古典舞论文（专业18篇）

通过阅读范文范本，我们可以学习到不同领域的写作技巧和表达方式，丰富自己的写作素材和词汇量。接下来是小编为大家准备的范文范本，希望能对大家的写作有所帮助。

初三：古典诗词梦

古典诗词如幽梦，携着皎皎月辉，向我走来。“明月几时有？把酒问青天。”苏轼的月是豁达的，他知道“人有悲欢离合，月有阴晴圆缺，此事古难全。”他用开阔的胸襟，容纳了他的月亮，发出了“但愿人长久，千里共婵娟”的美好祝愿。若说苏轼的月亮是一轮圆圆的满月，大气，那么柳永的月亮就是一弯细细的娥眉月，娇美。在“暮蔼沉沉”时，词人朦胧的身影出现在江边，他“执手相看泪眼，竟无语凝噎”，然后，词人发出了“杨柳岸，晓风残月”的感慨。一弯残缺的细月静悬空中，散出了孤独凄冷的光。

古典家具设计的研究论文

现代仿古家具，更多是对古典家具造型的仿制，缺乏对现代人生活方式的思考，若一味仿制古代家具，必然造成其在现代生活中的使用困扰。其次，市面上流行的仿古家具，更多是采用黄花梨木、紫檀木等红木家具制作，制作选料单一，其造价成本高，且由于现代化工业的发展，红木资源愈加匮乏，为新型仿古家具的大批量制作造成困难，更是不利于仿古家具的对外出口，对中国传统文化的继承与传播造成不利。对于古典家具，如何开发出适用于现代人使用的家具是个值得思考的问题。一方面，当代家具更多注重简约，实用性以及舒适性。基于古典家具在国内的使用现状，我们将新料新作的仿古家具模式进行深层次的挖掘，开发出一款符合现代化使用的新型古典家具。在当代家具设计中，形式上提倡非装饰的简单几何造型，且设计出来的成品须符合人的身体结构、人机工程学等。因此，本设计对多功能拼装组合式家具进行了探索开发。

2.1新型竹材的特点。

我国竹材资源丰富，竹材的加工应用技术已浸入工厂与企业。竹材工业在国内得到足够重视，且已取得一定成果，目前我国已成为世界上最大的竹制品出口国。新型竹集成材或重组竹是基于竹子开发的新型材料。将此类材料运用于古典家具中，有效解决了木材资源匮乏经过调研、走访、研究，以及深入了解，可知竹集成材或重组竹具有如下优良特性：第一，其造型丰富，可变换不同形式，用于家具加工中尤为便捷；第二，竹材结构相对实木家具更轻巧实用，在家居使用中更便捷；第三，新型竹材或重组竹纹理通直、优美，其部分物理性质可与紫檀、乌木等优良木材相媲美，在使用过程中，具有高程度的观赏性；第四，处理后的竹材板材防虫蛀，不会开裂、变形、脱胶，其高品质的物理特性确保家具能使用更长时间，更利于其完整性。新型竹材十分利于家具的生产，其轻便性、美观性、以及高品质的物理性能都预示着，新型竹材将在家具行业开拓出自己的领域。竹集成材作为一种新型的家具基材继承了竹材物理力学性能好，收缩率低的特性，具有幅面大、变形小、尺寸稳定、强度大、刚度好、耐磨损的特点。同时，竹集成材十分适用于大批量的'生产，为中国家具市场出口海外提供可能。在充分考虑国内外消费者的居室结构和审美观后，开发出一款多功能拼装组合式家具是十分必要的。

2.2组合式竹集成材家具设计案例分析。

经过深入探讨，本设计最终确立组合式竹集成材家具设计方案。该设计采用中国传统书法小隶体，以字形“宝”字为灵感来源。整体设计通过对宝字的抽象变形，设计出一个大书柜的家具。采用传统书法字体，将古典书法的韵味融入书柜中，与书本中透出的书香气息相辉映，同时体现了中国古典文化的古朴、沉静。整个书柜的材质采用竹集成材，单个零部件简单、大方，适合批量化生产，同时更具古典气息其中书柜的两侧可进行拆分，将其拼装后，即为古代案几仿古家具，其简洁的造型，具有明式家具的高雅、洗炼，不仅具有高观赏性，在当代生活中，其实用性更具吸引力。

3.结语。

中国传统家具崇尚质朴精雅的大风格趋势，组合式竹集成材家具在承袭前人优势的同时，也对现代家居进行了探索。它不仅为现代家具行业提供了一个新的探索方向，其功能性、实用性以及对传统家具的传承性具有深远意义，同时是对现代家具的设计新道路的思考。

古典文学史论文范文

柳永是两宋著名词人之一。他善于填词而且精通音乐，工于音律，走歌妓乐工合作的道路，在两宋文坛上影响甚大，他不仅留下了213首词作，并在两宋近1500位词人中创作数量排名第15位〔1〕。他的词在当时和后代都广泛流传：从教坊妓院到市井巷陌，从井水之处到宫廷禁中，从中原地域到边疆境外，都能听到柳词不绝于耳的传唱，影响极为深远。柳永词的词史地位虽在历代遭到不同程度的非议，但实际上其词在后代人那里又被不断的学习和模仿。本文拟从歌妓的歌唱传播和柳永词集的编刻及历代选本选录柳词情况的考察，试分析探讨柳永词的艺术成就和词史地位。

古典舞蹈的情感表达论文

“中国古典舞”在经历了几千年的变革发展过程中，并没有形成一个明确的'概念，对于“中国古典舞”的解释，比较众多说法，比较完整的论述是指古代中国舞蹈文化中具有代表性与典型性的舞蹈和现代人以全新的视角与观念创造的具有古典风格韵味及审美意向的舞蹈。“中国古典舞”具有两层含义，一个是特指中国古代遗留下来的舞蹈，是从古代舞蹈中选出来的、提升上来而又流传下去的，古代舞蹈是“中国古典舞”的母体;另一个是特指当今中国发展的有古典韵味的舞蹈，它们之间既有区别又存在必然的联系。“中国古典舞”概念产生是在建国初期一门全新的舞蹈学科。中国古典舞首先要具有本民族精粹文化的持久性与独一性的特质，提取传统舞蹈中长期积累典型性的舞蹈美学，结合当代审美特征和技术特点，又经过现代人的发展创造，收集多种文化，这种舞蹈是借助中华文化母体孕育而生，表达了当代人对传统的一种重新诠释与审美追求，也体现了当代人的创造精神。

中国古典舞蹈艺术有一个漫长的演变，并且在戏剧的基础上形成戏剧舞蹈，之后又经历了中国古典舞和学院派古典舞三个阶段。古典舞继承了戏剧舞蹈的动作，经过演变形成自己独特个性，又给学院派古典舞提供了发展基础。

戏曲舞蹈是中国戏剧的重要形式与中国古典舞之间有很深的渊源关系。中国古典舞初建阶段，吸收了戏剧舞蹈的精髓，承接戏剧舞蹈的文化精神和舞蹈动作，加快了古典舞的发展步伐，为其建立起到了不可或缺的重要作用。

1950年中国古典舞正式命名，并且脱离了戏剧舞蹈的称谓，以自己独特的艺术特性向前发展，也为学院派古典舞发展打下基础。学院派古典舞是在前两个阶段基础上进行完善和发展，也赋予了其新的内容，产生了比较典型和有代表性的作品。回顾中国古典舞的历史经历，我们不难发现，古典舞的发展历程中观念不断变化。

中国古典舞传承着中国的历史文化，延续和保存了中国传统文化的血脉，在过去的半个世纪多的发展历史进程中有着明显的变化，却具有强烈时代感。中国古典舞通过不断创新和探索成为当代舞蹈艺术体系一员。但是中国古典舞不可能离开中华民族传统的文化底蕴。否则将造成古典舞的精髓大量流失，失去本来面目。中国古典舞首先要弘扬中国传统民族文化，继承传统民族审美特质。因此未来中国古典舞的发展之路是对民族传统文化的认知与返璞。为了更加适应现代社会的需要，古典舞也要取其精华弃其糟粕。中国古典舞学科继承与发扬传统舞蹈中的风格特征，更深刻的认识传统艺术的精髓。同时中国古典舞也可以吸收外来因素，完善中国古典舞。

中国古典舞在当代的舞蹈创作中，很容易直接“引用”现代舞技法，造成了大量古典舞剧目内容相似。忽略了古典舞要表现的人物思想和特征，甚至个别编导直接吸收西方舞蹈，减少了传统民族文化和传统美学中的审美特征，古典舞的艺术价值大大减弱，弄得中国古典舞千疮百孔的。

中国古典舞艺术要传承民族文化，坚持民族化的审美，在面对异域文化冲击时，守护好自己的文化疆域，必须坚定自身的优势，才能在未来的道路上求发展。

3.1整合中国古典舞语言。

语言是一个民族的象征，中国古典舞创作语言有其独特的审美特征。完善与丰富中国古典舞的语言体系才能为古典舞的未来发展提供传播的基础。整合中国古典舞语言非常必要，并且在此基础上进行巩固以及再提炼，是传承的要求。中国古典舞蹈语言具有古典舞审美特征的经典语言，加强和完善语言系统，形成自身独特性，特别是中华民族悠久文化和广漠的土地上，给中国古典舞提供了全新的素素材。在传承与整合中，要抱有谨慎的探索精神，挖掘出古典舞语言最精粹的素材。同时在如今的大量古典舞作品之中，许多现代舞、当代舞语言词汇已经渗透进来。中国古典舞不断传承和发展变化，才能承载时代赋予的使命，克服重重困难，为创建古典舞学科打下基础。

3.2继承与开拓创新。

中国古典舞蹈艺术未来发展，不仅需要开拓创新，更需要进行有效的传承，重视传统文化，寻找一条属于古典舞自己的独特的道路。中国古典舞要与时代紧密接轨，只有在不断地发展演变中，把立足点构置于现当代，建立中国古典舞学科，我们后来者要继承他们的衣钵，通过不懈的探索与实践，发现新问题，解决新问题，让中国古典舞继续辉煌在舞台上。

3.3“和谐”发展中国古典舞原则。

“和”是中国传统文化精神的品格，是中国文化中的整体体现，是自然与人的审美境界合之为一，它深刻影响了古代审美体验与生命体验。在当今社会，中国古典舞遵循“和谐”发展的原则，建立在中国传统审美基础上，代表中国古典的形象。目前，中国古典舞学科正处于不断构建完善的状态，需要我们以“和”的态度，开放式的思想，接纳新的元素，反复试验，最终为我所用。

3.4“融合”优秀的古典舞素材。

现代中国古典舞艺术要长远发展，要保持持久而旺盛的艺术活力。面对当今西方强势文化的冲击，如何面向世界，如何与国际完全的接轨，如何以独特的民族性独占鳌头都是我们要探索的问题。中国古典舞走向世界之前，要保守住古典舞自己的文化概念和文化形态，结合中华民族优秀的传统文化之后充分研究西方文化，取其精华，并去其糟粕，筛选辨别，才能形成两文化的完美融合。在西方文化进入国门时，同样震荡与冲击着中国人传统文化的审美观念和审美意识，引起了国民在审美享受和审美取向方面的变化，中国古典舞蹈也受到了不小的影响。西方芭蕾舞传入中国，在中国古典舞的训练中芭蕾的训练体系和内容被大量吸收与借鉴。但中国古典舞并没有盲目的照抄照搬，更不是简单的复制，取芭蕾本身所具有的科学、系统的方法论去总结和吸收，形成科学的训练方式与方法。中国古典舞不能因为学习或借鉴了其他舞种就否定旧体系的一切，而是在强大的历史背景下，拥有了自己的审美观念和与众不同的展示方法，也形成了独特的传统风格。学习或是借鉴时代的优秀舞蹈文化是继承或是发展所必须的。闭门造车式的发展会封闭中国古典舞发展的思路。借鉴本身就是一种“融合”，并不仅仅是一味的加法，把中华民族传统文化的精髓与芭蕾的优点相结合，芭蕾的科学性与中华民族的风格特征融合，保留自身“灵魂”的基础上，博取众家之长，吸收各个舞种的精华，开辟一条中国古典舞独特的发展道路。

总之，中国古典舞在未来中国的发展之路是光明的，它是建立在深厚的中华传统舞蹈美学基础上，充分体现了中国古典舞蹈的民族特征与个性，有悠久的中华传统文化丰富底蕴，大胆创新与借鉴时代发展精髓。随着中国古典舞坚持不懈的发展和发扬，呈现在全世界的舞坛之中必将是全新的、辉煌的面貌。

古典家具设计的研究论文

（一）植被生态化屋面节能设计。

城镇化不断发展导致了城市环境问题日益恶化，尤其是城市热岛效应，针对裸露的屋面进行植被绿化，可以有效提高城市绿地覆盖率，改善城市气候，同样也适用于建筑节能设计范畴。植被的首要作用便是遮阳降温，寻常的遮阳构件只是通过反射的方式防止室内得热，而植被可以进一步减少夏季外层空气与建筑内部的热交换，同时利用光合作用吸收太阳辐射，从而降低周围环境温度，提升室内空调的节能效果；植被的蒸腾作用可以将屋顶存留的雨水散发到空气，降低周边环境的干燥程度，植被可以吸收co2和部分有毒气体，净化空气指数，同时还有一定的降噪效果；秋冬季节植被枯萎，屋顶土壤层干燥，保温效果明显，而常绿植被有阻热功能，防止建筑内部热量不外散。但是，屋面绿化相较于地面绿化有着更高的技术要求，屋顶荷重决定了土壤层厚度，所以适宜选择轻质材料，而植物容器也可以用木竹或者塑料来代替。而植被以浅根系的植物为宜，同时要求耐热抗风耐贫瘠。

（二）科学蓄水层屋顶节能设计。

植被生态化屋面需要一定的经济支出，而蓄水层屋顶节能设计会更加实惠。水作为液体中比热容最大的物质，有着热稳定性的特点，同时隔热散热效果明显。屋顶蓄水层设计可以消耗太阳的辐射热量从而直接降低屋面温度间接影响建筑周边温度，减少夏季室内降温的电量支出。防水建筑屋面蓄水不仅隔热降温同时又可以改善屋面混凝土使用条件，比如避免暴热骤冷引发的急剧伸缩，混凝土浸水有利于强度增加等。蓄水层设计可以和植被生态设计同时使用，以水生植物来避免蚊虫来避免蚊虫滋生。由于蓄水层蓄水管理将为繁琐，所以建议采用天然雨水，但须在一定高度设置排水孔，以防蓄水太高超过建筑荷重，而雨水收集除了用以做建筑蓄水层外还有着更为科学积极的意义，比如将雨水收集进行清洁用水，减少水资源的浪费提高水资源使用率。

（三）叠合防水层式屋面节能设计。

当前屋面从刚性防水设计到柔性防水设计，依旧没有根本解决建筑渗、漏、滴的现象，这与屋面防水材料选择与施工方法有着直接联系。通过实践观察，将单一刚性防水层或者柔性防水层做成叠合防水层，既能达到防水效果同时又可以保温隔热。传统的建筑工艺要求基面必须干燥，但是受露天作业下的潮湿雨水等因素影响，使作业效果大打折扣。而现在所讲的叠合防水层是将刚性防水和柔性防水综合使用，使刚性防水层成为第一层防水层，同时用成为柔性防水层的保护层。虽然工艺操作相对复杂，但是实际效果尤为明显。实践证明，叠合防水层在使用一定年数后油毡依旧如新，而暴露在空气下的油毡已经非常老化，最终失去保护效果。

二、提升自然资源使用率的节能设计对策。

（一）窗户科技材料使用节能设计。

基于采光通风需要和现代建筑特点，建筑物的窗户面积占有更高的比率，甚至有全玻璃式的落地窗设计。以至于通过窗户而消耗的热占屋面热能耗的四成左右，窗户节能设计成为屋面节能设计的关键之一，而窗户节能设计主要途径是改善现有材料隔热保温性能和综合封闭性能。当下科技含量较高的节能产品有铝木复合型材、铝合金断热型材、钢塑整体挤出型材以及upvc塑料型材等，尤其是以原料为硬质聚氯乙烯的upvc塑料型材使用较为广泛。而将镀膜玻璃、中空玻璃替代普通玻璃可以在一定程度上解决大面积玻璃热能损耗的问题。经过测算，防阳光双层中空玻璃和热反射中空玻璃的传热系数只有普通玻璃的四分之一左右。

（二）自然通风式屋面节能设计。

传统通风设计主要是开窗后的空气对流或者空调系统的运行，而开窗后通风效果不明显和空调设备运行所消耗的能源和带来的环境污染问题都是无可避免。所以自然通风式的屋面节能设计成为环保新理念。自然通风是以风压，热压或两者结合形成的，可以根据区域性差异选择不同的手段。翼型屋顶可以独立形成自然风的低压区和高压区，也可以结合烟囱，天窗的气流进出形成一个更为科学的通风系统。或者当建筑周围受其他建筑的影响无法形成通风系统时，可以建筑机械辅助组织气流，虽然将消耗一定的能源，但是相比空调的使用效果会更加明显，也更为健康环保。

（三）太阳能光热电一体化屋面节能设计。

我国屋面建筑节能设计目前应用最为广泛的是太阳能热水器，它的`显著特点是环保，节能，安装便捷，加热迅速等。但当下人们使用太阳能热水器多是在建筑完工后独立安置，集热板，管道杂乱安置，甚至破坏了原本屋面设计的防水层保温层。随着人们对其优势的重视，太阳能热水器的普及将会持续发展，同时也会更加安全节能。单单太阳能热水器并不能将太阳光的优势充分利用。德国推广普及的太阳能建筑，将其分为集热系统，蓄热系统，分配系统，辅助热源和控制系统。其中集热系统和屋面设计紧密相连共成一体。太阳能建筑可以通过介质在夏天将屋内的热气排出，作为调节气温的冷源，在冬季吸收热能经过循环作为供暖的热源。同时，通过太阳能集热系统和屋面建筑设计的结合储存的热能还可以满足不同温度的热水需求。太阳能屋面发电系统的建立使太阳能还可以转化为人们日常所需的电能。河南财税高等专科学校新校区七栋宿舍楼楼顶布满了太阳能光伏板，据悉依靠这些光伏板产生的发电可以满足学校80%的正常用电量，在夏季光能比较充足的时候，满足学校用电的同时还可以将剩余电量卖给国家电网。目前国内部分地区正在开始推广住宅屋面设计结合太阳能发电系统，相信这是继太阳能热水器之后对太阳光能的又一次重大利用，而太阳能光热电一体化屋面节能设计，也将在不远的将来得到全面广泛的普及使用。

综上所述，通过实施屋面建筑节能设计，不仅可以有效节省建筑资源，同时也能进一步保护环境，有效改善建筑居住条件提高居住者的生活质量，成为当前建筑设计范畴的一项根本创新，值得在后续建筑屋面节能设计工作中，作出进一步应用。

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年古典文学论文选题

唐诗。

龙凤意象研究。

关于「结构」一词用法及使用状况的历史变迁。

译者主体性在中华传统文化传播中的体现。

《全唐诗》中的“眉”意象研究。

作为女性文学代表的塔·托尔斯泰娅创作的诗学特征。

《孙子兵法》两个英译本中文化负载词翻译的比较研究。

高中英语阅读课教学中学生的文化交际意识的培养。

英国拉斐尔前派特征研究。

民俗文化视阈下的刘绍棠乡土小说。

传统与现代的结合。

从功能对等视角析《红楼梦》三个英文全译本中回目修辞格的翻译。

唐诗典故英译对比研究。

古典音乐鉴赏论文

开始接触古典音乐，是因为耳熟能详的贝多芬，他苦难中创作的史诗般的交响曲和崇高的灵魂把我引入古典主义音乐殿堂；渐渐喜欢上古典音乐，是柴可夫斯基，强烈的感染力和充满激情的华美乐章让古典音乐融入我的生活；而真正爱上古典音乐，是巴赫，他用上帝的语言诉说，华美高雅而不做作，“好似清泉流淌过心灵的音乐”让感情在你还没反应过来时就已驻扎心底。

约翰·塞巴斯蒂安·巴赫，他的一生命运多舛，而天才往往在苦痛与磨难中诞生。巴赫的一生中，贫困和死亡像魔影般紧紧相随，9岁便因为父母相继去世而感受到死的阴郁。成为父亲后，又眼睁睁看着自己的11个孩子走进坟墓。巴赫为医治眼睛而进行手术，不仅没能重见光明，却击垮了自己的身体，在1750年离开人世。然而，在这样的生命中，他却从未放弃过对美好生活的追求，他秉承着人道主义崇高信念，创造了一首首富有人情味而生机勃勃的乐曲。

也许，是因为他是一名虔诚的基督教徒，上帝与他同在，他才没有被苦难击垮，他的音乐为教会服务，他的大多数作品都是宗教音乐。他始终认为音乐是“赞颂上帝的和谐声音”。然而正如法国音乐评论员所说“巴赫的创作并不是为后代人，甚至也不是为他那个时代的德国，他的抱负没有越出他那个城市、甚至他那个教堂的范围。”相比亨德尔，巴赫内向、安静，在音乐形式上他无意创新。这导致他在他逝世后的半个世纪里，他的音乐几乎无人问津。随着新的音乐风格的不断发展，巴赫的“旧式”乐曲曾一度声消音灭。然而，巴赫虽然没有形式创新，却谙熟当时那个时代的所有音乐形式，并对其中任何一种都能运用自如，达到炉火纯青。他在艺术上的旋律组合法的运用精通程度堪称前无古人后无来者，管弦乐作品变幻多样、感人至深。因此，1800年以后，在非宗教的时代里，人们开始重拾巴赫的乐曲，门德尔松指挥演出了他的《马太受难乐》后，巴赫开始在近一个半世纪名声大噪，他的音乐也受到了广泛的推崇。一直至今，巴赫作品结构的深刻性和复杂性总能给大家带来更多的魅力，也许这才真正的达到了古典音乐的高度，能跨时代的引起共鸣，而不是倏忽即逝。

巴赫的音乐如同上帝之语。歌德有段对巴赫音乐的评论十分精辟：“就如永恒的和谐自身的对话，就如同上帝创造世界之前，在心中的流动，我好像没有了耳、更没有了眼、没有了其他感官，而且我不需要用它们，内在自有一股律动，源源而出。”没错，巴赫的音乐揭露了创造性智慧无上自由的游戏。聆听巴赫，就会在内心深处开拓一条寂静的道路，让我们通向上帝的心。那是音乐与心灵的交互。最外与最内的结合，最宽广与最隐秘的结合，天与心的结合。

作为一名业余的音乐爱好者，我至今也不能区分一首曲子属于康塔塔、受难乐，或是前奏曲、幻想乐，亦或是协奏曲。提到c小调、g大调、咏叹调、赋格更是如同身在云雾。然而，正是这样作为一名纯粹的听众，才拥有对一支乐曲最直观、最中肯的感受和评价。

最早听巴赫的曲子是《g弦上的咏叹调》。当门德尔松在钢琴上把《g弦之歌》演奏给歌德听时，歌德说：“开头是这样的华丽庄严，使人可以想到一大群显要人物沿着长长的楼梯鱼贯而下”。也许，这是最接近神的感受，那份庄严肃穆，涤荡心灵。乐曲浓郁深沉，开始时速度缓慢，随着长音渐强，心随音动，如同轻声咏唱，仿佛上帝在倾诉。第二段声音起伏较大，迂回曲折，音调不断上扬，乐曲更加撩拨心弦，让人屏住呼吸，接受神的洗礼。最后再回归宁静，仿佛声声祝福，让人坚定信念，倍感希望与美好。听着听着，渐渐理解了《七宗罪》用《g弦之歌》作为配乐的别有用心。这首曲子是宽恕、是希望、是上帝之博爱。

接着，开始听小提琴协奏曲。其中，《a小调小提琴协奏曲》是最爱。第一乐章果断、有力，如上帝开天辟地。第二乐章旋律起伏如四季更替，时而狂风骤雨，时而细雨绵绵，时而电闪雷鸣，最后像经历了种种磨难后的超脱，终于回归平静。第三章，活泼而生动，成功的塑造了乐观、朴素、雅致而又虔诚的如巴赫般教徒的形象。整首曲子，折射出感性与理性、人与天、阳与阴、方正与曲折的辩证关系，最后回归巴赫本心。经过查阅资料，发现巴赫的曲子巧妙运用了复调手法。难怪如此回旋波折，前呼后应，让人来不及喘息，却撩拨人心。

如果说最好听的合唱是什么，我会毫不犹豫地选择巴赫创作的《b小调弥撒》。不得不说，这是一部有血有肉的史诗般作品，也是巴赫神学作品的重要体现。当那华美的乐章配上那灵性十足的声音，给人的震撼感无以复加。独唱和合唱间的强烈对比，男声与女声间的区分和配合，声部之间的交相呼应，直击人的心扉。其中让人印象深刻的要数《credo》那部使徒信经了。“简直像光辉的太阳一样，普照大地，听起来好似大自然，人类，星球和全宇宙都在歌颂上帝”。整部作品恢弘、庄严，它正是人类追求永恒真理时真实体现。

有人告诉我这么去听巴赫：先听通俗的小提琴协奏曲、大提琴奏鸣曲，找到他的音乐特点；再去听他的结构，如《意大利协奏曲》、《哥德堡变奏曲》；再听《平均律》、《六首组曲》这样的顶尖作品，体会自然中的情致。我觉得，听音乐并没有什么章法，打动人心的就去听，该体会的自然会体会。我不是一个宗教信仰者，但我热爱生命、热爱自然、热爱我所在的世界，我愿以乐观、平和追求世间的美好。巴赫的作品让我体会到了，所以我喜欢他的作品。仅此而已。

也许追根溯源，还要回到古典音乐的本质:那些具有优美或者奇特的旋律、具有崇高的情感力量或者神秘情感的激发能力、能给听众带来愉悦或者引发思考的经久不衰的作品，才能称之为古典音乐。作为非古典音乐原发地的我们，对古典音乐的追求，并不是因为它们的高大上而盲目的接纳，更多的应该是思考后的融入。

古典家具设计的研究论文

在我国，男性内衣市场还处于起步阶段，市场的发展空间很大。同时，随着运动、舒适、休闲与性感的兴起，男性对内裤的消费需求和着装方式发生了巨大地改变。目前男性内裤正由三角、平角内裤的传统模式转变为运动化、情趣化、性感化、舒适化的风格，这些变化必然要求内裤结构的改进。受女性内衣设计元素的影响，男士内衣的款式造型手段越来越灵活。

1男性内裤种类。

男士内裤的造型主要有以下几种：三角型、平角型、丁字型和情趣型等（如图1）。不同的人群要求穿着不同造型的内裤，例如，较瘦或易出汗的男性适合穿着三角型内裤，因为三角型内裤便于排汗；胖瘦适中的男性适合穿着平角内裤；丁字裤不宜长时间穿着。男性不宜穿过紧的内裤，因为过紧的内裤不仅影响排汗，而且还容易引起皮肤病和前列腺炎。男性选择内裤有时也直接影响外衣的造型，如瘦高男子穿薄料长裤就尽量不要穿平角内裤，因为内裤裤腿纹褶皱会造成外裤的不平整；运动时不要穿普通三角内裤，运动时穿普通三角内裤可是很多人都容易犯的错误，之所以说错，是因为运动时穿着薄薄没有支撑力的三角款式内裤，年轻时不觉有何不妥，用不着等到人老珠黄，你的臀部就会因为弹性纤维组织松弛，支撑力不够而向地心看齐。

2内裤的`基本结构。

内裤一般由前片、后片和裆三部分组成。所以对于内裤结构的变化，只有从这三部分入手。内裤的结构制图尺寸：腰围、臀围、裤长、股上长等。由于内裤面料具有弹性，所以内裤成品的腰围尺寸一般小于实际人体腰围尺寸（一般约为人体实际尺寸的75%—80%），前、后片腰围都有一定的起翘量（一般为1—2cm）。对于内裤而言，臀围线的确定一般为：（身高/5+1）/3+2；裤长的大小很灵活，视内裤造型而定。

2.1内裤的前片。

我们在此以平角裤为例（如图2-1）。内裤的结构设计点主要集中在前片，可以说内裤的款式变化主要体现在前片（含象鼻）（如图2-2）。前片中的象鼻结构起到凸起的作用，我们可以在此加放一定的量，来改变凸的效果。我们可以通过调整象鼻弯的大小来纠正前侧缝线的长度。

2.2内裤后片（如图2-3）。

内裤后片没有什么太大设计点，后片主要是满足臀部的舒适度，我们可以在臀部加一定的省量来达到臀部厚度的需要。当我们制作紧身平角内裤时，由于面料的弹性较大，穿着后面料伸展较大，后中缝线相对伸展较小，穿着后就会卡在臀沟部位。制作紧身内裤版型时应尽量不在后中开缝，这样可以减少对臀沟的压迫。

2.3内裤裆部（如图2-4）。

内裤裆长分为三部分：前中长、后中长和底裆长。一般底裆长为13—14cm，前中长约为16cm，后中长约为18.5cm，臀腰高11cm。裆部是内衣中连接前、后裤片下裆部位的特有结构，它是以适应人体臀部形态调节内裤横裆处松紧而设计，可以避开人体体液分泌和增加一定活动量的位置，同时利于节约面料。但是在内裤中按照内衣的方式增加裆片并不舒适，会导致裆部量太多，贴身衣物如果褶皱太多穿着起来并不舒适，所以我们在裆部的处理上一定要有分寸。

3内裤中的结构线形。

3.1侧缝线。

作为连接内裤前、后片的侧缝线可大可小，最小可以为0。侧缝线要根据内裤类型所定，男式平脚内裤侧缝相对较长，前、后中长相差不大；三角内裤的侧缝长一般约为5—8cm；丁字裤为3.5cm左右。脚口侧缝点一般不会低于臀围线，而平角裤的侧缝点在臀围线以下。

3.2分割线。

由于男性的体型的原因，一般男性内衣前面有三条分割线，使得内裤成品具有凸的效果，容纳男性生殖器官。除此之外，分割线还可以调整和修饰身体曲线的作用，表现出男性的阳刚之气。大块面的分割将淡化年龄的差异，适合于追求时尚、健康的男性群体。男士内裤分割线有直线、横线、斜线和弧线等四种。

（1）硬直、男性化、刚毅的性格，直线是男装运用比较多的线形。

（2）裤中一般是用来作为装饰线，使得前片不那么空。

（3）包括斜线分割和弧线分割。曲线与直线线形相比，曲线具有柔软、优雅的感觉，更能体现出服装与人体结合时所特有的感情色彩。曲线有几何曲线和自由曲线两种。圆、抛物线、双曲线等都属于几何曲线，几何曲线具有确定、明了的性格；自由曲线就是随意画出的曲线，比如斜线、弧线和回旋线等，自由曲线有着柔软、优雅、花哨的性格，给你温暖、不断变化的感觉。

4内裤结构的对称应用。

对称是结构造型设计最基本的构成形式，在服装中较为常用。对称分为左右对称、局部对称、回转对称等，这些形式主要是彰显造型的稳定、理性等特征。它们使造型因素形成统一和谐的整体。

4.1左右对称。

人本身就是左右对称的，内裤的款式、图案也多采用这种形式。

4.2局部对称。

内衣某局部采取的一种对称手段称为局部对称。这种对称的位置要经过专心设计，一般在短裤前片门禁处运用装饰配件完成。

4.3回转对称。

它是指对称轴某侧的形态反向排列，形成稳中求变的格局。这种形式一般是利用内衣的结构处理或者面料的图案来实现完成的。

5结语。

本文简单介绍了男性内裤的结构设计，目前国内男性内裤优秀设计师寥寥无几，好的设计让我们拭目以待。在男性内裤结构设计中，我们也可以多借鉴女性内衣的设计元素。而且，我们必须重视男性内衣的设计，因为随着国内白领男性、中产男性和其他高收入男性的迅速增加，随着品位、精致、性感等“男人群落”的出现，男士们对品牌内衣的需求，已经悄然成势。在服装市场不甚景气的今天，作为后起之秀，男士品牌内衣是为数不多的保持稳步发展的行业之一。

古典爱情诗词论文

翻开一卷宋词，如打开千年前的纷纭的往事。许是萍水相逢，又或是命中注定，我且当做是一段与文字的际遇。它如一朵开在绝情谷的花，以绝色英姿吸引人们，让我们中了宋词的毒，其中情思，当真使人肝肠寸断，回味隽永。

盛夏时节，春光早已逝去，连一丝踪影也觅不见。可是连绵的青草，却没有过尽人间芳菲，铺撒在天涯各处，郁郁葱茏。每当我读这首苏轼的《蝶恋花》，脑中都会浮现出一幅清新动人的画。

蝶恋花苏轼。

花褪残红青杏小。燕子飞时，绿水人家绕。枝上柳绵吹又少，天涯何处无芳草！墙里秋千墙外道。墙外行人，墙里佳人笑。笑渐不闻声渐悄，多情却被无情恼。

绝代有佳人，幽居在庭院，这院门似乎终年落锁，墙上爬满绿藤，积累了经年的时光。她豆蔻年华，醉人风姿，无须轻妆，只是天然。她每日摇荡在秋千架上，风情而潇洒，全然听不见墙外熙熙攘攘的人流。她总是独自轻笑，却不知，那笑声已将墙外人惊扰。她累时，在亭内铺一张清香的草席，躺在上面，看风中飘扬的帐幔，为她独舞。她不知，她虽不见任何生人，她的芳魂却越过墙院，迷醉了赶路的行人。让墙外的行人，多情地止步，几乎忘记自己是个过客。甚至想要轻叩门扉，窥探院内的春光，和那倾城的佳人。写惯了豪迈豁达之词的苏轼，也常有清丽婉约之作，这一首《蝶恋花》写得生动婉转，意趣盎然，有一种遮挡不住的活力和生趣。“花杏残红青杏小”，他起句伤春惜春，可刹那就超脱这景象，笔锋一转，让人看到燕子飞舞，绿水人家绕。柳絮迎风飘飞，欲觉留春不住，一句“天涯何处无芳草”让画面跳跃，仿佛眼前铺展了一片没有尽头的绿意。这就是东坡先生词风的魅力之处，姹紫嫣红的春光在赶往夏天的路上死亡，他没有一直感伤，而是用积极的心态接受季节更替，看到更加苍翠的风景。

绿水人家，高墙之内，有荡秋千的佳人，发出愉悦的笑声。那笑声，似黄鹂鸣叫一般婉转清脆，让墙外的行人，不由自主地停下脚步。可是只闻笑声，却觅不到佳人的芳踪。一堵院墙，挡住了所有的视线，可是却挡不住佳人的青春美丽。心灵的眼睛可以穿越院墙，看到佳人绝色的容颜，和她在秋千架上轻盈翩跹的姿态。可当他为这生动的情景而痴醉不已时，墙内的笑声却已经听不到了。佳人就这样抛洒欢笑之声，飘然而去。那秋千，在风中空空摇荡，而墙外的行人，空自多情。

每当读这首词，我就会想起那个影响苏轼一生的女人。他的结发之妻王弗，容貌美丽、知书达理，夫妻二人情深意笃，恩爱有加。可是在一起生活了十一年，王弗便病逝了，苏轼悲痛万分。他在埋葬王弗的山头，亲手种植了三万株松树以寄哀思。更让人深刻的是，十年后，他为亡妻写的那首千古第一悼墙里秋千墙外道。墙外行人，墙里佳人笑。笑渐不闻声渐悄，多情却被无情恼。然而，还有一个女子，她的名字，烙刻在我记忆深处。王朝云，苏轼的侍妾，他的红颜知己。朝云美丽贤惠，长于歌舞，陪伴苏轼颠沛流离,沉浮官场,历经无数艰难，承受无数打击，是苏轼至亲至爱的患难伴侣。在惠州，一日，苏轼与朝云闲坐，“时青女初至，落木萧萧，凄然有悲秋之意。”于是，苏轼请朝云歌唱《蝶恋花》词。朝云唱了几句，忽然歌喉哽咽，满目噙泪，苏轼问其故，答曰：“奴所不能歌的是‘枝上柳绵吹又少，天涯何处无芳草’也。”说罢禁不住潸然泪下，泣不成声，自此,朝云终日惆怅，不久抱病而终。真正是:一曲伤春词，肠断多情女。

我在想，朝云是在伤春，还是在感叹，苏轼如此豁达，是否在她离去之后，又会天涯海角觅知音。也许真的是宿命，这位小苏轼整整二十六岁的绝代红颜，竟然先他而去。朝云逝后，苏轼终生不复听此词，并且一直鳏居。也许是，垂暮之年的他，再也禁不起任何的生离死别了。苏轼将朝云葬于惠州西湖孤山南麓栖禅寺大圣塔下的松林之中，并在墓边筑六如亭以纪念，撰写了一对楹联：“不合时宜，唯有朝云能识我；独弹古调，每逢暮雨倍思卿。”

这首词的上阕重在伤春。春花凋零，残红落地，青杏初现。春燕在绿水环绕的人家低飞。柳絮飘飘流落远方，哪里是它栖身的芳草呢？一切只是正在逝去的春景；心中唤起的却是年华流逝伤春之情。想到和苏东坡流浪漂泊，朝云怎不伤心落泪，难抑悲情？苏轼却笑曰：“吾正悲秋，而汝又伤春矣”。悲秋伤春同样反映出深沉的时间忧患的恐惧，联系苏轼作词时的背景，可体会到苏轼当时壮志难酬，对时间流逝的叹惋；历经磨难，如同那残红败絮，朝云悲凉甚至于绝望的心境可以想见。

下阕重在伤情。苏轼巧妙地抓住生活中的一个细节，创作了一幕富含理趣的悲喜剧。“墙”犹隔也。墙内佳人，墙外行人，一墙之隔。佳人笑语，行人动情。笑语者不知墙外有人，动情者但闻笑声不见人。笑声渐渐远逝，多情的行人却凭空生出无限的烦恼。这种哀怨缠绵的情感，从作品表层看，似乎是描写生活中邂逅的恋情；从深层次揣磨，却是反应了苏轼密州生活时政治上抑郁的心境。朝云的绝望也许正是这种隔而生出的悲剧。

佳人杳去，蜡炬成灰，自古多情，总被无情恼。不禁想问，究竟是苏轼多情，还是这二位女子多情？这一切，似乎不重要，因为他们曾经相处过、拥有过。好过那墙内佳人，只给墙外行人，留下缥缈难捉的笑声。其实，每个人，都只是过客，没有谁，可以陪伴谁走到人生的终点。

独自上路吧，天涯何处无芳草！

古典家具设计的研究论文

摘要：文章以古罗马时期和洛可可风格两种性别倾向明显的家具风格为例，对比分析了西方古典家具性别化的历史背景，并从造型要素、形式美法则和装饰方法等方面探究了其性别化的具体表现形式及意涵。结合目前我国家具设计的现状和趋势，提出可以通过借鉴西方古典家具性别化特征来实现现代家具造型设计的个性化，为现代家具设计的创新提供思路。

关键词：西方；古典；家具；性别化；设计。

纵观西方家具发展史，一些特定时期如古罗马、哥特式风格、仿罗马式、洛可可风格和新古典风格时期等的西方古典家具，在造型上能够显著体现出男性化和女性化的特征。为了更深入地理解西方古典家具性别化造型特征的意涵，本文以古罗马和洛可可时期为例对其历史背景、造型要素和装饰方法等方面进行对比探析，从而为借鉴西方古典家具性别化特征来实现我国家具的个性化设计提供新思路。

1造型性别化形成的历史背景。

1.1古罗马时期。

罗马是意大利半岛中部西岸的一个小镇，经过长期的发展，从一个闭塞之地逐渐崛起成为地区间的强大国家。古罗马（公元前6世纪-5世纪）时期重视军事力量，崇尚暴力和杀戮，具有英勇无畏、崇尚荣耀的特质[1]。在这种精神力量下其建筑和家具造型也具有明显的男性化特征。尤其是铜质家具和石材家具具有坚厚凝重的特点，显示了一种男性化的风格，表现了罗马帝国尚武好战精神。

1.2洛可可风格。

洛可可风格家具盛行于法国路易十五时期（公元17-18世纪），路易十五皇帝当政，受宫中女宠影响，这时期的家具在造型上呈现明显的女性化特征，放映了他们的爱好与情趣。家具整体尺寸较小，容易搬动，适合在较小的闺房中使用，造型纤细、弯曲尖腿是腿部造型的唯一形式，整体轻巧，丰满柔润，宛如妇女体态（图2）[2]。

2造型性别化的表现形式。

2.1造型要素。

2.1.1点线面。

在点线面方面造型性别化特征表现是由方、圆或曲、直来产生的。如方形的点相对于圆形的点，曲线相对于直线，平面相对于曲面，皆是前者具有男性化倾向，而后者更具女性化特征。古罗马时期家具的挺拔、强健，单纯、简朴，厚重的特征，体现了男性的统治地位。对比代表极端享乐主义时期洛可可风格家具的造型是反对直线的，大量的非对称的s型c型曲线大行其道。不规则曲线婉转曲折，优美、轻快、流畅，富有柔和优雅之感，体现了女性风格的主导地位。

2.1.2质感。

不同性别对质感的偏好有着较大差异，坚硬和柔软等同于阳刚和阴柔的对比。都在传递给人某种视觉和触觉的感官判断，或阳刚或阴柔，或阴阳相济。古罗马时期的家具，除了木质家具外，铜质和石质家具的成就较大，主要材质是黄铜、大理石和石灰石等，能充分表现出厚重的男性化艺术特征。相对于坚硬、冰冷的材料，洛可可时期的家具倾向于更加温和的质感，木材多用温润的胡桃木，加之硝基漆透明的漆膜给人有温度的肤视感。

2.1.3色彩。

从色彩心理的角度，不同的色彩具有不同的性格与表现力。古罗马时期，铜质和石质家具呈现的是材质本身的色彩，表层贴面的珍贵木材多为暗色，体现坚厚凝重的艺术特征。洛可可家具的装饰上以青白色为基调，模仿西欧上流社会妇女的苍白肤色，以示高贵[3]。此外，在胡桃木本色基础上镂刻优美的曲线，通过金粉涂饰或彩绘贴金，最后再以漆膜罩光，使整体产生富丽豪华之感。体现了新王朝女权高涨形势下，上层社会女性的爱好。

2.2形式美法则。

2.2.1比例与尺度。

在家具造型中，合理的比例能够使家具外观造型更符合人的生理和心理的需求从而产生和谐之美的视觉感受，因此优秀的家具设计大都具备良好的比例关系[4]。西方古典时期的罗马家具和洛可可式家具各自独特的比例关系是展现其风格特征和内在意涵的重要方面。男性权利为主的古罗马时期家具尺度偏大，通过夸大来表现雄伟的气势。与此相反，洛可可时期的家具采用亲切的尺度，家具的尺寸变小了，满足了当时上层社会女性沙龙生活中方便交际的需要，同时也反映了女性生理和心理的特点。

2.2.2对称与均衡。

对称与均衡决定着家具的功能特点、结构特点以及形式布局。几乎所有的西方古典家具都是对称的结构，尤其是具有男性化倾向的家具，是一种等量均衡。而女性化倾向的家具，在构图上也常采用动态均衡，即在求得不失重心的原则下，虽然中心线两边的形态和色彩不相同，但通过各组成单体家具或部件之间疏密、大小、明暗以及色彩对比来实现均衡。如洛可可式家具，打破形式美中的对称和均衡的艺术规律，弯曲造型采用非对称的s型和c型和涡卷形曲线，追求运动中的纤巧与华丽，更加多变，具有变化、活泼、优美的特征，形成了具有浓厚浪漫主义色彩的风格。

2.2.3节奏与韵律。

在家具造型设计中，将家具的形体结构和零部件的体、形、线等要素，进行连续的排列组合与分割，产生曲直、起伏和大小等有规律的重复和交替，便形成节奏感的艺术效果，若再进一步深化表现出抑扬婉转和运动方向的连续变化，便给人以韵味无穷的律动感。如具有男性化倾向的仿罗马时期家具反复使用建筑上的连环拱廊和成排的车制的杆件，都使得其外部形式产节奏感。韵律之于节奏，更适于表现女性的柔婉。如洛可可家具风格采用多变的曲面和复杂的波浪曲线，创造了富有流动感的柔美的女性风格。

2.3装饰方法与图案。

2.3.1装饰方法。

古罗马时期家具的装饰手法有雕刻、镶嵌、绘画、镀金、贴薄木片和油漆等。木质家具往往以名贵的木材或金属作贴面和镶嵌装饰，在石材上雕刻主要采取立体感的、浮夸的`做法，各个细部的雕刻深度较大，来强化男性的力量感。女性化倾向明显的洛可可式家具，主要手法是在木材上雕刻和髹漆，但是雕刻的手法是精细纤巧的雕刻装饰，配以色彩淡雅秀丽的织锦或刺绣包衬，高贵瑰丽的视觉效果。

2.3.2图案与纹样。

家具的图案和纹样是围绕着特定的风格而设定的，是家具精神特征的强化。具有性别倾向的家具风格其装饰纹样反映了其内在意涵的需要。古罗马时期家具装饰图案和纹样的题材主要有：王冠、叶饰、狮头、飞禽等，还有战利品雕饰武器、盔甲、花环和贝壳等[5]。这些装饰内容无不与权威、力量、王权有关，对男性的英雄主义的表现淋漓尽致。而洛可可式风格家具，雕刻装饰的图案主要有：狮、羊、猫爪脚、“c”形、“s”形、涡卷形的曲线、花叶边饰、齿形饰、叶蔓与矛形图案、玫瑰花、海豚、漩涡纹等。包括东方装饰图案，如中国园林中的假山和岩石、喷泉等，这些题材给人带来的是女性的轻松、浪漫和随意之感。

在人们生活方式和审美情趣不断提升的背景下，家具产品的创新设计显得尤为迫切[6]。今天的人们都在追求自我存在的价值，最大限度的展现自我，必然产生个性化需求。个性化追求已经形成了家具市场消费的主流导向，满足个性化的消费者已成为家具企业的一个发展趋势[7]。个性化追求是独特性、非大众性，从而表现与众不同。在造型创新方面，要把握古典家具的神韵和风格，综合思考传统文化精神和当代审美意识的融合方式[8]。以西方古典家具的性别化特征为鉴，可以将家具造型性别化作为个性化的一个切入点，尊重人在生理和心理等方面的性别差异，根据不同的性别特点来对家具的造型、材料、色彩、地域等进行定位和设计，是一个富有人情味并充满人文关怀的创新设计思路，并能体现“以人为本”的设计理念。（图3）所示连衣裙造型的现代家具，体现了女性化特征。为了适应个性化的消费需求必然导致了家具定制化运营模式。而如何既满足用户的个性化定制需求，又能批量化生产，有效的利用资源，尽可能的减少成本，是定制家具模式发展所要解决的现实问题[9]。可以根据性别对同类产品的不同细分市场的第一层次，进而面向个性化细分市场。这需要对不同性别倾向的家具在功能、外观、结构、尺寸、材料、工艺等方面进行分析总结，归纳出产品或其零部件在设计、制造的过程中的相似性质，以尽可能的减少产品内部多样化，扩大产品外部多样化，同时又能体现个性化，解决个性化定制与大规模生产之间的矛盾[10]。从而达到主流消费者所追求的平价化和个性化的平衡。

4结语。

任何创新都可来自于对传统的继承和发展，正如西方千百年来的家具设计，始终都没有超出古埃及家具创造者的想象。除了古罗马家具的男性化和洛可可式家具的女性化，典雅的新古典家具和古希腊优雅的克里斯莫斯椅等，无不反映出造型设计性别化特征的脉络。随着我国社会的发展和物质的极大丰富以及标准化生产带来的日益凸显的大众化问题，内在的精神需要越来越显得重要，成为现代家具设计的主要诉求之一，并形成一种明显的发展趋势。因此，西方古典家具造型设计性别化特征可以是现代家具设计的创新源泉之一，当加以借鉴为现代个性化家具设计提供思路。

参考文献：

[1][英]彼得弗兰科潘.丝绸之路[m].杭州:浙江大学出版社,.

[2]陈于书.家具史[m].北京:中国轻工业出版社,.

[5]许美琪.西方古典家具史论[m].北京:清华大学出版社,:165.

[7]郑哲.谈个性化家具设计的切入点[j].艺术与设计(理论),,(08):129.

[9]刘佳.为满足个性化需求家具企业营运模式的研究[d].北京:北京林业大学,.

[10]叶芳.大规模定制家具设计方法研究[d].昆明:昆明理工大学,:3.

古典音乐鉴赏论文

摘要：音乐是人类富有精神价值的文化艺术，它和人的生活情趣、审美情趣、语言、行为、人际关系紧紧相连。它是表达人们思想感情、反映现实生活的艺术，它是人们的精神粮食，在社会中是不可缺少的。作为音乐中的瑰宝，古典音乐也在人们的生活中充当了重要角色。它集聚了大师们的思想和灵魂，凝聚了他们的辛勤和汗水。倾听古典音乐，就像是在抚慰我们的灵魂。时代在前进，但历史留给我们的珍宝也不能丢失。因此现在的人们需要重温古典音乐，让古典音乐不会因时代的改变而被抛弃。

中世纪（1450年前）。

这一时期主要是罗马天主教会所保存的在教堂中广为演唱的单身歌曲集。大多用于两种礼拜仪式：一是弥撒，歌词为纪念基督最后晚餐及其献身事迹，这是教堂仪式的中心；二是日课，就是修道院每天咏唱的八课圣事，主要以诗篇为主。

巴洛克时期（约公元1600—1750）。

这一时期的音乐是现代演奏会的先河。作曲家手下的巴洛克音乐带有显见的特性：华丽、复杂、藻饰、扭曲，着重于超现实和雄伟宏奇，这些特质都能彼此融会贯通。如果说文艺复兴时代（以及后来的古典时代）代表着井然的秩序和澄澈的表现，那么巴洛克时代（及后来的浪漫时代）就代表着骚动、不安和疑虑。四声部的和声，以及加上文字指示和弦的数字低音都产生与巴洛克时期。同时旧的教会调式消逝，大小调音阶系统和沿用至今的相关调性崛起。另外节奏思想也在这个时期萌芽。

古典主义时期（约公元1750—1820）。

浪漫主义时期（约公元1820—1900）。

也许有的人会说我不是不喜欢古典音乐，而是觉得它太深奥，自己不容易懂，因此就不会静心去听，慢慢地也就不会去听了。是的，古典音乐是大师们心灵与肉体的结晶，它具有高深层的含义，也许正是由于它那高深的精神境界让我们远离它。因此有的人不敢接受，许多愿意尝试接受它的人却又不知道该如何去欣赏它。

另外，古典音乐的曲目和演奏形式都太单调，又都太强调严肃性，也许是因为古典音乐需要一个严肃的氛围，但音乐本身就有严肃性，那么再加上它的宣传方式，那不就加大了古典音乐和人们的距离。当作曲家的经典作品像出土文物一样被开发出来时，就会被众多乐团和指挥大师们翻来覆去地演奏了一百多年，纵然经典作品数量众多，但毕竟还是有限，当一部作品被大量乐团演奏了无数遍，当一部作品被听众欣赏了无数遍之后，需求的减少也就成了必然。然而和其相比流行音乐曲目风格不断变化，数目也无限制，表演形式也多变化，正迎合了人们的兴趣。还有如果想要获得一张古典音乐会的门票是多么的难，也因为其票额高让很多人在音乐会场前止步。

还有随着社会的进步，古典音乐也受着商业化浪潮的冲击，但由于其不论是内容还是形式都不能迎合商业化浪潮，它也不会有利益可图，因此在商业化浪潮面前它是力不从心的。但怎么能因此将古典音乐逼向绝路。在诺曼。莱布雷的《谁杀了古典音乐》中指责音乐明星利欲熏心，经纪公司幕后操作，唱片业主唯利是图，从而联手将古典音乐推向死路。

其次，人们对音乐的欣赏还停留在表面，只听旋律而不感受其他的，因此那些欢快旋律的，朗朗上口的流行音乐便成了人们的挚爱。总之从外在的表征观察，古典音乐听众的老龄化，市场份额缩小；就社会支撑而论，体制运转不畅，财政危机四伏；以内在机制来说，曲目普遍保守，新作缺乏冲击。

四解决问题的办法。

在的古典音乐进入了转折关头，那么我们又该采取什么手段来保存我们宝贵的历史文化财富，我们该付出什么努力来拯救古典音乐。首先，就其本身而言古典音乐应该从宣传方式上减少它的严肃性从而缩短与人的距离。它可以用多样式的宣传方式来宣传，并且要用更加贴近大众的姿态来展示自己。另外，在拥有其本身的精髓的基础上，古典音乐应该努力与时代“合拍”，不仅仅与其他音乐进行沟通，而且也与当代的形式、技术、和生活发生联系。这样古典音乐也跟上时代的步伐，缩短和人们的距离。

其次，对于人们来说不仅仅要去聆听古典音乐，还应该从深层次上去品味，欣赏它，体味其内在的寓意。因此我们要加强古典音乐的欣赏的积极性，主动了解古典音乐，多听古典音乐，找出自己喜欢的类型，此外，自己除了在家聆听外还可以走进音乐会场感受真正的音乐盛宴。另外，对于青少年的古典音乐素养还要加强，在音乐教程中多加古典音乐曲目，在教授过程中要求学生明白基本的古典音乐知识点，学会聆听并自己对其内在的精华进行品味形成自己的思想。还应该从小培养儿童的古典音乐素养，这样日积月累对古典音乐进行正确的认识有很大帮助。

另外，在现在商业化浪潮的冲击之下，政府应该给予更大的支持。这样在便可以同那些古典乐迷一起保护这一文化。

让古典音乐重新焕发光彩不仅仅是乐音工作者的任务，每一个普通公民都有责任去拯救属于我们自己的灿烂文化。如今的社会繁华，喧闹，然而当耳朵里响着古典音乐时，闭上眼你会感受到一个纯净的世界，在这个世界里你会远离城市的喧嚣，烦恼，这就是古典音乐的魅力。古典音乐是心灵的音乐，因此我们要齐心协力将它带回现代生活，让它走进大众生活，让它重新绽放光芒。

参考文献：

古典音乐论文

摘要：古典主义时期是欧洲音乐历史发展的里程碑阶段。

受启蒙运动的影响，古典主义的艺术大师们对音乐构思中的理性精神和逻辑进行了探讨，并使得情感在音乐中得到更加适度的表现。本文从当时歌剧领域和启蒙思想的理性精神两个方面，来探讨启蒙运动思想对欧洲古典音乐的影响及带来的变革。

关键词：启蒙运动；古典音乐；喜歌剧；理性精神。

古典主义时期是西方音乐史上的一个重要阶段，这个阶段深受欧洲启蒙运动的影响。发生在资产阶级革命时代的欧洲启蒙运动，引导着新思维不断涌现，它和理性主义等思想一起构成一个长期的思想革命和文化运动的主要内容。启蒙运动的影响覆盖了自然科学、文学、哲学、教育学、伦理学、政治学、经济学、历史学等各个知识领域。18世纪中期，随着工业革命和科学技术的发展和法国大革命的影响，欧洲的社会发生了深刻变革，英国资产阶级革命的胜利标志着欧洲进入资产阶级革命时代，当时法国是强大的封建集权国家，资本主义工商业发达，资产阶级队伍不断壮大致使资产阶级所需要的权利也随之膨胀，但是随着资本主义的发展资产阶级与封建阶级统治者之间的矛盾日益激化，资本主义只有打破封建制度的束缚与羁绊并冲破封建的藩篱才能找到出路，启蒙运动也正是这种社会局势在思想上的真切体现。

启蒙运动作为一场资产阶级的革命首先兴起于西欧，之后波及到欧洲大多数国家，最后影响到全世界，并孕育和推动了资本主义、社会主义的形成，是继文艺复兴以来的第二次大规模的思想解放运动。它反对封建制度与教会神权，比文艺复兴更强调“人”的作用，“人”的解放，它主张人的理性推理可以作为知识来源，高于并独立于感官感知，以“人”为中心，回归自然，追求共和、民主、权利、自由、平等、博爱，讲究普世性，推崇建立一个以“理性”为基础的社会，人的理性分析和推理成为分析问题、解决问题的主要途径。

音乐是一种文化，一种思想，它并不是空中楼阁，虚无飘渺。受到启蒙运动影响的音乐家也走出宫廷深院的大门，为新兴发展起来资产阶级构思创作，于是音乐的令人愉悦、容易理解和感情生动等品质，成为音乐美的准则，这是启蒙思想融入了音乐创作中的体现，如启蒙运动的代表人物卢梭等思想家的理论，会让我们更好的了解启蒙运动时期的音乐特质，更加了解这个时期的音乐家的创作与之前的巴洛克音乐和之后的浪漫主义音乐产生本质差异的原因。卢梭在政治上提出了“社会契约”论和“人民主权”说，猛烈抨击封建王权，认为统治者如果反对民意、侵犯人权、践踏人民的公共意志，人民就有权推翻他，政府应该着眼于个人权利的平等，而不是保护少数人的财富和权利。不管任何形式的政府，如果它没有对每一个人的权利、自由和平等负责，那它就破坏了作为政治职权根本的社会契约。人民的意识不仅在卢梭的政治思想中得到了深刻的体现，同时在他的歌剧美学思想中有着更加令人惊喜的体现。另外，法国著名的思想家孟德斯鸠提出的三权分立学说、天赋人权学说，明确的显示了他强调人民权利的思想。本文选取两个在音乐领域中最能体现启蒙思想影响的方面来探讨启蒙思想的影响在西方古典音乐中的渗透。

历史上著名的三次歌剧改革之争只有以瓦格纳为中心的改革与启蒙思想没有关联，而以卢梭为主要代表的喜歌剧之争和以格鲁克为中心的歌剧改革都与启蒙运动的思想有着密切联系。传统意大利歌剧在发展过程中，受贵族听众需求的影响，变得越来越偏重音乐性，尤其是在咏叹调等体现人声线美感的独唱段落中段落式炫技的性质不仅显示了歌唱家的高超歌唱技巧同时也极大的满足了听众的听觉感官。但是这种“音乐性”却发展为一个极端：歌唱家为了炫技而歌唱，不再真切抒发情感，不再有进入角色的表演，也不再注重体现音乐要表达的思想，使音乐逐渐失去了它应有的意义。这种极端的音乐表现形式过于僵化，缺少情感的音乐无异于缺少灵魂，于是听众对这种音乐也开始逐渐的放弃。于此同时佩尔格莱西的喜歌剧剧目《女仆作夫人》于1752年在巴黎上演，而这部喜歌剧剧目新颖、生动的特点立刻使已经疲惫的人民精神振奋，欣喜不已。在喜歌剧受卢梭和部分统治阶级以及广大民众的热烈拥护的背景下，西方音乐史上法国大歌剧派和意大利喜歌剧派著名喜歌剧之争便由此上演，为此，卢梭还自己创作了一部喜歌剧——《乡村卜者》。

“喜歌剧”是指18世纪上半叶在启蒙主义思潮影响根据意大利幕间剧的基础产生的，喜歌剧是反对意大利正歌剧的“装腔作势”并追求“自然”的歌剧体裁形式。喜歌剧的题材通常取自日常生活，音乐风格轻快幽默，这也就造就了喜歌剧的重要特质：喜歌剧不再反映王公贵族的生活而是以平时生活中的小人物、社会中下阶层为主要表现对象；表现人们熟悉的生活场景、细致描写人物的性格特点，具有喜剧因素，结尾往往是团圆或胜利；它的音乐轻快活泼，常用本民族语言表演，戏剧情节简单，人物精炼等；剧词幽默、口语化，音乐也十分生动多样，喜歌剧充分表现了人民的真实生活、人民的喜怒哀乐，更重要的是在这种歌剧的主题中，一般都会对小人物进行赞扬，赞扬他们聪明、热情、公正、智慧，拥有巨大的力量，总是能战胜邪恶势力，取得胜利。

卢梭的歌剧美学思想与喜歌剧的特质一致，他力图表现平民世界的美，所以在他创作的《乡村卜者》中的人物多数为穷苦的人；他在音乐风格、音乐语言上力求单纯、朴实、自然清新的`乡土气息；音乐旋律追求简单，朴实无华，没有复杂的对位与浓重的和声，平易近人，通俗易懂。他强调音乐要模仿自然的旋律，模仿语言声调和语气。“自然”不仅指自然界，还指自然人的本性，没经过文明社会污染的人的纯朴、自然的热情。音乐对自然的模仿就是对人纯朴的热情进行模仿，音乐的感染力也正在于用“热情的抒写激起我们的热情。”法国评论家圣。勃曾说：“没有一个作家像卢梭这样把穷人表现得卓越不凡。”启蒙运动思想就是这样清清楚楚在歌剧中有了它的体现，喜歌剧的内容、形式、所表达的情感，无一不说明启蒙思想对音乐的影响。

在18世纪的意大利正歌剧过份注重美声、炫技性而无视戏剧性的背景下，一些艺术家也开始思考对正歌剧进行改革。格鲁克是其中重要作曲家之一，他早年主要创作传统风格的意大利歌剧。18世纪50年代，受歌剧改革浪潮影响，他先后创作了《阿尔切斯特》《奥尔菲斯与尤丽狄茜》等歌剧，在这些歌剧的创作中他实践对歌剧改革的一些设想。他的观点主要体现为：在歌剧中，声乐要去除不必要的装饰，音乐必须随着剧情的发展，简洁自然地表现出来；太多的咏叹调，会破坏剧情的连贯性；歌剧序曲的基调应与整个戏剧的基调相吻合；歌剧音乐应该追求清晰和简洁的原则。而格鲁克歌剧取得的成功也证明了这些观点的价值，《奥尔菲斯与尤丽狄茜》中的咏叹调“我失去了尤丽狄茜”等唱段，至今仍被音乐界视为既富于美感又简洁明晰的佳作，奥尔菲斯下冥府拯救妻子的场景则以音乐和戏剧的浑然一体而动魄感人。格鲁克在18世纪70年代又创作了《伊菲姬尼在奥利德》《阿尔米德》和《伊菲姬尼在陶里德》等优秀的歌剧，这些歌剧的美学观点启发着后世许多著名歌剧作曲家的思考和探索。

理性主义精神是承认人的理性可以作为知识来源理论基础的一种哲学方法，主张人的理性高于并独立于感官感知。

启蒙主义者认为“理性”是人们思想和行为的基础，他们呼唤用理性的阳光驱散现实的黑暗，批判专制主义、教权主义，号召追求政治民主、权利平等和个人自由。启蒙运动文学家痛斥想象和飘忽无常的情感，认为凡是天生的事物总是符合理性的，是永恒并且真实的。在这种思想与主张的影响，西方古典音乐开始强调人类理性，并着重于反映资产阶级新兴市民的精神面貌，主张音乐要从宫廷、教堂走入平民百姓的世俗生活。音乐文化的发展在渗透人类理性的基础上也极大地受到了当时时期平等、自由、博爱，尊重科学、尊重人权、提倡个性解放等主导思想的影响。因此，在古典时期的音乐中最突出的特点之一是：在情感表达与理性的形式美中更注重后者，尤其体现在结构形式方面。古典主义时期，人们更多提倡清晰的主调音乐，逐渐不再喜欢复调那种繁复的音乐风格，这便更加突出了旋律与和声这两大音乐要素。对称的段落结构和清晰的音乐旋律句法取代了巴洛克音乐动机加变奏的装饰性旋律方法。古典音乐结构形式中，作曲家更加乐于运用带有抽象辩证思维的奏鸣曲式并使它成为几乎无处不在的音乐形式，独奏奏鸣曲、三重奏、四重奏、五重奏等音乐形式出现在私人客厅里；五人以上的合奏也作为宴会、婚礼背景音乐出现；小夜曲、嬉游曲也都在这个时期发展起来。当由庞大的管弦乐队演奏的交响曲从宫廷的娱乐转向了面向大众的音乐会时，它便融入了时代精神的内涵，器乐音乐的意义得到了升华。

启蒙思想认为理性是组织、分析的基础，同样，在音乐艺术中，古典主义音乐家的音乐创作也是如此，格鲁克、海顿、莫扎特和青年时代的贝多芬等音乐家对影月形式的理性与逻辑做出了探索，使作品更加完美地表现了情感。音乐大师海顿认为艺术的真正意义在于使人幸福，使人得到鼓舞和力量。他的这些思想也体现了启蒙主义中以大众为中心的思想，明显的体现出启蒙思想在其音乐创作主张中的渗透；莫扎特是是西方音乐史上最富有智慧的音乐家，从他笔下涌流出的音乐具有古典美，是艺术的一种升华，同时他以其多面的杰出才能推动了古典风格趋于完美；时代的音乐巨人贝多芬完善了古典主义风格，他的音乐充满时代斗争精神和高度个性，最终，他的音乐超越了古典主义精神，他也成为19世纪浪漫主义的引路人。

通过分析此阶段的音乐作品笔者发现，在他们的创作中内含着严密的逻辑思维的运用和对结构的清晰安排。音乐上的奏鸣曲式在他们的笔下走向成熟阶段，直到现在我们还在津津有味的分析着这些作品的绝妙结构。古典主义与浪漫主义不同，浪漫主义的作曲家们更加有自己的个性，这种个性只是体现他一个人强烈的情感，这种肆意的宣泄、心理的瞬间变化，使他们创作时不可能再有一个完美、对称、均衡的形式，为了更能抒发情感，他们可以随意的打破秩序，音乐成为表达主观情感的工具。而古典主义音乐是在理性的控制之下来创作的，音乐家把音乐作品本身当作自身存在的客体，追求创作中思想逻辑的清晰，主题的明确和形式的完美，它的效果是明确客观的。他们注意旋律的优美、追求精湛的技艺和细腻的感情，讲求作品整体的秩序、协和、比例以及对情感表达的控制。准确地呈示、合理地发展、自然地再现，绝对控制着全局、种子动机的铺垫和一步步发展、戏剧性的冲突与矛盾的制造、高潮的到达、音乐的目标感都是作曲家主要考虑的问题，这些问题也充满了对理性的思考。

诚然，启蒙运动是一场思想上的运动，而音乐却也恰恰是思想的表现方式之一。于是我们看到音乐创作与启蒙之一思想紧紧联系起来，那个时期的古典音乐处处都能感受到启蒙思想的气息，体会到启蒙运动的精神和理性精神的光辉。

上面内容所说的只是启蒙运动思想和古典音乐的关系最具代表性的其中两个方面。当然，这只是在用文字进行分析，摆在这里看起来似乎很简单，但实际上却绝非如此！我们说喜歌剧体现人民的力量，说它接近人民，表现人民心声，这只是内容和经验的总结，至于它是如何地体现、怎样地接近，还要我们实实在在的去听那些至今闪烁着光辉的大师们作品、观看那些大师们作品，用心体会那些作品；我们说古典主义音乐曲式结构多严密、多清晰、多有目标感，也不能只是纸上谈兵，要想真真切切明白这一切，同样需要我们去听那些优秀的作品，分析那些旋律优美的乐谱，用“理性的精神”去认知、感受。

参考文献：

[1]于润洋主编。《西方音乐通史》。上海音乐学院出版社，20xx年版。

[2]修海林，罗小平。《音乐美学通论》。上海银与出版社，1999年版。

[3]朱立元。《西方文论教程》。高等教育出版社，20xx年版。

[4]朱光潜。《西方美学史》。人民文学出版社，1963年版。

[5]孙美兰。《艺术概论》。高等教育出版社，20xx版。

[6]李泽厚。《音乐美学史》，人民音乐出版社，1978年版。

古典音乐论文

音乐欣赏是音乐教学中的一个重要学习领域，在学校音乐教学中，音乐欣赏教学占有十分重要的地位。音乐是善于表现人们的情感，并能引起情感共鸣的艺术形式。音乐教学要创设与乐曲表现内容相适应的教学情境，激发学生的情感。综合教学有利于培养学生的艺术通感能力。

音乐欣赏是音乐教学中的一个重要学习领域，音乐是听觉的艺术，音乐的创作、演唱、演奏最终是为了听。在学校音乐教学中，欣赏教学占有十分重要的地位。各项音乐教学活动都是围绕着欣赏来进行的。

先进的科学理论和技术，是值得我们学习和借鉴的，但这并不能抹煞本民族文化的灿烂成就，相反，我国民族文化结晶也是世界文化宝库中的重要组成部分，也需要而且应当被我们后人所继承和发扬。培养学生热爱民族的音乐艺术，激发学生对民族的自豪感和自信心，这是音乐教育的目的之一。中华民族具有丰富多彩、悠久的民族音乐文化，在音乐教学的歌唱等活动中只能接触到其中的一少部分，音乐欣赏则可以让学生熟悉、了解民族音乐文化。音乐教师在这个传承与发扬的过程中，应该起到穿针引线的作用。

在音乐教学活动中欣赏中国著名的古典音乐《阳关三叠》、《渔舟唱晚》、《梅花三弄》时，我们采用情感导入、情境创设、艺术综合三种教学手段让学生理解、接受和喜爱民族音乐。

《音乐课程标准》明确指出：“音乐教育以为核心，主要作用于人的情感世界”，“在音乐教学中要把情感，态度与价值观放在首位，突出情感。”［2］可见，音乐是善于表现人们的情感，并能引起情感共鸣的艺术形式。教师应有立足于学生情感、以人为本的教学思想，真正寓美育于音乐教学之中。

学生对通俗、流行音乐有浓厚兴趣，课本上的内容已远远不能满足他们瞬息万变的精神需求，既然我们无法阻挡流行音乐对校园音乐领域的侵入，何不顺水推舟，用一些优秀的、适合学生的流行音乐，在课堂上进行交流、探讨，并教会学生选择健康的、适合自己年龄的音乐。对于校园流行音乐，与其进行适得其反的遏制，不如正面引导。

《阳关三叠》又名《阳关曲》、《渭城曲》，是根据唐代诗人王维所作的七言格律诗《送元二使安西》谱写的一首著名的艺术歌曲，原诗是：“渭城朝雨浥轻晨，客舍青青柳色新。劝君更进一杯酒，西出阳关无故人。”表现了诗人对即将到关外的朋友恋恋不舍的情谊，寄托了对友人无限的关爱之情。

本课的导引，我是这样设计的：

导引：播放通俗歌曲，周华健演唱的《朋友》。

师：你们怎样理解“朋友”这个词语？

生讨论并举手回答。

师：现在让我们来感受一下古人对朋友的情谊。

播放合唱《阳关三叠》，对比：古人和现代人对待友情的方式。

古人——劝君更进一杯酒，西出阳关无故人。

现代人——一生情，一杯酒。

古人一句“劝君更进一杯酒”既显出豪气，又道出对友人的不舍，如今的“一生情，一杯酒”，又是对友情的.一种感悟：朋友之情犹如杯中之酒，越久越浓。二者都把友情寄托在了酒里。

在本堂课中，我用学生容易接受的通俗音乐作为导引，为他们在古典与通俗间架起了桥梁。

音乐教学中的情境创设，是一个吸引的过程，良好的教学情境可以感染学生，使他们产生浓厚的学习兴趣，积极投身到音乐实践中去，促进情感体验。

新的音乐课程标准在《关于教学内容》的几点提示中指出：音乐教学要创设与乐曲表现内容相适应的教学情境，激发学生富有感情的表现力，调动每个学生参与的积极性，培养学习音乐的信心，使他们在欣赏过程中受到美的愉悦，美的熏陶。

如：《渔舟唱晚》可以用三幅画将整首乐曲连接起来：第一幅：湖滨晚景；第二幅：渔歌飞扬；第三幅：湖边月色。

教学过程：

1。结合三幅画听全曲，并为乐曲分段。

2。分段听赏，体会每段画面和情境的不同。

第一段：安静；第二段：热闹；第二段：安静。

3。用手里的乐器和模仿每段的音响效果。

第一段水声较弱，用报纸模仿水声。第二段学生可以自己设计船桨划水声，启发学生还会有什么声音，可以有人声，有很多船靠岸，船上人的讲话声。

4。用自己设计的音响效果和音乐。

用图画和音响让学生身临其境，理解曲中意境，对于学生来说，要理解中国古典音乐，这应该是行之有效的方法。

在教学中提倡综合教学法，把其他学科如文学，当然更少不了音乐的姊妹艺术如舞蹈、戏剧、影视、，有机融合于音乐教学中，“即以共同的要素实现各学科的沟通和连接，这种综合有利于培养学生的艺术通感能力，而达到超越种种感官的特异性而上升到相互沟通和相互替代，比如听到音乐产生视觉表象，看到形状色彩，产生冷热轻重的感觉”［4］。

诗、画、乐合为一体的教学，如：《梅花三弄》。

导引：

1。播放群舞《梅花》。

师：大家看出这段舞蹈表现的是什么吗？

生：梅花。

师：你们见过梅花吗，它有些什么特点？

学生接着会答出梅花的形态、颜色。教师再以梅花在冬季开放来引出梅花具有的坚韧品质。

2。出示梅花图片，学生在视觉上被梅花所吸引。

3。古今有许多以歌颂梅花为题材的艺术作品，如诗词：陆游的《梅花绝句》：“幽谷那堪更北枝，年年自分着花迟。高标逸韵君知否，正是层冰积雪时。”毛爷爷的词《卜算子·咏梅》：“风雨送春归，飞雪迎春到。已是悬崖百丈冰，犹有花枝俏。俏也不争春，只把春来报。待到山花烂漫时，她在丛中笑。”

师：让学生背诵王安石《梅花》：“墙角数枝梅，凌寒独自开。遥知不是雪，惟有暗香来。”

师：我们欣赏了这些表现梅花的艺术作品后，来听一段音乐《梅花三弄》，大家注意这首乐曲表现的梅花的高贵品质，并注意这首乐曲的主题。（欣赏）。

师：听赏完这首乐曲，大家来讨论一下梅花的品质。

生：不畏严寒，迎雪怒放，刚毅坚贞。

师：再听一遍全曲，注意主题反复了几次？

生：主题反复三遍。

师：对，这也是“三弄”的来由。

复听全曲，进一步理解曲中意境。

《红梅赞》是在江姐走向刑场所唱的，这首歌用梅花比喻共产党人的高贵品质：越是面临危险，越是信念坚定。《梅花三弄》的难点在于它是表现意境而非表现情境，前面之所以用了很长篇幅的两种艺术形式来导引，就是为了让学生先理解意境，再沿着这个方向听赏音乐。

其实在这三种教学方法中，都少不了应用其他姊妹艺术，如在欣赏《渔舟唱晚》时，可让学生先吟诵白居易的《暮江吟》。又如在欣赏《阳关三叠》时，可以让学生在课前准备一些表达友情的诗句，如：李白的《送孟浩然之广陵》、《赠汪伦》等。这些都可以和音乐教学融会贯通，帮助音乐教学更顺利更有效地开展。

参考文献：

［1］曹理，缪裴言。中学音乐教学论新编［m］。高等出版社，19xx。

［2］教育部司。音乐课程标准［m］。北京师范大学出版社，20xx。

［3］课程教材研究所。小学音乐教材六年级下册［m］。人民教育出版社，20xx。

［4］邓晓霞，杨宁。中国音乐欣赏与相关知识在教学中的综合与延伸［j］。儿童音乐，20xx，（4）：34—38。

古典音乐论文

中华文明源远流长，中国古典音乐算是中华文化圣境中的一朵奇葩，我们的祖先在不断抗拒自然界的威胁以及漫长的艰苦劳动中提炼出最早的音乐，早在周朝，就有了由政府设立的“大司乐”总管的音乐机构。《史记·五帝本纪》记载，尧命舜摄政，后舜任命夔为典乐，“教稚子”，“诗言意，歌长言，声依永，律和声，八音能谐，毋相夺伦，神人以和”。《史记·乐记》记载，“昔者舜作五弦之琴，以歌南风；夔始作乐，以赏诸侯”。

中国古典音乐经过千百年来的流传发展，形成了优美动人的曲调与层次丰富的多重美感以及丰富的情感表达。

（一）情境交融意境美。

中国古典音乐的创作中，精通乐律的创作者大多以文人雅士为主，所以中国古典乐与中国画有着共通的追求——意境美，力求将生活图景与思想感情融合在一起，使听众通过想象融入到乐曲中，在思想感情上产生共鸣获得身临其境之感。如《春江花月夜》这首名曲，清新优雅，其旋律婉转质朴，节奏流畅而富于变化，明快处若江水横流；静谧处若清风拂面，凡是听者都能融入其意境：江南春时，江畔泛舟，清风徐徐，明月初升，江两岸花影摇曳，使人沉醉。

（二）磅礴悲怆悲剧美。

悲剧的特殊效果在于引起人们的怜悯与恐惧之情，其内在往往蕴涵着激烈的矛盾冲突，给人以痛苦、悲哀的感受，使人产生悲悯之心，激发人们对现实生活的思考。这种感觉不仅仅只有戏剧可以带来，同样音乐也可以通过深沉、哀怆的悲剧性情感表达带给听者上述体验，观众可随着哀婉动人、如泣如诉的旋律感受到乐曲的情感表达。如古曲《阳关三叠》，该曲取材自王维的七言绝句《送元二使安西》，共分三大段，一个曲调变化反复，迭唱三次，故称“三迭”。整曲曲调淳朴而又蕴含激情，情真意切，苍凉沉郁，表达了挚友分别的无穷伤悲与深切关怀之心。

（三）气势恢弘壮丽美。

音乐的神奇之处在于，它可以凭借旋律就使人热血沸腾、人心激荡。也可以通过一件或几件乐器就描画出壮丽恢弘的大场面，琵琶曲《十面埋伏》描述了公元前202年楚汉战争垓下决战时的恢弘情景。用不同的演奏技法表现了出征前金鼓齐鸣、众人呐喊的激烈场面，乐曲有散渐快，调式的复合性及其交替转换，增加了乐曲的不稳定性。又以接连不断的长轮指手法和“扣、抹、弹、抹”组合指法，表现将士威武的气派。曲调时而宁静而紧张，意表现垓下伏兵；时而急促紧张，表现两君刀剑相向、短兵相接。其中有描述两军激战生死搏杀的场面，又有悲情壮丽败阵自刎的无奈。

服装表演中的音乐是指为配合服装表演而专门制作或选择的背景音乐，音乐的选择依据是要与服装表演的主题和编导的所要表达的意图而相合的。服装表演的音乐的作用就是要在表演过程中将服装、模特、观众三者联系起来，从听觉角度来调动模特情绪使之准确把握服装内涵、感染观众拉近观众与作品距离，从而补偿服装表演因表象性而产生的不足，深入观者内心，为观众提供情绪、情感等心理暗示并引导观众的.观赏思路，从而营造更好地表演氛围。

服装表演是舶来品，所以服装表演中常见的背景音乐多见现代流行乐或西方音乐，少有中国古典音乐现身其中，随着中国风火遍时尚圈，中国古典音乐作为不论是从任何一种审美角度都经得起审视的音乐形式，早应该褪去大众印象中的古板外衣而被融入进现代服装表演当中。近年来音乐工作者们也在为中国古典音乐现代化可重回大众视野做着不懈的努力，其中经过改良的中国古典音乐不仅没有失去其厚重古朴的特色反而变得更加时尚了，比如“十二女子乐坊”的新民乐就多见于服装表演的舞台之上，新改编的《茉莉花》、《春江花月夜》等乐曲经过新的编曲及配乐后时尚动感、节奏鲜明、旋律流畅、气质清新，更加契合了服装表演音乐的选择标准。改良后的中国古典音乐很适合做展示中国风格服装的背景音乐，这使得观者感受到的视觉美与音乐的美感能完全契合，形成一个“美的整体”。使舞台上具有中国元素的服装更加的贴近观众内心，模特的表演愈加鲜活。音乐的感染力與模特的表演相互呼应，整个表现过程顺畅连贯、丰富生动，不仅使服装的魅力得到了提升，更是赋予了服装生命。

古典音乐论文

内容摘要：在东方“同情观”的影响下，形成了“天人合一”“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观，二者深刻地影响着中国古典音乐的审美思维。文章就这两个方面论述东方“同情观”对中国古典音乐审美思维的影响。

关键词：东方“同情观”中国古典音乐审美。

一、东方“同情观”对审美思维的影响。

“万物有灵观”是东方原始自然宗教的核心，是先民对外界自然物原初的看法。他们相信万物是有灵魂、灵性的，灵魂是不死的，人的灵魂在千变万化中可转变为各种动植物。因此，先民们认为，整个宇宙的万事万物是一个相互依赖、相互联系的统一体，动植物和人的生命在本质上是一体的，是同情同构的，是相互感应、彼此渗透沟通的，甚至是可以相互转换的，这就是东方的“生命一体化”观念。原始初民在深信各种形式的生命在本质上是一体的基础上，把客观存在的自然物、自然力加以拟人化或人格化，赋予他们以人的意志和生命，把他们看成是同自己一样的具有相同的生命和思想感情的对象。他们认为，那些活动量愈大的对象，物活感愈强，生命力和情感也愈充分。既然自然事物同人类的生命现象和感觉思维有相似之处，原始初民就以一种特别的眼光去看待外在自然，以一种特别的情感和心理去体验外部的世界。因此，他们不是孤立地、片面地看待外部事物，他们以己度物，以类比的、拟人的眼光去想象、猜测其他生物的活动，对植物与动物产生了“互渗”的、生命交感的“物我同一”“物我不分”的情感。这种“以同情同构、物我交感、物我互渗”的“同情”的结果，形成了自然物与人之间“生命一体化”的生命“同情观”。这种“同情观”影响着东方的原始初民审美观的形成，因此，在“万物有灵观”的支配下，根据万物的“同情观”，形成了东方的审美思想。

由于东方审美“同情观”就是东方审美的基础，所以，在“同情观”的影响下，东方审美以自然万物对人的生命是否有益有害为美丑的判定标准，也就是说，东方审美最核心部分就是天人合一，关注人的生命，以旺盛的生命力的形式为美。这种人本主义的美学思想，同东方人本主义的宗教观念、东方人本主义的伦理观念一起构成了东方哲学思想的精髓。由此导致了东方民族无一例外地以生命为美，以生机盎然的动物、植物的形态为美的特点。埃及美学思想力求表达生命永恒的理念。印度美学中的“梵我如一”的人生理想，正是对人的生命无限延伸的渴求。印度大量性感的雕塑人像，也是表现性力崇拜和对健美的富于性感的肉体的赞美。日本美学可以说是森林美学或植物的美学，植物的生命状态成为日本音乐表演的基本姿态。中国美学中更是具有生命美学的特征。钱钟书在早年的美学论文中就认为，中国美学是人本主义的美学，它是“通盘的人化或生命化”。中国美学从生死崇拜的艺术造型到龙的意象；从建筑的飞檐到山水花鸟画；从民俗画中的枣子、石榴、莲子等意象到诗歌中的桃花、青松等形象，这些都象征着生命力的旺盛或生殖力的强劲。中国美学范畴中有许多范畴是以人体或植物的生命状态来命名的，如肌理、体性、气、气势、风骨、性灵、心、姿、形神等。可见，天人合一，以生命为美，以生机盎然的生命形式为美的观念，就是东方“同情观”影响下的东方审美思想。

二、东方“同情观”对中国古典音乐审美思维的影响。

在东方“同情观”的影响下，东方审美以自然万物对人的生命是否有益有害为美丑的判定标准，“天人合一”“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观，深刻地影响着中国古典音乐的审美思维。

1.“天人合一”的和谐观念，影响着中国古典音乐中音乐结构的审美。

在东方“同情观”的影响下，古代的东方民族都强调人与天和谐相处，都追求“人与天调”，人与大自然和谐统一，即“天人合一。”而人生最大的理想就是自觉达到天人合一的境界。从《周易》到儒家、道家、释家都认为，人和自然，你中有我、我中有你，彼此都相融而无真正对立。他们或主张泛爱自然万物，或宣扬回归自然，都追求人与自然的和谐融洽。这种追求人与天调、亲爱自然的观念，对艺术审美有着非常深刻而强烈的影响。比如，关于音乐的构成，《礼记·乐记》曰：“感于物而动，故形于声，声相应，故生变。变成方，谓之音。比音而乐之，及干戚羽旄，谓之乐。”比如，庄子在《齐物论》里说：“天地与我并生，而万物与我同一。”

在中国古典音乐中音乐结构的审美，也体现着这种“天人合一”的和谐观念。受东方“同情观”中“天人合一”和谐观念的影响，中国古典音乐更多地借助其结构来表现天地自然和生命意识的一体化，更多地呈现出一种“游心于万物之初，天人合一”的思维方式和宇宙观念，由此而塑造着传统音乐家随机开放的以时空意识为先导的艺术思维品格，从而形成一种象征生命运动的主体文化心理的乐之随心结构范式。他们常常运用一种即兴性的自由变化的反复，主体的情感与心理变化随机发挥而又统一于结构之中，注重整个音乐进行过程中的感受与体验，故能给人一种浑然一体的整体美和自然性结构美的印象。所以，中国古典音乐一般是一种散体性的结构，它不追求内在的一种张力，而更多考虑的是一种自然的融入，注重对宇宙自然一草一木、一事一理细细嚼味的生命领悟和情感体验。它的结构犹如水墨画的长卷构图，自由而松散，虽然没有一个严格的整体布局，但却错落有致，通过音乐速度与节奏的疏密变换、对比与统一来体现其对音乐的合理组织，即所谓贵在意到情适。比如，《十面埋伏》琵琶古曲，曲式结构采用多段体和变奏的原则，但是音乐之间又有密切的联系，具有传统戏剧及章回小说的叙事特色。这种联系，不是靠逻辑和结构来进行整合的，而是自然的一种发展和变化，也就是我们通常讲的是情感的需要，变化的需要。

东方民族在“同情观”影响下，形成了“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观。这一特点在东方所有的审美形态上都表现出来，东方民族所产生出的经验性的审美范畴，几乎都染上了以健旺的生命形式来类比、象征地表达的色彩。比如，东方民族人体美的观念就是健康、性感、生动、姿态优美、服饰艳丽。对山水之美的要求是雄壮、气势、葱茏的植被；森林宁静而深沉，充满深意。最根本的是，在艺术表现自然与人的时候，无论是对对象的性质、形态还是其他形式因素方面的展现，都以旺盛的生命力和物活感为基准，来传达生命力之美和崇拜这种美的感情。

正是在这种“以生命为美”“以生动生气的形态为美”的'观念的支配下，才使得追求对生命本质的完美表达，对生活中生命情趣的自我表现，成为了中国古典音乐的重要精神内涵。因此，中国古典音乐均是通过身体与心灵的内在体验的方式去构建或接触音乐世界，以生命直觉体验去发现和把握音乐的内涵。所以，中国古典音乐重视情感和体验，重视从音乐结构到意境要体现艺术家用“心”去完善自身体验的心理过程；重视把“人”作为中心来加以强调的深层体现。中国古典音乐美学思维遵循的不是理性的逻辑思维程序，而是情感的、意愿的、欲念的趋向。在古代士人的观念里，音乐是心灵世界的直接产物，“音者，心声也”的说法就曾得到历代士人的拥戴。从对听者心灵的攫取来说，音乐由于是发乎人心，比语言要显示出更多的优越性，所以孟子说：“仁言不如仁声之入人深也。”也就具有普遍的代表性。可见，中国古典音乐就是由声构成音，由音构成乐，由乐表现为音乐的整体艺术。正如《礼记·乐记》中的《乐象篇》曰：“是故情深而文明，气盛而化神，和顺积中，而英华发外，唯乐不可以为伪。”这段话揭示了音乐极为丰富而又高尚的境界，它无疑是一种特有的文化内涵及人的生命力的表现，昭示着人类灵魂之真。《天闻阁琴谱》所记载的古琴曲《流水》，之所以被演奏者钟爱，就在于作者的内心世界对自然的静穆观照，以及同宇宙自然相与悠游所产生的体验境界，它所激起的不单纯是情绪变化，更是生命之道的超升。所以，乐曲虽然表面上是对景物的描述，而实质是借景抒情，体现着一种坦荡阔大的胸襟以及百折不回、勇往直前的精神境界。正如康斯坦丁诺夫《音乐美学原理》所言：“音乐拥有极完美的手段，以精确地组织音乐能够广泛引起那些情绪、感受和情感，并在那些情绪、感受和情感中反映特定时代的、社会阶层的、特定类型人所特有的复杂的人的态度。”正是在这种“以生命为美”“以生动生气的形态为美”的审美观念的支配下，中国古典音乐才走上了重神轻形，追求音乐中体现最高境界的精神内涵的道路。

综上所述，在东方“同情观”的影响下，东方审美以自然万物对人的生命是否有益有害为美丑的判定标准，形成了“天人合一”“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观，深刻地影响着中国古典音乐的审美思维。

古典音乐论文

通俗古典音乐是当代新兴的音乐形式，是文化融合和音乐发展的必然结果。古典音乐文化底蕴深厚，旋律经典、优美，通俗音乐表达形式丰富，表达手段多样，因此集二者优点于一身的通俗古典音乐有着深厚的文化内涵和丰富的文化表达，是当前音乐发展和文化发展的主要趋势。下面本文将从通俗古典音乐的艺术特点和创编手法两个方面对通俗古典音乐所体现的文化融合和表现进行探析。

通俗古典音乐是以通俗音乐的表达方式对古典音乐进行重新演绎，因此通俗古典音乐具有融合两种音乐艺术特点的表达方式，这也是通俗古典音乐的基本艺术特点。古典音乐有着悠久的历史和深厚的文化沉积，在漫长的发展岁月中流传下来很多经典的音乐曲目。通俗音乐则是近代发展起来更加贴近人们生活的音乐表现形式，具有当前最广泛的听众基础。因此，融合了两种音乐艺术特点的通俗古典音乐在音乐艺术的表达方式上能够兼两者之长，以更加丰富的表现方式表达音乐中的各个经典。通俗古典音乐让古典音乐通俗化，让通俗音乐经典化。通俗古典音乐可以从通俗音乐中汲取更加丰富的表现形式，更具色彩的舞美效果，更具现代特色的时代气息，同时还可以从古典音乐中挖掘更具文化力量和内涵的音乐内容，从而在艺术表达方式上实现雅俗共赏的表达效果。

《春江花月夜》原本是一首中国古筝独奏曲，在经过现代手段改编后，曲中添加了琵琶、笛子等其它中国民族乐器，成为了一首更具时代气息和古典韵味的中国民乐协奏曲。改编后的音乐由于增加了乐器从而使得音乐表现力得到了加强。此外，改编者还对原音乐节奏和衔接进行了更改，使得音乐更具动感的艺术表现力。通俗古典音乐便是在保留古典音乐主题思想的前提下对音乐进行从音乐内容到表现形式等方面的包装，使得这些古典音乐更加符合现代人的音乐需求和感知变化。当代著名小提琴手陈美便是对古典小提琴演奏进行了大胆的通俗化改革，并首先使用电子小提琴进行演奏，将融合两种音乐艺术特点的通俗古典音乐表达优势表现得淋漓尽致。她改编的《化蝶》既有古典音乐的婉转动人，又有现代音乐的激昂、壮美，将生死缠绵的爱情主题表达得更加彻底。改编后音乐在表现梁山伯与祝英台两人由相识到相爱的过程时曲风秉承中国传统古典音乐的舒缓、悠扬，喜悦、亲切，让听众如醉如痴而在表现两个人无法在一起时又采用电子小提琴激烈的演奏方式，将两个人与命运抗争的悲愤表现得壮烈、激昂。由于融合了古典音乐和通俗音乐的两种表达方式，因此这首改编后的《化蝶》一经推出便受到了音乐爱好者的追捧，其观众群体也包括了不同年龄段的音乐群体。由此可见，将古典音乐和通俗音乐融合而成的通俗古典音乐，在音乐表现方面并没有失去古典音乐的文化底蕴和流行音乐的表现能力，也没有失去两个不同音乐受众群体的观众。不同的音乐爱好者都能在通俗古典音乐中找到自己所钟爱的音乐元素，并且喜爱这种新型艺术的表达方式。

无论古典音乐还是通俗音乐，都是文化的重要表现形式和主要载体。即使单独分析古典音乐或者通俗音乐，不同地域的古典音乐和通俗音乐也都有着文化上的差异，例如，中国的古典音乐和欧洲的古典音乐就有着较大的文化差异，不同国家和地域的通俗音乐也都有着各自鲜明的文化特色。因此，将古典音乐通俗化过程中所进行的通俗古典音乐中可以看到更多对于文化的多元化表达。古典音乐通俗化的发展背后是世界各民族文化互相学习、交流和融合的结果，因此这个过程是对文化进行多元化表达和融合的过程。从层次上看古典音乐和通俗音乐属于不同的文化形态。古典音乐是不同民族传统文化或者古典文化的集中体现，例如，中国的古典文化便体现着中国传统文化中“天人合一”的道家思想。欧洲的'古典音乐则体现着欧洲古典文化中对于礼教的规范和对科学的研究。而通俗音乐则表现的是在当前社会发展的状态下，普通大众人们的文化意识形态，即以各种音乐形式和文化形式来表达心中的情感，而不再过分强调表达的形式，打破形式上的束缚，是通俗音乐最主要的文化特征。

通俗古典音乐则是以更加开放、自由的形式对不同文化的表达和致敬。中国年轻歌手李玉刚演唱的《新贵妃醉酒》从名称上看便是一首对古典音乐重新演绎的曲子。演员的服饰也深合中国古典文化的内涵。但在演唱的风格和唱法上，李玉刚则展现了在古典音乐和通俗音乐之间游刃有余的演唱功底。其中，无论是对于歌曲通俗唱法的叙述还是对于歌曲升华时中国传统旦角唱法的演唱，李玉刚都演绎得尽善尽美。这首对于文化多元化表达的古典通俗歌曲一经推出，便深受不同层次音乐爱好者的喜爱。通俗古典音乐的文化魅力可见一斑。美国著名的跨界歌手莎拉·布莱曼便是一位融合古典和通俗两种演唱风格于一体的著名歌手。北京奥运会上她演唱的主题曲《我和你》让全世界人们感受到古典音乐的空灵和现代音乐的激情完美融合的音乐佳作。而在演唱的背后，是莎拉·布莱曼音乐学习过程中对于两个层次的文化进行学习和理解的结果。通俗古典音乐对于文化的表达内涵和表达形式更加丰富和多样，是对文化多元化表达的体现。

1编配手法改变。

在通俗古典音乐的创编手法中，编配手法改变是其最常用的创编手法。古典音乐虽然在创作的格式上不如通俗音乐那样自由和丰富，但其漫长的积累和沉淀是新兴的通俗音乐所无法相提并论的。古典音乐中经典、优美的旋律举不胜举，并且经过代代相传在人们心中留下了深刻的印象。因此，对于古典音乐中一些旋律的借用变成了通俗古典音乐创编的主要手法。例如，中国的古典音乐《茉莉花》原本是一首江苏民歌，因为其旋律优美，流传甚广，深受广大听众的喜爱，因此被中国乃至世界的众多音乐家重新编配出各种不同版本的《茉莉花》。同样迷人的旋律，因为编配手法的改变而使得音乐在不同的地区散发出不同的色彩。上文所述陈美演奏的《化蝶》从创编手法上看同样是一首用通俗的编配手法对古典音乐进行创编的过程。创编者对这首古典的曲目进行了深入的分析，通过编配手法的改变对曲子中的旋律情感进行加强，尤其在表达两个人在和命运进行抗争的旋律时，通过电子小提琴演奏的编配使得曲子的基调变得格外激昂、壮烈，这是传统旋律中所无法达到的艺术效果和文化效果。对于古典曲目创编手法的改变同样体现着不同文化在音乐表现上的融合。通俗音乐中自由、开放、丰富的创编方式体现着现代流行文化中对于情感表达的自由、开放和丰富。因此，对于古典音乐运用现代文化的创编方式进行重新编辑是现代文化对于古典文化重新解读和演绎的过程。例如，中国的传统音乐中多以单乐器表演为主，这源于中国传统乐器多取材于自然，因此单乐器演奏更能够表达人与自然的和谐关系和意境。而现代文化中多文化的交流与融合已经成为了文化发展的主流趋势和动力，因此人们在对古典音乐重新编配时，自然引入了更多的乐器来表现更加复杂的情感内容和文化内容。此前一些不曾有过的乐器搭配在新时期的通俗古典音乐创编中被全新地组合和搭配在一起。文化的融合为创编方式的融合提供了文化基础和动力。经过创编后的通俗古典音乐在保留原古典音乐文化内涵的基础上又增添了多元化的文化形式。

2音乐元素的融合。

通俗音乐中的音乐元素更加丰富，音乐表现上也更加注重对各种音乐元素的运用。灯光、舞美、音效、服饰等都被十分重视地运用到音乐表演中。在通俗古典音乐中，创作者通过对各种音乐元素恰到好处的改变，将古典与通俗两种音乐完美地融合在一起。如上文所述的莎拉·布莱曼在一场演唱会中为了突出“月光女神”这一主题，设计者用圆形的幕布将舞台四周围起，并通过灯光的变幻营造出一个神秘的宫殿氛围并且根据演唱的曲目而不断变化着场景。在演唱《月光》时，站在舞台中央的身穿黑色纱裙的莎拉的歌声在上空悠悠地回旋，舞台布景随着天籁般的音乐变成了一个广裹的夜空，上面点缀着星光。无不带给人以巨大的视觉冲击力。演唱会灯光的运用可谓是恰到好处地把握了音乐的脉搏，如同人的情绪一般非常好地调节了现场气氛。当音乐的旋律低缓时，灯光也变得暗淡。当莎拉演唱《今夜无人入睡》时，原先一直固定不动月亮形状的天桥这时开始旋起来，此刻身穿一身金光闪闪的演出服的莎拉站在天桥的顶端。当莎拉用她那极具难度的高音唱出歌曲最后一个音符的瞬间，舞台上所有灯光全部聚集在这位女神身上。完美的舞美、灯光和音响效果为这场融合古典和通俗音乐元素的演唱会画上了圆满的句号。一次完整的音乐表演是由各个音乐元素组成的，因此通过不同文化风格、艺术风格和音乐风格的音乐元素组合而成的通俗古典音乐对于音乐和文化的多元化表达起着十分重要的作用。其中古典音乐元素中的旋律和主题是灵魂，而通俗音乐元素中的舞美、灯光、音效等形式是躯体。两者的完美融合必然塑造出具有灵魂，表现充实的音乐文化作品。同时，不同音乐元素的融合也体现着多元化文化的融合，具有更具时代性的文化创作。

3音乐结构的改变。

对古典音乐结构进行大胆的创新和改变，创造出兼具古典音乐和通俗音乐结构的新型音乐是通俗古典音乐发展过程中的重要过程。每一首音乐的创作都源于那个时期特殊的文化背景和创作者的情感状态。在古典音乐发展的漫长岁月中，音乐人对于古典音乐尤其是一些经典音乐曲目只有传承而稍有创新，更不用说改动。代表着文化融合的通俗古典音乐由于丰富了音乐的创作手法，因此便开始了对古典音乐结构改变的创新式设计。例如，现代著名的钢琴演奏家理查德·克莱德曼便善长对古典音乐结构进行创新和改变。在他演奏的贝多芬《命运交响曲》中的《命运》不但承袭了贝多芬的庄严宏伟以及与命运顽强抗争的音乐精神，同时用动感而鲜明的节奏把贝多芬的这首乐曲“摇滚”化了。在演奏的开头，理查德·克莱德曼采用了猛烈的键盘敲击来表达命运所具有的壮烈、激昂等主题属性，之后又改用辽阔的旋律表达了与命运抗争胜利之后的安宁与喜悦。前后音乐结构的巨大反差将贝多芬的名言“如果这是命运，我要扼住命运的喉咙”表现得淋漓尽致。钢琴曲的原结构虽然同样用于表达贝多芬与命运抗争的主题，但强烈之中缺少变化，所以表达的情感虽然强烈却并不丰富。理查德·克莱德曼对这首乐曲结构的改变无论从情感的表现上，还是音乐的变化上都是十分成功的。由于融入了不同的文化内涵所代表的音乐结构，这首改编后的钢琴曲也成为了通俗古典音乐中一个重要的符号被广泛研究。

古典音乐是人类重要的文化遗产。那些经典、优美的旋律是人类千百年来文化和智慧的结晶。以通俗音乐的表达方式对古典音乐进行新的创新和演绎是当代对古典音乐重要的传承方式。通俗古典音乐不仅表现着两种不同音乐形式的融合，也承载着不同文化的交流与融合。本文从通俗古典音乐的艺术特点和创编手法两个方面对通俗古典音乐所体现的文化融合和表现所做的分析为中国通俗音乐的发展和古典音乐的传承起到了积极的推动作用。

中国古典舞

古典音乐论文

中小学学生身心正处在不断变化发展的阶段，自我意象具有很强的可塑性。学生所建构的自我意象会促使他们对事物产生相应的态度，包括对古典音乐。在中小学古典音乐教学中，教师可以通过榜样积极评价等各种办法创造欣赏古典音乐的积极意象，如“聪慧”“高雅”“博识”和“专业”等，并将这些积极意象转化为学生的自我意象，从而激发中小学生学习古典音乐的兴趣。

“社会影响能塑造行为”。我们在生活中的种种行为、活动都会受到大量社会心理因素的制约。中小学学生正处在身心发展的重要阶段，“自我”认知比较模糊，更容易受到影响。因此，通过在古典音乐教学过程中对学生自我意象的形成加以积极影响，可以激发学生欣赏古典音乐的兴趣，增强学生学习古典音乐的动力，从而提高教学的效果。

对每个人来说，“自我”是很重要的一部分。我们会形成何种人格？我们会对何种事物更感兴趣或更为偏爱？这些都是在我们形成自我意象的过程中逐渐明确起来的。我们的自我概念（即自我意象）可以说是一个关于自己的信念的集合，它由“自我图式”和“可能的自我”两部分组成的。自我图式是指自我概念的构成要素以及定义自我的那些特殊信念。简言之，就是关于“我是谁”的答案。而自我概念不仅包括关于我们是什么样子的自我图式，还包括我们可能成为什么样子，即可能的自我。人的可能的自我包括我们梦想中自己的样子，还包括我们害怕成为的样子。“可能的自我会激发出一种我们渴望的生活愿景，对我们能够产生巨大的激励作用，或促使我们努力避免成为自己害怕的样子。”因此，人们在形成自我意象时，会更愿意去选择积极的意象，并尽力使之成为自己的自我意象。

要通过影响学生自我意象的形成来培养他们学习古典音乐的兴趣，我们不仅要知道自我意象是什么？还要知道它是如何形成的？它在形成的过程中是如何受到影响的？怎样才能使“欣赏古典音乐”成为学生积极认同的自我意象？当代著名法国心理学家、哲学家拉康·雅克通过对亨利·瓦隆的“动物与婴儿的镜像实验”的研究，提出了“镜像理论”。他指出6到18个月的婴儿通过看镜子会形成一种完整形式的图像，然后将这个完整的图像误认为是他自己。“一个尚处于婴儿阶段的孩子，局部趔趄，仰倚母怀，却兴奋地将镜子中的影像归属于己，这在我们看来是在一种典型的情境中表现了象征性模式。在这个模式中，我突进成一种首要的形式。”

此时，婴儿所产生的这个完整形式的图像并不是一个自我意识，而是“我”的另一个影像。他认为婴孩“要在玩耍中证明镜中形象的种种动作与反映的环境的关系以及这复杂潜象与它重现的显示关系，也就是说与他的身体，与其他人，甚至与周围物件的关系。”拉康认为，人是没有本我的。人一开始对自我的认识是“无”，通过对所获得的一系列外在意象的想象，建立了一个伪自我，并将其误以为是真我。之后，在各种外在性的获得中不断地加强对“伪自我”的认同，于是，人的自我意象就此建立。拉康的镜子阶段就是这样一个“想象性的自我的认同过程”。查尔斯·库利也提出了“镜像自我”，即“用以描述从他人的反馈那里获得对自身性质的发现的过程”。

简言之，就是描述我们如何利用“我们认为别人如何看待我们”为镜子来认识我们自己。乔治·米德精练了这个观点，他指出：与我们的自我意象有关的并不是别人实际上如何评价我们，而是我们想象中他们如何评价我们。例如，“人们经常会采用换位思考的方式，站在他人的立场来看待自己，对自己的外貌或行动作出判断。”就目前研究而言，自我意象的形成多是人对自己喜爱的行动和外表进行观察，根据自身的能力和特征进行一定的`调节，最后将其吸收成自己所希望的意象。我们会通过他人的反馈或换位思考来反思自己，从而完善自己的自我意象，故我们每个人自己所形成的自我意象会受到他人的影响，同时也是自己所欣赏和希望的。人的自我意象的形成会受到客观环境、他人评价以及个人感受等多个方面的影响。在自我意象形成的过程中，我们会趋利避害，尽量选择有利自己、适合自己、自己希望的自我意象，即一种自己积极认同的自我意象，一个更好的“可能的我”。教师在古典音乐教学过程中，通过各种方法创造学生积极认同的自我意象，将可激发学生学习古典音乐的兴趣，达到提升教学质量的目的。

在教学中，教师可以将欣赏古典音乐“与一些美好的特质联系在一起的，比如欣赏古典音乐是有教养、有文化、见多识广的行为等，借此深化和巩固学生这些可能积极认同的自我意象。当欣赏古典音乐成为积极的自我意象的一部分时，学生为了形成更好的“可能的自我”，会更主动去了解、探索古典音乐的魅力所在。他们会好奇古典音乐究竟是什么？应该如何欣赏古典音乐？因此，教师在教学过程中要主动地将古典音乐与各种积极的自我意象联系起来，让学生认同“欣赏古典音乐，感受古典音乐美”能塑造一个更好的“可能的自我”，从而激发他们学习古典音乐的兴趣。具体的运用方法如下：

（一）构建“聪慧”的自我意象。

聪慧无疑是学生们都普遍认同的自我意象，在古典音乐教学中，我们可以通过构建欣赏古典音乐而形成的“聪慧”的自我意象，来培养学生对古典音乐的兴趣和爱好。由于榜样在学生当中有着自然的影响力，我们可以利用榜样的影响来构建聪慧的自我意象。榜样因其身上具有某些美好特质而对学生具有很强的引导作用。以《名侦探柯南》为例，柯南是一位富有智慧的侦探，在教学中教师可以利用柯南熟悉古典音乐这一特质来引导学生形成喜欢古典音乐的自我意象。在动漫中柯南便是利用他所熟悉的古典音乐进行破案。他利用贝多芬《月光奏鸣曲》的第一乐章为主要线索，破解了乐谱中所暗藏的密码，最终成功破案。主人公是怎样做到如此了解这首曲子呢？自然是“只有平时常常聆听古典音乐，并对乐曲有深度的了解，才能如此娴熟地破案。”课堂中可让学生来扮演他们视为榜样的聪慧的侦探柯南，通过聆听音乐来“推理”破案，激发学生的兴趣，并在此基础上去欣赏《月光奏鸣曲》。这实际上是给学生创造一种积极自我意象的情境，即能够发现古典音乐暗藏密码的他们也是“聪慧”的。这样，学生会在自觉或不自觉之中更专注地欣赏古典音乐的美，从而达到教学目的。“榜样的力量比格言大得多。”我们通过榜样的力量让学生形成“聪慧的人喜欢欣赏古典音乐”这一意象，并逐步转化成为他们的自我意象。

（二）构建“高雅”的自我意象。

古典音乐是一门高雅的艺术，欣赏古典音乐能够培养高雅气质。在教学中可通过积极评价来帮助学生构建“高雅”的自我意象。积极评价对学生的自我意象形成极为重要，因为人普遍会在自己的期望和他人的评价中认同某些意象为积极意象，并逐渐把这些意象吸收为一个自己接受和认同的“自我”。“喜爱古典音乐”在内化为一种“高雅”自我意象的过程中，需要他人给予积极评价。教师可在教学中利用学生对“可能的自我”的期待，通过积极评价强化学生对“懂得欣赏古典音乐是一种高雅的的行为”这一观点的认同。在教学中可以通过各种背景介绍、大量聆听不同的古典作品等，不断让学生接受、认同这一观点。实际上，古典音乐从一开始就是一种“高雅”的存在。在古代只有贵族才能够欣赏古典音乐。如，《哥德堡变奏曲》是伯爵为了其失眠症而让巴赫创作。在教学中可让学生把自己想象成贵族来进行欣赏，感受和分析这首曲子是怎样帮助入睡的。在较早时期，有许多贵族为了显示自己的高雅，即使不懂古典音乐也去听音乐会，附庸风雅，以至于海顿创作了《“惊愕”交响曲》来讽刺他们，在贵族们听得昏昏欲睡之时让乐队用最大音量的演奏来惊醒他们。这从反面也说明了懂得如何欣赏古典音乐对高雅品位提升的重要性。音乐课上教师可以让学生扮演有一定欣赏能力的贵族，来告诉附庸风雅的贵族们这些音乐的妙处在哪。通过这些方法让学生认同“真正懂得欣赏古典音乐是一种高雅的、能成为更好自我的行为”。

（三）构建“博识”的自我意象。

欣赏古典音乐能丰富我们的视野，让我们成为“博识”的人。每一首古典音乐都承载着许多事物：或许承载着不同国家和民族的历史，或许承载着作曲家的成长与心路历程，或许承载着不同地区、民族的文化底蕴。在音乐教学中，我们可以利用“了解古典音乐背后承载的事物”来构建“博识”意象，激发他们对学习古典音乐的兴趣。“博识”的人能够了解古典音乐背后承载的国家或民族的历史，如贝多芬的《第三交响曲》原本是为了拿破仑创作的，但后来由于拿破仑谋夺革命果实自行加冕为皇帝，贝多芬对他失望到了极点，于是将第三交响曲正式命名为《英雄交响曲》，又如肖邦的《革命练习曲》是在华沙沦陷时创作的。“博识”的人能够了解不同古典音乐背后作曲家不同的成长经历及心路历程。例如，门德尔松在进行了几次欧洲的旅行后创作的《无词歌》就像是他的“音乐日记”，抒发了他的喜怒哀乐以及对人对事对自然的各种印象。又如柏辽兹的《幻想交响曲》，作品中描述的青年人就是他自己。“博识”的人能够了解不同古典音乐承载着不同民族、地区的文化，如斯美塔那创作的《沃尔塔瓦河》，描绘了支撑捷克民族世代生息的母亲河沃尔塔瓦河及捷克人民的生活，又如格林卡的管弦乐幻想曲《卡玛琳斯卡亚》，是以两首俄罗斯民歌为素材而创作的一部民族风格浓郁的双主体变奏曲。在教学中，我们可以让学生先对古典乐曲的背景知识进行了解，让他们作为音乐领域的“博识”之人来向其他的同学介绍将要欣赏的作品。通过背景、线索来欣赏古典音乐，不仅能够让学生更好地欣赏古典音乐，还能丰富学生的相关知识，成为音乐领域的“博识”之人。利用学生对提升自身素养的期盼，通过构建“博识”的自我意象，激发学生欣赏古典音乐的兴趣。

（四）构建“专业”的自我意象。

聆听古典音乐是体验、鉴赏美的一个重要途径，如果要达到较高的层次也需要一定的专业知识。大量聆听、感受古典音乐的美，运用自己所学的音乐知识进行鉴赏，不仅能提高学生的审美能力和审美品位，还能使学生逐渐成为具有专业音乐素养之人。当一个人能够鉴赏古典音乐也意味着这个人已经成为对古典音乐具备一定认知和见解的专业人士。在教学中可以利用“音乐审美鉴赏家”这一专业的身份来帮助学生构建“专业”的自我意象。让学生充分意识到能够运用所学知识鉴赏、品味古典音乐，并向他人阐述、分享自己感受到的音乐美，是一种非常“专业”的行为。在欣赏的过程中，教师应积极引导学生作为“专家”进行鉴赏。如鉴赏贝多芬的《命运交响曲》的开始部分，引导学生从时值、旋律和音量进行鉴赏。乐曲一开始“三短一长”的主题动机出现得既快速又突然，之后便是动机快速连续着，音高上行级进，音量渐强，立刻就营造了一种鲜明的音乐形象，直击人心。再如鉴赏查理·斯特劳斯的《查拉图斯特拉如是说》的开始部分，可引导学生从乐器配置、音乐色彩、音量等方面进行鉴赏。乐曲一开始由低音弦乐器、管风琴和大鼓营造的隆隆声进行铺垫，小号多次演奏出上行音型使音乐色彩不断变化，中间穿插的定音鼓也在不断推动音乐的前进，之后全乐队的演奏形成一个恢弘的高潮，这些都可以让学生在老师的引导下细细地品味并将自己美的感受进行分享。鉴赏家是大众普遍认同的专业能力出众、具有高水平审美能力的人，学生作为鉴赏家来欣赏古典音乐是一种高层次的欣赏行为，运用自己掌握的知识来进行这样一种高水平的欣赏能令其更有成就感。利用学生对具备专业素养的自我期待，构建“专业”的积极自我意象，激发学生聆听、体验古典音乐美的积极性与专注性。

中小学学生自我意象具有很强的可塑性，教师在教学中可以对学生意象的形成加以积极影响，通过各种方法构建积极自我意象，如“聪慧”、“富有魅力”、“高雅”、“博识”和“专业”等，使学生对学习、欣赏古典音乐形成积极态度，在不知不觉中培养学生学习古典音乐的兴趣。以此为垫脚石，逐步强化这一学习动机，让学生产生去探索更深奥、美妙的古典音乐的憧憬。