的想象力比知识更重要，因为知识是有限的，而想象力是无限的，并且是知识进化的源泉。”我国著名科学家钱学森也曾谈到：“在我对一件工作遇到困难而百思不得其解的时候，往往是蒋英的歌声让我豁然开朗，受到启发。这是艺术对科学的促进作用。”美国两千多所大学中，就有一千三百多所大学设有音乐学院和音乐系，因此，音乐艺术对人的精神境界的升华、思维方式的拓宽、想象力、创造力的开发有着不可低估的作用。
再次，大学生正处于身心发育趋于成熟的青春期阶段，他们的世界观、人生观、价值观还不够成熟、稳定，面对竞争日益激烈的社会，健康的心理品质对学生显得尤为重要。我们可以通过欣赏音乐影响学生的情感，从而直接作用于他们的心灵，在音乐美感的愉悦和享受过程中，使情感得以升华，心灵得以净化，产生一种潜移默化的精神力量。学生要获得真正意义上的健康，就必须使其生理健康与心理、精神上的健康达到和谐统一。
基于以上校园音乐文化建设在高校校园文化中的作用，不少高校已经明确提出了“崇尚品位”的校园音乐文化建设方向,在具体落实的过程中坚持“以音乐教育活动为龙头,努力提高师生的音乐素养”的方向,积极开展音乐实践活动，丰富校园文化生活。例如：开设音乐欣赏课、举办校园艺术节、进行爱国主义合唱比赛、校园原创歌曲大赛、建立各种形式的社团活动;举办高雅艺术、古典音乐进校园活动,邀请艺术家到校园与学生进行面对面的音乐艺术交流，组织合唱队、舞蹈队、铜管乐队、交响乐团，运用各种表演形式给学生以自我表现的空间，达到认识自我、增强信心、满足学生精神需要、开阔视野、促进学生全面发展。
音乐艺术论文
一、营造和谐的教学氛围，是兴趣激发的前提。
众所周知，良好的教育环境对教育的影响是不可低估的。传统中的声乐教学以传授知识、训练声乐技能为主要教学目标，以教师为中心，孩子大多处于被动的地位，天性被抹杀。所以，音乐教学成功的前提和关键因素是建立融洽、和谐、民主、平等的师生关系，要做到以情激人，以情育人。一方面，教师必须尊重、关爱每一个学生，尊重学生人格，理解学生情感，用亲切的眼神、和蔼的态度、热情的语言来缩短师生心灵间的差距，把学生视作共同学习的伙伴，建立民主、平等、和谐的师生关系，并及时赋予他们积极的评价和鼓励，善于发现学生的点滴进步，不断增强他们的自信心和进取心。另一方面，教师还要热爱自己所教学科，深入挖掘教材和研究学生的心理发展状况，利用多种方法引入新知识。有丰富的知识和精湛的授课艺术来吸引学生，满足学生的道德要求和精神需要，使他们对学习新知识充满浓厚的兴趣。其次，教师要善于创设问题情境等方法引入新课，以激发他们的主动思维和求知欲。让学生处于一种“心求通而未得”的最佳心理状态，并自觉地以高昂的情绪投入学习，从而极大地发挥了学生的主动性，从而有效地提高学生的学习兴趣。
二、巧设有效教学情境，是兴趣激发的重点。
情境，是指听觉环境和视觉环境，以及二者之间的和谐。多年的教学实践告诉我，情境创设的好坏往往直接影响一堂音乐课的教学效果。创设音乐情境可以为成功的音乐教学起到重要的作用，甚至可以成为一种有效的潜在教育手段，它是将生活世界中的真实音乐场景以多种形式再现到音乐课堂教学之初，运用生活素材来扩充教育教学内容，创设自然的艺术氛围，使学生情不自禁地进入角色之中，在充满情趣的生活情境中进行师生间交互性积极性对话，在情境对话中激发学生的学习兴趣，达到情感的碰撞与共鸣。
例如，三年级在欣赏《龟兔赛跑》时，我们将龟兔赛跑的故事用动画片的形式制作成课件，配以《龟兔赛跑》的音乐，先让学生聆听，学生在视、听结合的情况下，非常容易理解音乐所表现的内容；然后将乐器的形状、音色、表现对象等图像和声音相结合的形式进行对比，学生很快就认识了单簧管和大管这两种西洋乐器以及它们的音色特点、表现对象。
再如，在教唱《童心是小鸟》这一歌曲时，我运用多媒体flash中一年四季的场景，使学生仿佛置身于大自然的怀抱中，再加上音质很好的教学磁带，使学生对四季之美有了感性的认识，激发学生对大自然的热爱之情，为歌曲学习奠定了良好的基础。
三、开放式教学是兴趣激发的。
新课程改革倡导“以学生发展为本”的理念，提倡通过建立自主、合作和探究的学习方法，使学生真正体验到学习的成功与愉悦，体会音乐与生活的联系，感受音乐的乐趣，有效促进学生健康地成长。就能更好地激发学生学习的主体和创造的积极性。我在课堂上经常鼓励那些性格内向的学生大声说、大声唱、大胆演。加之激励性的语言，树立学生学习的信心，让学生在宽松友好的学习氛围里感受学习的快乐。
（一）创设舞台，展示自我。
在音乐教学中要改变传统课堂教学的人际关系，坚持以学生为主的学习方法，教师通过适当点拨、引领发挥主导作用，从而发展学生的聪明才智和个性，使学生的更多的参与，合作过程中提高学习能力。我在音乐课上设计了“小小舞知识感觉是最乏味的，让学生认识枯燥的力度标记时，采用了分组进行抢答，表演的比赛形式来争夺红旗，从而营造了一种愉快、和谐的教学氛围。”这一教学活动，把整个课堂营造的喜悦气氛推向高潮。
（二）以“赛”激趣促学。好胜心强是小学生的主要性格特点之一，让学生在激烈的比赛氛围中，来激发学生的兴趣。如教学中让学生在课堂上进行“表演唱”的比赛实现教学目的。在表演中学习知识增强兴趣。我上音乐课时总是创造条件激励学生上台来表演唱，教学效果事半功倍。这样教学中学生学习音乐的信心也更浓厚了。
四、用积极评价鼓励学生，是兴趣激发的保证。
积极的激励性评价是一方对症的好药，几乎所有人都喜欢被人夸奖的，对小学生更是如此。教师在教学活动中，要及时肯定、鼓励学生，激发他们学习音乐的信心。首先、注重课堂评价中学生的参与。学生成为课堂主体的前提是调动学生的主观能动性，使学生有意识、有兴趣、有责任参与教学活动。评价是调动学生主体性的有效机制，通过教学评价激起学生的主体参与，让学生在课堂谁体验成功的喜悦，获得进取的力量。其次、突出课堂评价中发展的观点。突出评价的发展性功能是学生评价改革的核心。发展性评价考虑学生的过去，重视学生的现在，更着眼于学生的未来，追求的不是给学生下一个精确的结论，更不是给学生一个等级分数并与他人比较，而更多地体现为对学生的关注和关怀，通过评价促进学生在原有水平上的提高，发展学生的潜能，发挥学生的特长，应该适时的鼓励并给予最大的帮助，只要学生有一点的进步便给以肯定，帮助学生认识自我，建立自信。
为此，教师应重视创造条件让学习困难生在音乐课堂上获取成功，尝到成功的喜悦，从而激起他们的学习兴趣。我在教学实践中尝试了分层教学，经常让一些音乐水平较差的学生回答一些很浅显的、容易找到答案的问题，如果答对了、或者只是对其中的一部分，就立即加以表扬，表扬他进步了。然后逐步加大训练难度，提高训练要求，让学生在不断的训练中获取点滴的长进，体验成功的快乐。另外，还经常作出一些模糊的激励性评价。例如：“其实你很聪明，只要多一些努力，你一定会学得很好。”诸如之类的评价，不但承认了并强化了学生的进步，使学生由此喜欢音乐老师，也喜欢上音乐课。此外，这种激励评价不仅仅是在课堂学习活动上，也体现在学生的课外兴趣活动上。实践证明学生对音乐的兴趣还与他所接触到的音乐作品有极大的关系，好的音乐作品可以激起学生的学习欲望，所以，教师应该提供尽量多的优秀的音乐作品，扩大学生的视野，激发他们的兴趣。
总之，经过实践证明，教师在教学中采用灵活多样的教学方法，选用丰富多彩的教学内容，良好语言艺术的应用，把握好教材的重点难点，运用形式多样的评价方法，是提高学生上音乐课的兴趣的有效方法。
音乐艺术论文
音乐教师要不断转变教学观念，营造乐学氛围，培养小学生探究问题的意识。音乐课应该与学生的生活实际相结合，以兴趣为中心，引导小学生个性健康发展，让学生自主体验和探究歌词，开阔小学生的文化视野，鼓励他们喜爱音乐，感受音乐。在教学新歌前，教师要带领学生读歌词，分析理解歌词内容，丰富学生的想象力，拨动学生的情感之弦，让学生感受歌曲的内涵。如教学《闪烁的小星星》一课时，教师在学习歌曲之前，先领学生读歌词，促使学生、教师、文本和情感之间进行对话。让学生按节奏朗读歌词，记住歌词后，教师带唱，学生模仿唱旋律，让学生把旋律唱准，然后让学生试着表演太阳和乌鸦的动作。让学生想象月亮姐姐和小星星之间发生的故事，让学生闭上眼睛想象乘坐月亮船飞上太空看到的景色。课堂焕发生命活力，引起师生情感共鸣。学生尽兴品读，读得摇头晃脑、如醉如痴，激发课堂活力。通过说、唱、演，帮助学生轻松理解记忆歌词，初步学会演唱歌曲。在品读中感受到星空的神奇，为学习歌曲延长做好恰当铺垫。
在小学音乐课堂上经常遇到一些胆小、爱面子、自卑感强的孩子，他们不敢在课堂上唱歌，更不敢表演，别人唱他们听，别人演他们看。教师要多关注这样的孩子，给他们一个微笑，送上一个赞美的眼神，对他们的点滴进步给予肯定和鼓励，让他们自主表演。用角色化的歌声与表演增强学生的情感体验，激发学生学习内驱力。自主表演是学生通过角色扮演的形式，把歌曲内容形象地再现给大家。教师要抓住小学生的注意力，善于摸索、分析小学生的心理，了解小学生的心态，不断激发小学生学习音乐的热情。在自主表演中理解歌曲内容，培养学生表演能力，张扬学生个性。如教学《小乌鸦爱妈妈》时，教师动情地说：“乌鸦妈妈受伤了，小乌鸦特别着急，希望妈妈尽快地好起来。它会怎样照顾妈妈呢？它对妈妈说了什么、做了什么，注意用表演的形式体现孩子爱妈妈的深厚情怀。”学生小组合作进行表演。孩子用柔和的声音、关切的眼神问妈妈还疼不疼了，给“妈妈”端水、喂药，轻轻地拉好被角。孩子们的表演惟妙惟肖、情真意切。学生的表情是兴奋的，忘记了疲劳，彰显了表演魅力。自主表演时，学生分工明确，相互配合，积极努力，共同完成了表演任务，培养了学生的团队精神，践行了感恩教育。教师给学生提供了充足的时间、空间和相应的条件，让学生全员参与、全程参与、全方位参与，提高小学音乐教学效率，促进学生良好发展。
总之，小学音乐教学是一门艺术，艺术是无止境的，需要教师不断探索。教师要创设恰当的教学情境，激发小学生自主学习的兴趣，让音乐课堂动起来。实现师生互动，让学生爱学、乐学，陶冶学生情操，不断提高课堂教学效率，让小学音乐课堂精彩不断。
浅论音乐美学对音乐表演的影响艺术论文
今天，我从一起床开始就很兴奋。因为，今天我们就要办正事儿了——参加巴登符腾堡州举办的中小学生艺术节了。
上午，我们先到学校集合，去学校的礼堂彩排了两次，并给德国一级文理中学四五年级的学生们表演了一次。接着我们午休了一会儿，下午上了一堂音乐课，六点钟左右便开始向表演地——市政府的大礼堂进发了。
到了大礼堂，我们先与市长先生见了面，然后就到后台的一个小房间里梳妆打扮去了。差不多8点半时，我们表演了第一个节目，名叫《荷叶儿亲亲》。我们表演这个舞蹈时很认真，动作很到位，表情也不错，刚表演完，台下就响起了雷鸣般的掌声。
又换了一套服装，该表演第二个节目——《红红的中国节》了。这个舞蹈我们表演得也很认真，一点也不松懈，变换队形时都尽量收腹，一边把最好的一面展现给德国的爸爸妈妈和德国的.其他一些观众，就比如说一个勾脚的动作，我都勾到脚筋都酸疼了，才肯罢休。因为老师说过了，做事要有始有终，不能虎头蛇尾嘛！演出完了，我们再次获得了雷鸣般的掌声。
这一天就这么结束了。虽然很累，但获得了演出的成功和这么多观众的掌声，我还是很高兴的。
让学生喜欢音乐课艺术论文
（内蒙古自治区通辽市开鲁县工农小学）。
摘要：随着新课程改革的不断推进，我国音乐课教学模式在不断地发展创新。教学实践表明，活跃的课堂学习氛围是教学成功的重要手段，因此，音乐教师应采用灵活多样、生动活泼的教学方式来调动学生学习音乐的热情以及积极性，让音乐课真正“活”起来。从几个方面阐述让音乐课“活”起来的措施，旨在指出活跃的课堂学习氛围是提高教学质量的关键手段。
关键词：音乐课；小学；活力；措施。
传统的教学模式往往以教师为中心，学生处于被动学习的状态。在传统教学模式的束缚下，学生的创新意识以及学习音乐的热情受到很大程度的抑制。新的教学理念不断提出，如何激发学生的音乐灵性、调动学生学习音乐的积极性已成为学校教育面临的重大课题之一。以下几点是让音乐课堂焕发生命活力的措施。
一、创设愉快的教学情境。
音乐课可以说是小学生最喜欢的一门课，这门课能为学生带来美的感染力与震撼力。新课改下的音乐课堂不能仅仅满足于教会学生唱会一首歌，还要启发学生学习体会歌曲的感情以及艺术形象，只有做到这样才能最大限度地调动学生学习音乐的热情及积极性，学生学习音乐的状态才能够达到最佳。例如，在教学生唱《牧童》这首歌时，仅仅靠音乐教师带领着唱几遍，这样是达不到教学效果的。因为学生不能够体会那种找妈妈的喜悦心情，因此，学生唱起来往往显得呆板、面无表情。这种情况下，就需要教师创设一种愉快的教学情境，调动学生学习的积极性。音乐教师可以启发性地提问学生：“同学们如果你们的妈妈告诉你们说今天她会带着小礼物来接你放学，你现在会是什么心情呢？”教师的这一问题会极大地调动课堂氛围，学生纷纷举手回答，这样一来，学生会沉浸在美好的想象中，这时带领大家一起歌唱，学生就不会再显得那么死气、呆板，音乐课也会充满生机和活力。
二、教师应正确把握课堂节奏。
小学生的年龄较小，课堂上的注意力是有限的。心理学家经过研究表明，小学生的注意力大致集中在10~25分钟，这就要求音乐教师在有限的时间内把握好课堂节奏。通常情况看来，上课的前十分钟是学生注意力最为集中的时刻，这段时间里，音乐教师可以相对加快课堂节奏，传授一些知识性强的内容。当学生的注意力表现的.不稳定时，音乐教师可以穿插一些互动练习，调动一下学生的兴趣，使整个音乐课堂真正做到快慢结合、动静结合。音乐学家指出，循规蹈矩的课堂氛围是无生命力可言的，课堂应以学生为主体，需要广大学生的参与及配合，只要调动起学生学习的热情，课堂就会变得丰富多彩。()课堂氛围的形成与教师的教学方式、教学内容以及管理水平等密切相关，作为一名优秀的、合格的音乐教师，应不断完善自身的素质，为学生树立榜样。总而言之，掌握好课堂节奏，是让音乐课“活”起来的重要方法。
三、在音乐教学中使用电教手段。
当前小学的音乐教室中大都配备有多媒体等现代信息设备。多媒体教学是一种新型的教学方式，受到了广大师生的欢迎。多媒体能够集文字、图片、音频、视频、动画于一体，给学生带来更为直观的感受。多媒体所提供的教学情境是逼真的、丰富多彩的，在这种教学情境的调动下，学生学习的兴趣会被激发，课堂学习氛围也会充满活力。例如，在学习《十只小猪过河》这一课时，音乐教师就应该借助多媒体，先为学生展现一些可爱的小猪图片，之后再配上优美的音乐，让学生在边看着图片，边伴随着律动进入课堂。优美的音乐以及可爱的小猪图片一下就吸引了学生的注意力，无形之中也能够提升学生学习这首歌曲的兴趣。利用多媒体进行辅助教学，一方面能够扩展学生的思维，丰富他们的想象力，另一方面又能够使音乐课堂充满生机与活力，达到预期的教学目标。
四、丰富情感体验，培养学生对生活积极乐观的态度。
情感体验在音乐学习中占有很重要的地位，缺乏情感体验的音乐课堂是无活力可言的。音乐教师在课堂上应注重挖掘音乐中所隐含的情感体验，引导学生由浅入深地体验音乐中的情感，在体验情感的过程中，学生的审美能力会得到提升，自身的情感体验也会丰富。作为一名合格的音乐教师，首先应该用自己真挚的情感去感化学生，让学生在充满真情实感的世界中感受音乐的无限乐趣。新课程理念倡导音乐课堂不仅仅只注重学生知识的学习，更注重从小培养学生的人文素养，在这种课堂教学模式的影响下，学生的认知情趣能够得到提升，个性能够得到发展，生活也将会变得多姿多彩。
让音乐课真正“活”起来，不仅仅是为了学生的学习兴趣与爱好，同时也是为了使学生能够在有限的课堂时间内真正做到“学有所获”.作为一名音乐教师应该学会充分利用音乐课的特点去激发学生学习的热情，让音乐课充满生机与活力，进而实现音乐教学的终极目标。
参考文献：
徐亚东。优化课堂，让音乐课活而有效[j].新课程：上，（09）。
让学生喜欢音乐课艺术论文
作为农村中学的音乐老师，从事音乐教育真不是一件容易的事。教学资源的限制，学生自身的音乐水平都是原因，有时真觉得“巧妇难为无米之炊”。在日常的学习中，音乐课很是尴尬，是最受学生欢迎的课，也是上起来学生最不重视，最散漫的课。针对这种情况我对自己的音乐教学也做了小小的调整。对音乐的教学方法做了改革和创新。
学期开学我便进行了一个小小的调查：每个学生写下自己心目中音乐课，什么样的`课才是自己最喜欢的课。看过学生的回答有了了解：大多数的学生不喜欢音乐课本的内容，他们喜欢流行音乐！！知己知彼，百战不殆！找到问题的所在了，问题解决起来就轻松多了。课本内容要学，流行音乐也要了解！！和学生达成协议：努力上好每节课，学好课本内容完成课堂目标后，剩余的时间都是自主时间！剩余时间里可以听流行音乐，可以开个小小演唱会！学生们听到后欢呼雀跃，很是欢迎！在如今的音乐课中，学生们很是投入。学习态度摆正了，在上课的时候也不觉得课本内容枯燥无味了，学习起来也有兴趣了。
歌声塑造声乐艺术论文
声乐艺术是语言升华和民族特性而赋予情感的艺术形式，它最大的特性是让语言拥有了音调、节奏和旋律，加上演唱者明亮动听的嗓音表现出来，那种带着演唱者的情感，传送歌词要表达的意思，美妙动听，生情并茂，感人至极。声乐能作为艺术首先要好听，不论是低沉雄浑、高亢嘹亮的男声，还是清丽典雅、丝绒般的女声，只有好听才能入耳。声音好能把歌词正确地表现出来，声音好是声乐艺术的基础。干瘪、枯燥、沙哑的声音一方面无法表达歌词所表述的内容，另一方面让听者感到不舒服。这就是为什么从事声乐艺术的人士很重视声音的训练和不断学习声乐技巧的原因。然而，歌唱者只能表现好听的声音是不够的，能称得上是声乐艺术，其可贵之处在于歌声中有情。在声乐艺术表现中，“情”是主导，是声乐的灵魂，也是它优于乐器充满魅力所在。
正因为声乐艺术能把“情”通过歌声表达出来，才感染人。声乐艺术要求演唱者必须关注对“情”的理解和体会。这就要求演唱者在艺术修养和专业技能的训练上都要下功夫。还要在体验社会生活中不断增加阅历，把人世间的酸、甜、苦、辣，喜、怒、悲、哀、恨，都要得以体验，才能让演唱者有“情”。这些学习和体验是在课堂上学不到的，需要演唱者融入到社会，不断积累才能在演唱中真正表现出带“情”的歌声。另外，在歌唱中如果能很好的表现“情”，还能为创造好的声音带来帮助。很多成功的声乐艺术表演者因为在歌声中恰当地表现“情”，使声音感人动听，起到了“以情带声”的'作用，达到了“声情并茂”的效果。这方面的例子有很多，老一辈的歌唱家王坤在歌剧《白毛女》塑造喜儿这个角色时，就到基层农村去体验生活，抓住了生长在贫苦农民家女儿的感受，在舞台上用富有情感的声音表现了喜儿这个歌剧角色，王坤老师在演唱时，喜悦时声音甜美清脆，悲伤时撕心裂肺，演唱惊动全场，引起观众的共鸣，成为新歌剧声乐艺术的典范。
我们都知道话剧表演靠的是语言抑扬对比；舞蹈靠的是刚柔变化；影视剧靠的是镜头的变化。声乐艺术也是靠变化。它要靠音乐旋律和强弱的变化，还要靠歌词提供的情感的变化，用歌声塑造形象。歌唱者在表现声乐作品时，首先要理解声乐作品的主题，以及旋律、节奏、音色、音量、风格和民族性等。然后用声音所造一个主题鲜明的形象。歌唱者在这里起到的作用是把自身对作品的理解和技巧融合到一块儿，再用富有情感的声音表现出来。歌唱者做对了这些才能塑造出新的形象，从而引起共鸣，焕发斗志。引发人们对美好生活的珍惜和热爱。如：吴碧霞在《八月十五月儿明》这首典型的说唱风格的歌曲演唱中，完美地把“声”和“情”结合在一起，感情真挚，即表现了喜悦，又表现了悲切。用歌声完美地讲述了一个共产主义战士雷锋八月十五送月饼的一个小故事，让听众一下子就认识了一个鲜活的形象，深深地打动了听众的心。其实，很多声乐作品通过歌唱者的演唱都能让听众感觉到它的形象。如：听了宋祖英的《好日子》你能感到红红火火的喜庆气氛；听了李光羲的《祝酒歌》举国欢庆胜利的情景油然而生；还有歌唱爱情的、歌唱美好生活的、歌唱祖国的，举不胜举，这正是声乐艺术无穷魅力所致。